Een leeshulp bij Elements of Hindu Iconography

Dit bericht is een vervolg op het bericht dat ik
nog niet zo lang geleden schreef
met als titel Shiva en Parvati.
Dat bericht ging over een bronzen beeld dat ik zag in Musée Guimet.
Toen ik het beeld nader onderzocht, stuitte ik op vragen
waarop ik geen antwoord kon vinden.

DSC08104 01 ParijsMuseeGuimetShivaEtParvatiTamilNadu13th-14thCentCEBronzeDonJPSchotsmansEnSouvenirDeJanineSchotsmans-WolfersMA6056
Musee Guimet, Shiva et Parvati, don J.-P. Schotsmans en souvenir de Janine Schotsmans-Wolfers. MA 6056.

Om een antwoord te krijgen op de vraag of het beeld
beter beschreven kan worden als ‘Shiva en Parvati’
of als ‘Umasahitamurti’,
ga ik gebruikmaken van Elements of Hindu Iconography van T. A. Gopinatha Rao.
Het boek verscheen in 1914 en 1916.

ShivaEtParvatiZaaltekst

Maar voordat ik in de inhoud duik, wil ik eerst een beeld krijgen
van hoe het boek in elkaar zit,
hoe het tot stand is gekomen
en hoe het gebruikt kan worden.

Waarom schreef Rao zijn boek?

Het voorwoord van Elements of Hindu Iconography uit 1914
maakt duidelijk vanuit welke vraag T. A. Gopinatha Rao
aan zijn grote studie begon.
Reizigers en onderzoekers konden in India
talloze tempelbeelden bewonderen en beschikten bovendien
over een rijke mythologische literatuur,
maar een systematische verklaring van de beelden zelf
ontbrak volgens hem grotendeels.
De meeste bestaande boeken behandelden
de hindoeïstische goden en hun afbeeldingen
aan de hand van de Purāṇa’s en andere verhalende bronnen.
Daarmee kon men veel leren over de mythen, maar veel minder
over de beeldtaal waarmee deze godheden
in tempels en sculpturen werden voorgesteld.

Rao vertelt dat hij aanvankelijk dacht de iconografie vooral te kunnen verklaren
aan de hand van de verhalende bronnen, zoals de Purāṇa’s.
Al snel liep hij echter vast op de grote verscheidenheid aan afbeeldingen
van één en dezelfde god.
Waarom heeft een bepaalde vorm van Shiva (Śiva) vier armen en een andere acht?
Waarom draagt dezelfde godheid in het ene beeld een hert
en in het andere een bijl?
Waarom verschijnt een bepaalde kroon, houding of handgebaar steeds opnieuw?
De mythologische teksten gaven daarop vaak geen afdoende antwoord.

Een keerpunt vormde daarom zijn kennismaking met teksten
zoals de Śilparatna en de Aṁśumadbhedāgama.
Dat waren geen mythologische verhalen, maar technische en rituele handboeken
uit de tradities van tempelbouwers, priesters en beeldmakers.
Terwijl de Purāṇa’s vooral beschreven wie de goden waren,
welke levensverhalen zij hadden
en hoe zij zich tot andere godheden verhielden,
legden deze teksten vast hoe de goden moesten worden afgebeeld:

  • hoeveel armen zij moesten hebben,
  • welke attributen zij droegen,
  • welke houdingen en gebaren voorgeschreven waren
  • en hoe beelden volgens vaste proporties moesten worden vervaardigd.

Voor Rao was dit een openbaring.
De sleutel tot de iconografie lag niet alleen in de verhalen over de goden,
maar ook in een omvangrijke vakliteratuur
die door eerdere westerse onderzoekers grotendeels over het hoofd was gezien.

Toch zag hij zijn eigen werk niet als een vervanging van deze oudere handboeken.
Integendeel, hij beschouwde ze als onmisbare bronnen.
Zijn ambitie lag elders.
De āgama’s (waarvan de Aṁśumadbhedāgama een voorbeeld is)
en de śilpa-teksten (zoals de Śilparatna) waren vaak moeilijk toegankelijk,
verspreid over verschillende manuscripten en bovendien ingebed
in uitgebreide verhandelingen over rituelen, tempelbouw en theologie.
Rao wilde de iconografische gegevens uit al deze bronnen bijeenbrengen,
onderling vergelijken en vervolgens toetsen aan de werkelijke sculpturen
die hij tijdens zijn reizen door India bestudeerde en fotografeerde.

Daarmee vervulde Elements of Hindu Iconography een nieuwe functie.
Het boek was niet bedoeld als een nieuwe āgama of een nieuwe Śilparatna,
maar als een brug tussen tekst en beeld.
De oude bronnen leverden de voorschriften;
de tempels en sculpturen leverden het zichtbare bewijsmateriaal.
Door beide met elkaar in verband te brengen kon Rao
een systematisch overzicht scheppen van de verschillende vormen
van de hindoeïstische godheden en hun iconografische kenmerken.

Juist daarin ligt de blijvende betekenis van zijn werk.
Waar eerdere auteurs vooral de goden beschreven, probeerde Rao
de beelden zelf te begrijpen.
Zijn studie vormt daardoor niet alleen een samenvatting van oudere teksten,
maar ook een synthese van manuscripten, veldonderzoek, fotografie
en vergelijkende analyse.
Wat hij zelf bescheiden omschreef als een eerste poging om het terrein te ontginnen,
groeide uit tot een van de invloedrijkste standaardwerken
op het gebied van de Indiase iconografie.

Wie waren de ‘voorgangers’ van Rao?

Rao noemt in zijn voorwoord een reeks Europese auteurs
die vóór hem over hindoeïstische goden, mythologie
en afbeeldingen hadden geschreven.
Onderstaand overzicht plaatst deze voorgangers in chronologische volgorde.

VoorgangersDieRaoNoemt

Deze auteurs schreven vooral over de goden, hun verhalen en hun onderlinge relaties.
Rao wilde een stap verder gaan door tevens te onderzoeken
hoe de goden in beelden werden voorgesteld
en welke voorschriften aan die voorstellingen ten grondslag lagen.

Het boek

Het boek van Rao is ingewikkeld.
Niet alleen omdat de inhoud ingewikkeld is, maar ook door de manier
waarop het boek is verschenen en waarop ik het nu kan raadplegen.
Het boek is niet in de winkel te koop.
Ik werk met pdf-bestanden die via Internet Archive beschikbaar zijn gesteld.

VI 012 TAGRaoElementsOfHinduIconography Dedication

Waar ik tegenaan loop:

  • de tekst en foto’s zijn van elkaar gescheiden: de foto’s staan op afzonderlijke pagina’s;
  • de pagina’s met foto’s zijn ongenummerd;
  • de aanbevelingspagina en de lege pagina’s zijn eveneens ongenummerd;
  • het voorwoord, de inhoudsopgave, het overzicht van de platen (foto’s),
    de lijst van geraadpleegde werken en de errata
    zijn genummerd met Romeinse cijfers.

Het resultaat is dat de pagina waarop paginanummer 1 staat gedrukt
in de pdf op pagina 38 zit.

VII 001 TAGRaoElementsOfHinduIconographyCover

Het volledige werk is niet in één boekband verschenen.
Deel 1 en 2 van de eerste helft (Volume I) zijn twee fysieke boeken.
Dat is ook het geval met de tweede helft (Volume II).
Er staat een inhoudsopgave in deel 1 van Volume I en die heeft betrekking
op deel 1 en 2.
Dat is ook het geval met Volume II.
Zowel Volume I als Volume II hebben een Inleiding.

De delen vormen geen zelfstandige boeken met elk een eigen onderwerp,
maar samen één groot naslagwerk.

Als je daar eenmaal vertrouwd mee bent, werkt dat prima,
maar voor een lezer in 2026 is het even wennen.

Daarom heb ik voor mezelf de volgende leeshulp opgesteld.

Inleiding op Leeshulp

Rao ordent zijn naslagwerk niet volgens mythologische verhalen,
maar volgens godheden en hun verschillende verschijningsvormen.
Daarbij volgt hij niet de rangorde die een buitenstaander misschien zou verwachten.
Zo verschijnt Brahmā, die vaak tot de grote hindoeïstische goden wordt gerekend,
pas tegen het einde van het werk,
terwijl Vishnu, Shiva en de Godin daarvoor al honderden pagina’s in beslag nemen.
De indeling lijkt vooral bepaald door de rijkdom van de beeldtraditie
en het aantal iconografische varianten van iedere godheid.

Weet je welke god of godin is afgebeeld, dan kun je in de betreffende hoofdstukken
verder zoeken naar de precieze verschijningsvorm.

Leeshulp

Ganesha

  • Ganesha (Ganapati), de olifantsgod

Vishnu en zijn verschijningsvormen

  • Hoofdvormen van Vishnu
  • De tien avatāra’s
    • Matsya (vis)
    • Kūrma (schildpad)Varāha (everzwijn)
    • Narasiṃha (mens-leeuw)
    • Rāma
    • Krishna
    • enz.
  • De vierentwintig klassieke Vishnu-vormen
  • Minder bekende Vishnu-vormen
    • Hayagrīva
    • Lakṣmī-Nārāyaṇa
    • Jagannātha
    • Vaikuṇṭha
    • enz.
  • Garuḍa, Vishnu’s vogelvoertuig
  • Gepersonifieerde wapens van Vishnu

Gepersonifieerde wapens van Vishnu

Zon-, planeet- en hemelgoden

  • Sūrya (de zonnegod)
  • De twaalf Āditya’s
  • De negen Navagraha’s (planeetgoden)

De Grote Godin (Dēvī)

  • Durgā
  • Kālī
  • Lakṣmī
  • Sarasvatī
  • Pārvatī
  • Annapūrṇā
  • Saptamātṛkā’s
  • en tientallen andere verschijningsvormen van de godin

Shiva en zijn verschijningsvormen

  • De liṅga (Shiva in abstracte vorm)
  • Liṅgodbhava
  • Candraśekhara
  • Pāśupati
  • Dakṣiṇāmūrti
  • Naṭarāja
  • Bhikṣāṭana
  • Ardhanārīśvara
  • Harihara
  • Bhairava
  • Vīrabhadra
  • Sadāśiva
  • Mahāsadāśiva
  • Rudra’s
  • Vidyeśvara’s
  • en vele andere vormen van Shiva

Shiva’s familie, begeleiders en volgelingen

  • Subrahmaṇya (Skanda, Kārttikeya)
  • Nandikeśvara
  • Caṇḍeśvara
  • Bhakta’s en heilige vereerders
  • Kṣetrapāla

Andere belangrijke goden

  • Brahmā
  • Dikpālaka’s (windrichtingsgoden)
  • Aśvin-tweelingen

Hemelwezens, demonen en halfgoden

  • Nāga’s
  • Gandharva’s
  • Apsara’s
  • Asura’s
  • Ṛṣi’s
  • Pitṛ’s
  • Maruts
  • Vasu’s
  • en andere lagere goddelijke wezens

Technische bijlagen

  • Tempelindeling
    • Opstelling van godheden in een Vishnu-tempel
    • Plaats van de parivāradevatā’s (begeleidende godheden)
  • Beeldproporties
    • Canonieke maten voor het vervaardigen van beelden
    • Het uttama-daśa-tāla-systeem
  • Bronteksten
    • De Sanskrietteksten waarop Rao zijn beschrijvingen baseert

Deze leeshulp maakt meteen duidelijk dat Elements of Hindu Iconography
geen woordenboek van hindoeïstische mythologie is
en evenmin een determinatiesleutel waarmee een onbekend beeld
stap voor stap kan worden geïdentificeerd.
Rao gaat ervan uit dat de lezer al enig idee heeft welke godheid is afgebeeld.
Van daaruit helpt hij de verschillende verschijningsvormen te onderscheiden
en te begrijpen.
In een volgende bijdrage probeer ik deze werkwijze toe te passen
op het beeld van Shiva en Parvati uit Musée Guimet.
Niet om Rao samen te vatten,
maar om te laten zien hoe zijn naslagwerk in de praktijk kan worden gebruikt.


Hieronder volgen, voor wie Rao’s eigen verantwoording wil nalezen,
de Engelse transcripties en Nederlandse vertalingen van beide voorwoorden.

Transcriptie Preface Vol I

The tall spire of the Hindu temple is one of the first objects to arrest the attention of the observant foreigner and excite his curiosity as he travels through India. On going into the temple, he meets with a number of what may perhaps appear to him to be grim and meaningless images, in stone and bronze and other materials, some with two, others with four or more arms, holding a variety of weapons and other more or less curious articles in their hands. The man on the spot may tell him on enquiry that one of those images is the figure of Vishṇu, the god of protection, another that of Śiva, the god of destruction, and so on, about the innumerable gods and goddesses comprised within the tolerant and all-inclusive fold of the Hindu religion. Some such foreigner, more curious than others of his kind, is sometimes tempted to study these images somewhat carefully, find out their number and characteristics, and gather the legends relating to them from the Purāṇas and other sources, as also from the learned natives of the country well versed in their religious and mythological lore. Then at last he may come out with his volume on the Hindu gods, on Hindu mythology and other kindred subjects. Such in fact are most of the books that have been written hitherto by foreign authors on topics relating to Hindu Iconography.
It is exactly two hundred years since Ziegenbalg, the famous Danish missionary of Tranquebar, wrote his work on the “Genealogy of the South Indian Gods,” with the aid of the information he gathered from some people of the Tamil land. In the year 1785 the book known as “Sketches of the Mythology and Customs of the Hindus” was brought out by George Foster. Moore’s “Hindu Pantheon”, with illustrations, was first printed in 1810, and then reprinted by Messrs. Higginbotham & Co., of Madras, in 1864, with notes from the pen of the Rev. W.O. Simpson. “Ancient and Hindu Mythology”, a work written sympathetically and in defence of the views of the Hindus, with a large number of extracts from the Purāṇas and other Hindu scriptural sources, was thereafter brought out by Col. Vans Kennedy in 1831. Another work named “A Classical Dictionary of Hindu Mythology” was published by John Dowson in 1879.
The last among such works is W. J. Wilkins’ “Hindu Mythology”, illustrated with pictures, and explained with reference to the Purāṇas and other religious writings of the Hindus. It will thus be seen that books dealing with Hindu images and Hindu mythology are not altogether wanting. Nevertheless, Fergusson, who is an eminent authority on Eastern and Indian architecture, has justly remarked—“Whenever any one will seriously undertake to write the history of sculpture in India, he will find the materials abundant and the sequence by no means difficult to follow; but, with regard to mythology, the case is different. It cannot, however, be said that the materials are not abundant for this branch of the enquiry also; but they are of much less tangible or satisfactory nature, and have become so entangled, that it is extremely difficult to obtain any clear ideas regarding them; and it is to be feared they must remain so, until those who investigate the subject will condescend to study the architecture and sculpture of the country as well as its books. The latter contain a good deal, but they do not contain all the information available on the subject; and they require to be steadied and confirmed by what is built or carved, which alone can give precision and substance to what is written…..
“It is remarkable that, with all the present day activity in every branch of Sanskrit research, so very little has been done for the illustration of mythology, which is so intimately connected with the whole literature. It would be a legitimate part of the duty of the Archaeological Surveys to collect materials on a systematic plan for this object; and the production of illustrations has now become so easy and inexpensive that photographs from original materials of a satisfactory class might readily be published to supply this most pressing desideratum. The details of the emblems and symbols of the numerous divinities of the pantheon could also be collected, along with the delineations, by those familiar with such symbols. All this could easily be accomplished, and it is consequently hoped it may before long be attempted.”
It has to be said that the books by European authors referred to above do not contain the information which is available in indigenous Sanskrit works on Iconography; nor do they give pictorial representations of the sculptures that are actually found in this vast country. On the other hand, some of those authors have given what might be well understood to be their own version of Hindu mythology, and in their descriptions of Hindu images, with here and there a pungent remark about what they consider an uncouth representation or an immoral legend, they seem to have cared to study neither the symbolism underlying the mythical stories nor the meaning of the images illustrating them. A book on the model suggested by Fergusson has indeed been a great desideratum.
The first attempt to supply this want to some extent was made by that many-sided Bengali scholar and author, Mr. Nāgendranāth Vasu, in his interesting volume on the Archaeological Survey of Mayūrabhañja. Some years ago the idea occurred to me that I might try to bring out a book on the subject of Hindu Iconography to supply as far as I could, the desideratum noted by Fergusson. I was originally under the impression that it could be done without pressing much into service the information contained in original Sanskrit works of authority on the subject, even of the existence of which I was not then fully aware. Soon, the bewildering variety of images that were found in relation to one and the same god convinced me that to get at the details of their mythological meaning and moral aim without the help of the Sanskrit works bearing on them was almost an impossible task. Luckily, while touring in North Travancore, I had on one occasion the good fortune to get hold of a small manuscript work entitled Śilparatna; and on deciphering it with considerable difficulty, I found it to be a synopsis in Malayalam verse of a bigger treatise of the same name. Another small fragmentary manuscript, which came into my hands later on, was found to be, from the colophons at the end of the chapters, an āgama called Aṁśumadbhedāgama. Some years previously, I had purchased eight or nine works on Śaivāgama; but, owing to want of time, I had not even taken the trouble to know what they contained. About this time I began to look into them, and what a mine of wealth they revealed themselves to be! They contained chapter on chapter of minute descriptions relating to most Śaiva images and to some Vaishnava images as well. My search for more āgamas and tantras resulted in the collection of a large number of them, which in fact belong to all the various Hindu sects. From the materials thus acquired, I began first to pick up merely the descriptions of images, as they are given in them. The āgamas generally deal with many other topics than simple iconography. While engaged thus, I went on improving at the same time my collection of photographs of the sculptures and castings representing the various Hindu divinities.
In the middle of 1912, I actually began the task of writing out a systematic description of the images, and soon finished the description of a number of minor deities.
After having proceeded so far, it struck me that the chief difficulty in the way of the accomplishment of my undertaking was in securing the required financial aid for its publication. The work required photo-mechanical reproductions of a large number of images, the cost of which alone was quite enough to scare me away from the undertaking. As a matter of fact, I should really have been compelled, howsoever reluctantly, to abandon my cherished object, but for the opportune help and encouragement most generously offered by the enlightened Government of His Highness the Mahārāja of Travancore. The Dewan, Mr. Rājagōpālāchārya, readily perceived the value of the undertaking, and promised to sanction the amount required for the publication of the work. The sympathetic attitude of this highly cultured gentleman at the head of affairs in Travancore afforded a new stimulus and induced me to work with redoubled vigour and earnestness. The required Sanskrit texts were all quickly gathered, but the growth of the collection of the needed photographs did not proceed apace. I then approached the Dewan with the request that I should be permitted to go out on tour to places outside the State, in the Madras and the Bombay Presidencies and also in the Mysore State, to obtain the photographs. The tour was sanctioned; and my visit to these places not only enriched my photographic collection, but was also of a very highly educative value to me. It enabled me to study the various iconographic symbols and emblems directly from the sculptures themselves. Wherever photographing was impossible, there I indented upon my amateur knowledge of drawing and painting. I frequently took pen and ink sketches, and occasionally full-sized coloured drawings of mural paintings, although this latter work was extremely tedious.
I consider it a duty to refer here to the unstinted help which I received from my friend, the late Mr. M. K. Nārāyaṇasāmi Ayyar, Vakil of the Madras High Court, who secured for my work as many photographs as he could take during his visits to various outside stations in the Madras Presidency on professional and other kinds of business, and thereby facilitated my work very considerably. Mr. Nārāyaṇasāmi Ayyar was a well read scholar, critic and philosopher, and was to have contributed to this work a learned article on Dēvi-worship. Unfortunately, however, the hand of death deprived me all on a sudden of the further help to which I had been looking forward with high hope; and the result is that this work has had to lose the advantage of an erudite and complete account of Dēvi-worship from the pen of a profound scholar well versed in the Śākta and other religious schools known to the sacred literature of the Hindus.
I am only too well aware of the several defects which abound in this production of mine, but feel at the same time somehow confident that scholars will look upon them indulgently by taking into consideration the vastness of the material to be collected and digested, and also the fact that my official duties in Travancore have been so heavy as to leave little time for much extra work of this kind. Moreover, I have to state that this is in more than one respect the first attempt of its kind, and does not profess to be anything like a complete presentation of the subject. I shall certainly consider myself under the circumstances to be amply rewarded if this humble work of mine serves the purpose of simply breaking the ground and induces abler scholars to deal with the subject in a fuller and more satisfactory manner.
I take this opportunity of again expressing my deep gratitude to the liberal Government of H. H. the Mahārāja of Travancore for their having made the publication of this work possible; and personally I am highly indebted to Dewan Bahadur P. Rājagōpālāchārya, M.A., B.L., C.I.E., for the enlightened and encouraging interest he has all along taken in the production of this work. I cannot sufficiently thank Pandit V. Śrīnivāsa Śāstri, Smṛitivisārada, but for whose willing co-operation and unceasing industry it would indeed have been very difficult for me to bring out this work. My best thanks are due also to Pandit T. Gaṇapati Śāstri, Curator of the Sanskrit Manuscripts Library, Trivandram, for his readily helping me with all the manuscripts I applied for from time to time in connection with this work. Mr. D. R. Bhaṇḍārkar, M.A., Superintendent of Archaeology, Western Circle, showed me great kindness in lending me his copy of Rūpa-maṇḍana, which seems to be a comparatively late work on Hindu Iconography. I have, in conclusion, to say that I cannot sufficiently express my gratitude and indebtedness to my respected master, Rao Bahadur Prof. M. Raṅgāchārya, M.A., of the Presidency College, Madras, for the very great interest, which he has throughout evinced in the work and the parental care with which he has guided me at every stage of its progress. He was ever ready with his invaluable suggestions, and was to me a never-failing source of inspiration and encouragement. I therefore respectfully beg to tender to him here my most grateful thanks for all the trouble he has taken on my behalf.

T. A. G.
Triplicane, Madras,
September, 1914.

VOORWOORD (Copilot)

De hoge torenspits van de hindoeïstische tempel is een van de eerste zaken die de aandacht van de opmerkzame vreemdeling trekken en zijn nieuwsgierigheid prikkelen wanneer hij door India reist. Wanneer hij de tempel binnengaat, treft hij er een aantal beelden aan die hem misschien grimmig en betekenisloos voorkomen: beelden van steen, brons en andere materialen; sommige met twee armen, andere met vier of meer; in hun handen een verscheidenheid aan wapens en andere, meer of minder merkwaardige voorwerpen houdend. De plaatselijke gids kan hem desgevraagd vertellen dat een van die beelden de gedaante van Viṣṇu voorstelt, de god van bescherming, een ander die van Śiva, de god van vernietiging, enzovoort, behorend tot de ontelbare goden en godinnen die binnen de verdraagzame en allesomvattende kring van de hindoeïstische godsdienst worden vereerd.

Sommige van deze vreemdelingen, nieuwsgieriger dan de meeste van hun soortgenoten, voelen zich er soms toe aangetrokken deze beelden wat nauwkeuriger te bestuderen, hun aantal en kenmerken vast te stellen en de verhalen die ermee verbonden zijn bijeen te brengen uit de Purāṇa’s en andere bronnen, evenals van geleerde inwoners van het land die goed thuis zijn in hun religieuze en mythologische overleveringen. Uiteindelijk kan zo iemand dan een boek publiceren over de hindoeïstische goden, over hindoeïstische mythologie en verwante onderwerpen. In feite zijn de meeste boeken die tot dusver door buitenlandse auteurs over onderwerpen betreffende de hindoeïstische iconografie zijn geschreven op deze wijze tot stand gekomen.

Het is precies tweehonderd jaar geleden dat Ziegenbalg, de beroemde Deense missionaris van Tranquebar, zijn werk over de Genealogy of the South Indian Gods schreef, met behulp van de informatie die hij verzamelde van bewoners van het Tamil-land. In 1785 verscheen het boek Sketches of the Mythology and Customs of the Hindus van George Foster. Moore’s Hindu Pantheon, voorzien van illustraties, werd voor het eerst gedrukt in 1810 en vervolgens in 1864 heruitgegeven door Messrs. Higginbotham & Co. te Madras, met aantekeningen van de eerwaarde W. O. Simpson. Daarna verscheen in 1831 Ancient and Hindu Mythology van kolonel Vans Kennedy, een werk dat met sympathie voor de opvattingen van de hindoes werd geschreven en dat een groot aantal uittreksels bevatte uit de Purāṇa’s en andere heilige hindoeïstische geschriften. Een ander werk, getiteld A Classical Dictionary of Hindu Mythology, werd in 1879 gepubliceerd door John Dowson.

De laatste in deze reeks werken is W. J. Wilkins’ Hindu Mythology, geïllustreerd met afbeeldingen en toegelicht aan de hand van de Purāṇa’s en andere religieuze geschriften van de hindoes.

Hieruit blijkt dat er geen volledig gebrek bestaat aan boeken die over hindoeïstische beelden en hindoeïstische mythologie handelen. Niettemin heeft Fergusson, een vooraanstaand autoriteit op het gebied van de oosterse en Indiase architectuur, terecht opgemerkt:

“Wanneer iemand zich ernstig ertoe zet een geschiedenis van de Indiase beeldhouwkunst te schrijven, zal hij overvloedig materiaal aantreffen en zal de opeenvolging van ontwikkelingen geenszins moeilijk te volgen zijn. Met betrekking tot de mythologie ligt de zaak echter anders. Men kan evenwel niet zeggen dat ook voor dat vakgebied het materiaal niet overvloedig aanwezig is; maar het bestaat uit gegevens van een veel minder tastbare en bevredigende aard, en deze zijn bovendien zodanig met elkaar verstrengeld geraakt dat het buitengewoon moeilijk is zich daarover een helder beeld te vormen. En het valt te vrezen dat dit zo zal blijven totdat degenen die zich met dit onderwerp bezighouden zich ertoe verwaardigen naast de boeken ook de architectuur en beeldhouwkunst van het land te bestuderen. Die boeken bevatten weliswaar veel informatie, maar niet alle beschikbare kennis over het onderwerp; bovendien moeten hun gegevens worden getoetst en bevestigd door hetgeen gebouwd of uitgehouwen is, want alleen dat kan aan het geschrevene nauwkeurigheid en werkelijkheid verlenen.”

Opmerkelijk is dat, ondanks alle huidige activiteit op elk terrein van het Sanskrit-onderzoek, zo weinig is gedaan om de mythologie te illustreren, terwijl deze zo innig met de gehele literatuur verbonden is. Het zou een volkomen legitiem onderdeel van de taak van de Archaeological Surveys zijn om voor dit doel op systematische wijze materiaal te verzamelen; en nu het vervaardigen van illustraties zo eenvoudig en goedkoop is geworden, zouden foto’s van oorspronkelijke monumenten en voorwerpen gemakkelijk gepubliceerd kunnen worden om in deze dringende behoefte te voorzien. De kenmerken en symbolen van de vele godheden van het pantheon zouden eveneens, samen met hun afbeeldingen, kunnen worden verzameld door personen die met dergelijke symbolen vertrouwd zijn. Dit alles zou zonder moeite verwezenlijkt kunnen worden, en daarom mag men hopen dat het niet lang meer zal duren voordat een dergelijk werk wordt ondernomen.

Men moet echter erkennen dat de hierboven genoemde boeken van Europese auteurs niet de informatie bevatten die beschikbaar is in inheemse Sanskrietwerken over iconografie. Evenmin geven zij afbeeldingen van de beeldhouwwerken die daadwerkelijk in dit uitgestrekte land worden aangetroffen. Anderzijds hebben sommige van deze auteurs iets gepresenteerd wat men gerust hun eigen versie van de hindoeïstische mythologie mag noemen; en in hun beschrijvingen van hindoeïstische beelden, waarin hier en daar een scherpe opmerking wordt gemaakt over wat zij een onbeholpen voorstelling of een immorele legende achten, lijken zij zich noch om de symboliek van de mythische verhalen, noch om de betekenis van de beelden die deze verhalen uitbeelden, werkelijk te hebben bekommerd.

Een boek volgens het model dat Fergusson voor ogen stond, is dan ook inderdaad lang zeer gewenst geweest.

De eerste poging om enigszins in deze behoefte te voorzien werd ondernomen door de veelzijdige Bengaalse geleerde en auteur Nāgendranāth Vasu in zijn interessante werk over de Archaeological Survey van Mayūrabhañja.

Enkele jaren geleden kwam bij mij het idee op om zelf een boek over hindoeïstische iconografie samen te stellen en zo, voor zover ik daartoe in staat was, tegemoet te komen aan het door Fergusson aangeduide gemis. Aanvankelijk verkeerde ik in de veronderstelling dat dit mogelijk zou zijn zonder veel gebruik te maken van de gegevens die besloten liggen in de oorspronkelijke Sanskrietwerken die gezag genieten op dit terrein; van het bestaan van veel van die werken was ik mij toen zelfs nog niet volledig bewust. Al spoedig overtuigde de verbijsterende verscheidenheid aan afbeeldingen die van één en dezelfde god bestonden mij ervan dat het vrijwel onmogelijk was de mythologische betekenis en morele bedoeling ervan te begrijpen zonder de hulp van de Sanskrietwerken die daarop betrekking hebben.

Gelukkig had ik tijdens een reis door Noord-Travancore het geluk een klein handschrift te verkrijgen met de titel Śilparatna. Nadat ik het met aanzienlijke moeite had ontcijferd, ontdekte ik dat het een samenvatting in Maleisische verzen was van een omvangrijker verhandeling met dezelfde naam. Een ander klein en fragmentarisch handschrift dat later in mijn bezit kwam, bleek blijkens de colofons aan het einde van de hoofdstukken een āgama te zijn, genaamd Aṁśumadbhedāgama.

Enkele jaren eerder had ik acht of negen werken over de Śaiva-āgama’s aangeschaft, maar bij gebrek aan tijd had ik zelfs niet de moeite genomen te bekijken wat zij bevatten. Rond deze tijd begon ik ze te bestuderen, en wat een schatkamer aan kennis bleken zij te zijn! Hoofdstuk na hoofdstuk bevatten zij uiterst gedetailleerde beschrijvingen van de meeste Śaiva-afbeeldingen en ook van een aantal Vaiṣṇava-afbeeldingen.

Mijn zoektocht naar meer āgama’s en tantra’s leidde tot de verzameling van een groot aantal van dergelijke werken, afkomstig uit de verschillende hindoeïstische tradities. Op basis van dit materiaal begon ik allereerst de beschrijvingen van beelden bijeen te brengen zoals die daarin waren opgenomen. De āgama’s behandelen immers veel meer onderwerpen dan alleen iconografie. Terwijl ik hiermee bezig was, breidde ik tegelijkertijd mijn verzameling foto’s van beeldhouwwerken en afgietsels uit die de verschillende hindoeïstische godheden voorstellen.

Midden 1912 begon ik daadwerkelijk aan de taak een systematische beschrijving van de beelden uit te werken, en spoedig had ik de beschrijving van een aantal minder belangrijke godheden voltooid.

Toen ik zover gevorderd was, drong het tot mij door dat de voornaamste moeilijkheid bij de verwezenlijking van mijn onderneming lag in het verkrijgen van de financiële middelen die voor publicatie nodig waren. Het werk vereiste fotomechanische reproducties van een groot aantal afbeeldingen, en de kosten daarvan alleen waren al voldoende om mij van het hele plan af te brengen. In feite zou ik mij waarschijnlijk, hoe tegen mijn zin ook, genoodzaakt hebben gezien mijn gekoesterde voornemen op te geven, ware het niet voor de tijdige hulp en aanmoediging die op uiterst vrijgevige wijze werden geboden door de verlichte regering van Zijne Hoogheid de Mahārāja van Travancore.

De Dewan, de heer Rājagōpālāchārya, zag onmiddellijk de waarde van het project in en beloofde het voor de publicatie benodigde bedrag beschikbaar te stellen. De welwillende houding van deze hoogontwikkelde bestuurder, die aan het hoofd van de regering van Travancore stond, gaf mij nieuwe moed en bracht mij ertoe met hernieuwde kracht en toewijding aan het werk te gaan. De benodigde Sanskrietteksten werden snel verzameld, maar de uitbreiding van de verzameling noodzakelijke foto’s verliep minder voorspoedig. Daarom verzocht ik de Dewan mij toestemming te geven een studiereis te maken naar plaatsen buiten de staat, in de presidentschappen Madras en Bombay en tevens in de staat Mysore, teneinde de benodigde foto’s te verkrijgen.

Dit verzoek werd ingewilligd, en mijn bezoek aan deze gebieden verrijkte niet alleen mijn fotografische verzameling, maar bleek voor mij ook van grote educatieve waarde. Het stelde mij in staat de verschillende iconografische symbolen en attributen rechtstreeks aan de hand van de beeldhouwwerken zelf te bestuderen. Waar fotograferen onmogelijk was, moest ik terugvallen op mijn bescheiden kennis van tekenen en schilderen. Vaak maakte ik schetsen met pen en inkt en soms ook levensgrote gekleurde tekeningen van muurschilderingen, hoewel dit laatste werk buitengewoon tijdrovend was.

Ik beschouw het als een plicht hier melding te maken van de onbaatzuchtige hulp die ik ontving van mijn vriend, wijlen de heer M. K. Nārāyaṇasāmi Ayyar, advocaat bij het Hooggerechtshof van Madras. Tijdens zijn beroepsmatige en andere reizen naar verschillende plaatsen binnen het presidentschap Madras maakte hij voor mijn werk zoveel foto’s als hij maar kon, waardoor hij mijn arbeid aanzienlijk vergemakkelijkte. De heer Nārāyaṇasāmi Ayyar was een belezen geleerde, criticus en filosoof, en hij zou voor dit werk een geleerd artikel hebben bijgedragen over de verering van Dēvī.

Helaas beroofde de dood mij geheel onverwacht van de verdere hulp waarop ik met grote verwachtingen had gerekend. Het gevolg daarvan is dat dit werk de waardevolle aanvulling heeft moeten missen van een diepgaande en volledige uiteenzetting over de Dēvī-verering uit de pen van een geleerd man die grondig thuis was in de Śākta-traditie en de andere religieuze scholen die uit de heilige literatuur van de hindoes bekend zijn.

Ik ben mij maar al te zeer bewust van de vele tekortkomingen die dit werk van mij vertoont. Toch vertrouw ik erop dat geleerden deze met welwillendheid zullen beoordelen wanneer zij rekening houden met de enorme hoeveelheid materiaal die moest worden verzameld en verwerkt, en tevens met het feit dat mijn officiële werkzaamheden in Travancore zo omvangrijk zijn geweest dat zij mij weinig tijd lieten voor bijkomende arbeid van deze aard.

Bovendien moet ik erop wijzen dat dit in meer dan één opzicht de eerste poging van zijn soort is en niet pretendeert een volledige behandeling van het onderwerp te bieden. Onder deze omstandigheden zal ik mij ruimschoots beloond achten indien dit bescheiden werk ertoe bijdraagt het terrein te ontginnen en bekwamere geleerden ertoe aanzet het onderwerp later op een vollediger en bevredigender wijze te behandelen.

Ik maak tevens van deze gelegenheid gebruik om opnieuw mijn diepe dankbaarheid uit te spreken jegens de vrijgevige regering van Zijne Hoogheid de Mahārāja van Travancore, die de publicatie van dit werk mogelijk heeft gemaakt. In het bijzonder ben ik veel dank verschuldigd aan Dewan Bahadur P. Rājagōpālāchārya, M.A., B.L., C.I.E., vanwege de verlichte belangstelling en voortdurende steun die hij tijdens de gehele totstandkoming van dit werk heeft betoond.

Ik kan Pandit V. Śrīnivāsa Śāstri, Smṛtivisārada, onmogelijk voldoende danken. Zonder zijn bereidwillige medewerking en onvermoeibare inzet zou het voor mij uiterst moeilijk zijn geweest dit werk tot stand te brengen. Mijn hartelijke dank gaat eveneens uit naar Pandit T. Gaṇapati Śāstri, conservator van de Sanskrit Manuscripts Library te Trivandrum, die mij steeds behulpzaam was bij het ter beschikking stellen van de handschriften waarom ik in verband met dit werk van tijd tot tijd verzocht.

Ook ben ik de heer D. R. Bhaṇḍārkar, M.A., hoofd van de archeologische dienst van de Western Circle, zeer erkentelijk omdat hij mij zijn exemplaar van de Rūpa-maṇḍana heeft geleend, een werk dat waarschijnlijk van betrekkelijk late datum is binnen de hindoeïstische iconografische literatuur.

Ten slotte kan ik mijn dankbaarheid en verplichting jegens mijn geëerde leermeester, Rao Bahadur professor M. Raṅgāchārya, M.A., van het Presidency College te Madras, niet voldoende onder woorden brengen. Hij heeft gedurende het gehele verloop van dit werk de grootste belangstelling ervoor getoond en mij met bijna vaderlijke zorg begeleid. Steeds stond hij klaar met zijn waardevolle adviezen en vormde hij voor mij een onuitputtelijke bron van inspiratie en aanmoediging. Daarom acht ik het mijn plicht hem hier mijn oprechte en diepgevoelde dank te betuigen voor alle moeite die hij zich ten behoeve van mij heeft getroost.

T. A. G.

Triplicane, Madras
September 1914

Transcriptie Preface Vol II

In bringing out the Second Volume of the Elements of Hindu Iconography, the author earnestly trusts that it will meet with the same favourable reception that was uniformly accorded to the first volume both by savants and the Press, for which he begs to take this opportunity of tendering his heart-felt thanks. No pains have of course been spared to make the present publication as informing and interesting as is possible in the case of the abstruse subject of Iconography. Though the illustrations appearing in the present volume are by no means inadequate for the main purpose of the work, yet they are not so full and exhaustive as in the first, and a word of explanation in that connection may not be out of place. To the great regret of the author, the liberal pecuniary help offered for the preparation and publication of the first volume has been, owing to the somewhat straitened finances of the Travancore State at present, withheld from him on the present occasion and he has, in consequence, not been able to embody as many illustrations as he had intended personally to gather for the purpose from various parts of India with a view to present to the public a series representative of the varied sculpture of the different parts of this country. But the Travancore Durbar have, in gracious consideration of the trouble and labour involved in the preparation of the present volume, been pleased to permit its publication by the author himself, for which he begs to offer his respectful and grateful thanks to the Dewan, Mr. Dewan Bahadur M. Krishna Nair, B.A., B.L. Mention may here be made of a few points worthy of notice in the book. In the Introduction is given a collective description of all the peculiarities of the tenets and observances of some of the Śaiva sects of which the general public has hitherto been practically ignorant, and of certain other cults that have died out without a trace. The nature of Liṅga worship has been examined critically in the light of original texts gathered from such important sources as the Śaivāgamas, Śaiva philosophical treatises, Purāṇas and Itihāsas, and with reference to the extant sculpture of all ages of this symbol of worship, and the matter has been thoroughly discussed and, what the author ventures to claim to be, an impartial conclusion arrived at. In the body of the book, several matters, which will be seen to be quite new even to the informed Hindu, have been dealt with; to cite an instance, everybody knows that Śiva begged for food with the broken skull of Brahmā as an expiation for the sin of having cut off one of Brahmā’s heads, but it is doubtful if it is known why this curious sort of penance should have been resorted to by Śiva to get rid of His sin. Again, it has been found possible with the help of the knowledge derived from a close study of the bulk of the science of Nāṭya-Śāstra together with commentaries thereon to elaborate and treat fully the manifold dances of Śiva, though only eight or nine modes are described in the āgamic and other works. The reader will, it is hoped, come across many other instances of fresh information being furnished on matters that have remained more or less obscure hitherto.
The author cannot be too thankful to the Proprietors of the Law Printing House for the extraordinary care and trouble they have bestowed upon the printing and general get up of the books and for their readiness in coming forward and generously offering their timely help but for which the volume could not have been brought out. The author cannot also omit to express his sense of gratitude to Dr. A. K. Anandakumāraswāmi, M.A., D.Sc., for the ready and willing permission granted to him for reproducing the valuable article on the dance of Śiva, contributed some time ago to the Siddhānta-Dīpikā by the learned Doctor. He has also very great pleasure in recording here his high appreciation of the help cheerfully rendered by his Paṇḍit Mr. V. Śrīnivāsa Śāstri, Smritivisārada, but for whose untiring industry and intelligent collaboration this work could not have been brought to a successful completion so soon. Messrs. Longhurst, Stoney, Kay and Beardsell, have been so very kind as to assist the author with photographs of images in their respective collections and to accord their gracious permission to reproduce them: to these gentlemen, the author offers his grateful thanks.
For reasons which need not be explained here, it was not possible for the author personally to supervise the printing of the work throughout so as to ensure the presentation of an absolutely correct text; he had therefore to entrust the task to the printers themselves. In spite of the care and trouble ungrudgingly bestowed by them in the midst of their multifarious duties, a number of errors have unavoidably crept in. Though such of them as have been subsequently noticed are noted in the errata list, it is likely many more have escaped detection, for which the author craves the indulgence of his readers.
Madras,
January 1916. THE AUTHOR.

VOORWOORD (Copilot)

Bij het uitbrengen van het tweede deel van de Elements of Hindu Iconography koestert de auteur de oprechte hoop dat het dezelfde gunstige ontvangst zal krijgen als het eerste deel, dat zowel door geleerden als door de pers zo welwillend werd ontvangen. Hij maakt graag van deze gelegenheid gebruik om daarvoor zijn hartelijke dank uit te spreken.

Uiteraard is geen moeite gespaard om deze uitgave zo informatief en boeiend mogelijk te maken, voor zover dat mogelijk is bij het tamelijk moeilijk toegankelijke onderwerp van de iconografie. Hoewel de afbeeldingen in dit deel geenszins ontoereikend zijn voor het hoofddoel van het werk, zijn zij niet zo talrijk en zo volledig als die in het eerste deel. Een korte toelichting hierover lijkt daarom niet misplaatst.

Tot zijn grote spijt heeft de auteur ditmaal niet kunnen beschikken over de ruime financiële steun die voor de voorbereiding en publicatie van het eerste deel werd verleend. Vanwege de huidige financiële beperkingen van de staat Travancore werd deze steun niet opnieuw beschikbaar gesteld. Daardoor was hij niet in staat zoveel illustraties op te nemen als hij oorspronkelijk had gepland. Het was zijn bedoeling geweest die persoonlijk in verschillende delen van India te verzamelen, om het publiek een representatieve reeks voor te leggen van de uiteenlopende beeldhouwkunst uit de verschillende regio’s van het land.

De Durbar van Travancore heeft echter, uit waardering voor de moeite en arbeid die met de voorbereiding van dit deel gemoeid waren, toestemming verleend om het werk op kosten van de auteur zelf te publiceren. Hiervoor betuigt hij zijn eerbiedige en oprechte dank aan de Dewan, de heer Dewan Bahadur M. Krishna Nair, B.A., B.L.

Hier mogen enkele bijzonderheden van het boek worden vermeld die de aandacht verdienen. In de inleiding wordt een gezamenlijk overzicht gegeven van de karakteristieke opvattingen en gebruiken van enkele Śaiva-sekten waarmee het grote publiek tot dusver vrijwel onbekend is geweest, evenals van bepaalde andere culten die spoorloos zijn verdwenen.

De aard van de liṅga-verering is kritisch onderzocht aan de hand van oorspronkelijke teksten uit belangrijke bronnen zoals de Śaivāgama’s, Śaivistische filosofische verhandelingen, Purāṇa’s en Itihāsa’s. Daarnaast is rekening gehouden met bewaard gebleven sculpturen uit alle perioden waarin dit vereringssymbool voorkomt. Het onderwerp is uitvoerig besproken en heeft geleid tot wat de auteur waagt te beschouwen als een onbevooroordeelde conclusie.

In de hoofdstukken van het boek worden bovendien verschillende onderwerpen behandeld die zelfs voor goed geïnformeerde hindoes nieuw zullen blijken te zijn. Om één voorbeeld te noemen: iedereen weet dat Śiva met de gebroken schedel van Brahmā om voedsel bedelde als boetedoening voor de zonde dat hij een van Brahmā’s hoofden had afgeslagen. Maar het is twijfelachtig of algemeen bekend is waarom juist deze merkwaardige vorm van boetedoening door Śiva werd gekozen om van zijn schuld verlost te worden.

Eveneens is het dankzij een grondige bestudering van het grootste deel van de wetenschap van de Nāṭya-Śāstra, samen met de daarop geschreven commentaren, mogelijk gebleken de vele dansvormen van Śiva uitvoerig te behandelen. In de āgama’s en andere werken worden immers slechts acht of negen van deze vormen beschreven.

De auteur hoopt dat de lezer nog veel meer voorbeelden zal aantreffen van nieuwe informatie over onderwerpen die tot dusver min of meer in het duister zijn gebleven.

De auteur kan de eigenaars van de Law Printing House niet genoeg danken voor de buitengewone zorg en inspanning die zij aan het drukken en de algemene uitvoering van het boek hebben besteed, evenals voor hun bereidwilligheid om op het juiste moment hun hulp aan te bieden. Zonder hun steun zou dit deel niet hebben kunnen verschijnen.

Evenmin mag de auteur nalaten zijn dankbaarheid uit te spreken jegens dr. A. K. Anandakumāraswāmi, M.A., D.Sc., die hem bereidwillig toestemming verleende om het waardevolle artikel over de dans van Śiva over te nemen dat enige tijd geleden door deze geleerde werd gepubliceerd in de Siddhānta-Dīpikā.

Ook vermeldt hij met groot genoegen zijn waardering voor de hulp die zijn pandit, de heer V. Śrīnivāsa Śāstri, Smritivisārada, bereidwillig heeft verleend. Zonder diens onvermoeibare inzet en intelligente samenwerking zou dit werk niet zo spoedig tot een succesvolle voltooiing zijn gebracht.

Verder zijn de heren Longhurst, Stoney, Kay en Beardsell zo vriendelijk geweest de auteur foto’s ter beschikking te stellen van beelden uit hun respectieve verzamelingen en hem toestemming te geven deze te reproduceren. De auteur betuigt ook hun zijn oprechte dank.

Om redenen die hier niet nader hoeven te worden uiteengezet, was het voor de auteur niet mogelijk het drukproces van begin tot einde persoonlijk te begeleiden om zo een volkomen foutloze tekst te waarborgen. Hij moest deze taak daarom aan de drukkers overlaten.

Ondanks de zorg en toewijding die zij, te midden van hun vele andere werkzaamheden, aan het boek hebben besteed, zijn onvermijdelijk een aantal fouten in de tekst geslopen. Hoewel de fouten die later werden ontdekt in de erratalijst zijn opgenomen, is het waarschijnlijk dat er nog meer aan de aandacht zijn ontsnapt. Hiervoor vraagt de auteur om de welwillende toegeeflijkheid van zijn lezers.

Madras, januari 1916
De auteur

Kunst, AI en de waarde van waarden

Het was mijn plan om in het kader van TURF Breda
ook te kijken naar het rapport ‘Kunstzinnig boven Kunstmatig’
van de Raad voor Cultuur.
De 80 bladzijden schrikken je misschien af.
Een rapport van 80 bladzijden nodigt misschien niet direct uit om te lezen.
Maar gelukkig beginnen de Conclusies en aanbevelingen
al op pagina 49.
Ik ben ervan uitgegaan dat de belangrijkste conclusies en aanbevelingen
ook al genoemd worden in de samenvatting.

KunstzinnigBovenKunstmatig
De omslag van het rapport van de Raad voor Cultuur: Kunstzinnig boven Kunstmatig.

Daarom heb ik niet het hele rapport gelezen,
maar ben ik begonnen bij de samenvatting.
Die beslaat slechts enkele pagina’s en zou dus
een goede ingang moeten vormen voor iedereen
die wil begrijpen wat de Raad voor Cultuur
over kunst en AI te zeggen heeft.

Tegelijkertijd is de tekst geschreven in typisch beleidsjargon.
Daarom leek het me interessant de samenvatting
eens door een AI-systeem te laten herschrijven in gewoon Nederlands.
Niet om de inhoud te veranderen,
maar om te onderzoeken of de belangrijkste boodschap
ook begrijpelijk kan worden verwoord
voor lezers die niet dagelijks beleidsrapporten lezen.

RaadVoorCultuurKunstzinnigBovenKunstmatigInhoud

Samenvatting in gewoon Nederlands

Kunstmatige intelligentie (AI) heeft steeds meer invloed
op ons dagelijks leven.
Dat geldt ook voor kunst en cultuur.
Schrijvers, muzikanten, ontwerpers, fotografen
en andere makers gebruiken AI al voor allerlei taken,
van het uitwerken van ideeën tot het maken van eindproducten.

Tegelijkertijd roept deze ontwikkeling grote vragen op.
AI-systemen leren namelijk van enorme hoeveelheden bestaand werk
dat door mensen is gemaakt.
Veel kunstenaars en makers hebben daarvoor nooit toestemming gegeven
en ontvangen er ook geen vergoeding voor.
Bovendien zijn de belangrijkste AI-systemen in handen
van een klein aantal grote technologiebedrijven.

De Raad voor Cultuur vindt dat AI op een betekenisvolle manier
kan worden ingezet bij kunst en cultuur,
zolang fundamentele waarden van de culturele praktijk
worden gewaarborgd.
Daarbij noemt de raad onder meer menselijke creativiteit, auteurschap,
artistieke vrijheid, toegankelijkheid, culturele diversiteit
en een gezonde arbeidsmarkt voor makers.

Volgens de raad moeten overheid en culturele sector daarom actief sturen
op de ontwikkeling van AI.
Niet afwachten, maar zorgen dat de technologie past bij publieke en culturele waarden.

De raad doet daarvoor drie hoofdvoorstellen:

  1. Investeer in menselijke creativiteit en alternatieven voor commerciële AI.

Geef kunstenaars ruimte om met AI te experimenteren,
ontwikkel Europese alternatieven
en zorg dat creativiteit een belangrijke rol speelt in innovatiebeleid.

  1. Maak de culturele sector weerbaar.

Zorg voor duidelijke regels, een eerlijke vergoeding
voor het gebruik van cultureel materiaal door AI-bedrijven,
betere bescherming van makers en meer kennis over AI binnen de sector.

  1. Versterk de positie van makers.

Investeer in opleiding, omscholing en talentontwikkeling,
zodat kunstenaars kunnen omgaan met veranderingen die AI veroorzaakt.

De centrale boodschap van het rapport is
dat AI niet ten koste mag gaan van kunst en cultuur.
De technologie moet juist bijdragen aan een sterke culturele sector,
waarin menselijke creativiteit, vakmanschap
en artistieke vrijheid behouden blijven.

Jacques_de_Guise,_Chroniques_de_Hainaut,_frontispiece,_KBR_9242
Jacques de Guise schreef het origineel: Chroniques de Hainaut. Het werd vertaald door Jean Wauquelin in het Frans. De schilder Rogier van der Weyden maakte de opdrachtminiatuur waarop de schrijver zijn boek aan Filips de Goede aanbiedt.

Waardengedreven omgang

De ondertitel van het rapport spreekt over
een waardengedreven omgang met AI.
Dat blijkt geen loze formulering.
In hoofdstuk 4 probeert de Raad voor Cultuur
eerst te benoemen welke waarden volgens haar kenmerkend zijn
voor kunst en cultuur, voordat aanbevelingen worden gedaan.
De gedachte daarachter is eenvoudig:
als AI een grote invloed heeft op de culturele sector,
moet eerst duidelijk zijn wat precies beschermd of versterkt moet worden.

De Raad noemt zes waarden.
De eerste is menselijke creativiteit.
Kunst ontstaat volgens de Raad uit menselijke verbeeldingskracht,
inspiratie en de behoefte om betekenis te geven aan de wereld.
Creativiteit wordt niet alleen gezien als bron van kunstwerken,
maar ook als een fundamentele menselijke behoefte
die voor iedereen toegankelijk moet zijn.

Daarnaast benadrukt de Raad het belang van creatief auteurschap.
Makers moeten zeggenschap houden over hun werk
en eerlijk worden beloond wanneer anderen dat werk gebruiken.
Ook de kwaliteit van de creatieve arbeidsmarkt
wordt als een waarde beschouwd.
Talentvolle makers moeten onder goede omstandigheden
kunnen werken en zich kunnen aanpassen aan veranderingen
die nieuwe technologieën met zich meebrengen.

Verder pleit de Raad voor pluriformiteit:
een cultureel landschap waarin zowel gevestigde tradities
als nieuwe kunstvormen een plaats hebben.
Toegankelijkheid vormt een vijfde waarde.
Kunst en cultuur moeten bereikbaar blijven voor een breed publiek,
ongeacht achtergrond, leeftijd of woonplaats.
Tot slot noemt de Raad artistieke vrijheid als onmisbare voorwaarde
voor een vitale cultuur.
Kunstenaars moeten zonder ongewenste inmenging
kunnen creëren, experimenteren en kritiek kunnen leveren
op de samenleving.

Ook voor lezers die niet alle aanbevelingen zullen onderschrijven,
vormt dit hoofdstuk een interessant vertrekpunt.
De waarden zelf zijn namelijk relatief breed gedragen.
De discussie begint vooral bij de vraag welke maatregelen nodig zijn
om deze waarden in een tijd van AI daadwerkelijk te beschermen
en te bevorderen.

GalaconcertKoninklijkeHarmonieVanFinanciënDirigentJeanVonck
Galaconcert door de Koninklijke Harmonie van Financiën met als dirigent Jean Vonck.

Afsluiting

Na het lezen van de samenvatting
en het hoofdstuk over de culturele waarden
lijkt er voldoende stof te zijn voor een TURF-sessie.
Opvallend is dat de Raad voor Cultuur niet begint met techniek,
regelgeving of economische gevolgen,
maar met de vraag welke waarden beschermd moeten worden.
Menselijke creativiteit, auteurschap, een eerlijke arbeidsmarkt,
pluriformiteit, toegankelijkheid en artistieke vrijheid
vormen het vertrekpunt van het betoog.

Die waarden zullen voor veel lezers herkenbaar
en grotendeels vanzelfsprekend zijn.
De discussie begint pas wanneer de Raad deze waarden vertaalt
naar concrete aanbevelingen.
Volgen de voorgestelde maatregelen daadwerkelijk
uit de geformuleerde waarden,
of zijn ook andere oplossingen denkbaar?
Zo kan men zich afvragen of toegankelijkheid en pluriformiteit
noodzakelijkerwijs vragen om een publieke AI-infrastructuur.
Nederland heeft immers ook geen afzonderlijk
Nederlands internet nodig gehad
om een rijke digitale infrastructuur
rond cultuur, erfgoed, bibliotheken en archieven op te bouwen.

Daarmee verschuift de aandacht van de techniek zelf
naar een interessantere vraag:
welke culturele waarden willen we in een tijd van AI behouden,
beschermen en versterken?
Over die waarden lijkt relatief veel overeenstemming mogelijk.
De discussie gaat vervolgens over de vraag
welke middelen daarvoor het meest geschikt zijn.
Juist dat maakt Kunstzinnig boven Kunstmatig
een geschikt uitgangspunt voor een gesprek binnen TURF.

DigitalisationOfMaps
Het digitaliseren van landkaarten.

Gesprekspartners

Een onverwacht interessant onderdeel van het rapport
is de lijst van gesprekspartners.
Veel namen zeiden mij aanvankelijk weinig, maar samen
geven zij een beeld van een omvangrijk netwerk
van makers, erfgoedinstellingen, bibliotheken, auteursrechtenorganisaties,
onderzoekers en belangenverenigingen.
Opvallend is dat organisaties als de Koninklijke Bibliotheek,
Universiteit Leiden, Beeld en Geluid, Waag en PublicSpaces
naast individuele kunstenaars
en vertegenwoordigers van creatieve beroepsgroepen aan tafel zaten.
De samenstelling van deze groep helpt te verklaren
waarom het rapport niet begint bij technologie,
maar bij waarden als creativiteit, auteurschap,
toegankelijkheid en artistieke vrijheid.

RijksmuseumJacobVanRuisdaelSketchingAWatermill1864
Rijksmuseum, detail van: Gerard Bilders, Jacob van Ruisdael sketching a watermill, 1864.

Aantekeningen uit Musée Guimet (3): drie onverwachte gouden lotussen

Mijn bezoek aan het Musée Guimet was nog maar nauwelijks begonnen
toen de afdeling India mij al twee onverwachte voorwerpen voorschotelde.
Eerst stond daar een megalithische sarcofaag,
niet bepaald het eerste wat ik hier had verwacht.
Aan de andere kant van de gang lagen gouden sieraden
die bij dezelfde grafvondst bleken te horen.
Ook die verrasten mij,
niet alleen door hun aanwezigheid,
maar vooral door de verfijning van het goudsmidswerk.

DSC08093ParijsMuseeGuimetBijouxEtÈlémentsDeBijouxIndiaSouttoukenyPuducherry2ndCentBCEGold PendentifÀChaînetteEtFleursDeLotusMA1836-BouclesD'OreillesMA1837
Parijs, Musée Guimet, Bijoux et èléments de bijoux, India, Souttoukeny, Puducherry, 2nd century BCE, gold: pendentif àchaînette et fleurs de lotus, MA 1836 – Boucles d’oreilles, MA 1837.

De foto’s waren moeilijk te maken.
De gouden voorwerpen lagen achter spiegelend glas,
aan de andere kant van de gang waar ook de megalithische sarcofaag stond.
Pas later begreep ik dat beide bij elkaar hoorden.
Het waren grafgiften uit dezelfde megalithische grafkamer:
gouden oorbellen, armbanden, kralen en een uitzonderlijk fijne ketting
met lotusbloemen.
Een deel van deze sieraden was in een van de sarcofagen
bij de menselijke resten neergelegd;
andere lagen in een pot onder de stenen vloer van het graf.

Vooral de verfijning van het goudsmidswerk valt op.
De oorbellen zijn opgebouwd uit talloze kleine gouden kegeltjes.
Aan de lange, uiterst fijne ketting hangt onderaan een lotusvormige hanger.
Ook de twee andere uiteinden van de ketting
eindigen elk in een kleinere lotusbloem.
Zo keert het lotusmotief op drie plaatsen in het sieraad terug.

Misschien lagen er nog meer bijzondere voorwerpen in de vitrines,
maar tijdens mijn bezoek
was de samenhang met de sarcofaag mij volledig ontgaan.

DSC08091ParijsMuseeGuimetBijouxEtÈlémentsDeBijouxIndiaSouttoukenyPuducherry2ndCentBCEGold BouclesD'OreillesMA1837
Boucles d’oreilles, MA1837. Mission archéologique Francaise des Indes, fouilles de Jean-Marie en Geneviève Casal, 1947–1950 (Franse archeologische missie in India, opgravingen door Jean-Marie en Geneviève Casal, 1947–1950).

Misschien is het vooral de combinatie van ouderdom en verfijning
die mij ontroert:
ruim tweeduizend jaar later is de aandacht
waarmee deze sieraden zijn gemaakt nog altijd zichtbaar.


India 24/25: Patna, dag 1 – Bihar Museum 4

– over de waarde van het niet-weten voor mij –

Het Bihar Museum is een modern museum in India.
De architectuur van het museum is bijzonder
en de totstandkoming was een prestigeproject.
Het museum toont zowel oude Indiase kunst als moderne kunst.
In toekomstige berichten sta ik ook bij de moderne kunst stil.
Educatie was een belangrijk doel van het museum.
Ter ondersteuning daarvan werd een Orientation Gallery ingericht.
De foto’s in dit bericht maakte ik
tijdens mijn wandeling door die Orientation Gallery.
In grote stappen voert het museum de bezoeker door de kunstgeschiedenis.
Die geschiedenis is geen rechte lijn:

  • het subcontinent is enorm groot en omvat delen van Pakistan en Afghanistan;
  • verschillende dynastieën en machthebbers bestaan vaak naast elkaar;
  • het betreft gebieden met uiteenlopende volken en culturen

Die geschiedenis is niet eenvoudig te vertellen.
Daarom ligt in deze galerie de nadruk vooral op de historische ontwikkeling,
terwijl het individuele object soms naar de achtergrond verdwijnt.

DSC01869IndiaPatnaBiharMuseumElephantMauryanChirandBihar3eCentBCEEarly2eCentBCE
India, Patna, Bihar Museum, Elephant, Mauryan, Chirand, Bihar, 3e century BCE – early 2e century BCE.
DSC01868IndiaPatnaBiharMuseumMauryans Txt
DSC01870IndiaPatnaBiharMuseumMauryanAnimals Txt

Juist omdat de Orientation Gallery bedoeld is
als kennismaking met de geschiedenis van Bihar,
worden veel objecten gepresenteerd
als vertegenwoordigers van een periode.
Dat werkt goed als overzicht, maar heeft ook een keerzijde.
Sommige stukken, zoals deze terracotta olifantenkop uit Chirand,
zijn zo opvallend dat ze nieuwsgierig maken
naar hun eigen geschiedenis.
Dan blijkt helaas de geboden informatie soms verrassend summier.

Hoewel alleen de kop bewaard lijkt, is de olifant onmiddellijk herkenbaar.
De kunstenaar reduceerde het dier tot een aantal krachtige vormen
en versierde het oppervlak met ritmische patronen.
Het resultaat is opmerkelijk expressief
en oogt veel moderner dan je van een terracotta beeldje
uit de Maurya-periode zou verwachten.


DSC01872IndiaPatnaBiharMuseumMauryanWomanWithHeadgear
Woman with headgear.
DSC01873IndiaPatnaBiharMuseumMauryanWomen Txt

Wat mij trof, was de spanning tussen wat zichtbaar is
en wat verloren is gegaan.
Het gezicht, de oorornamenten en de uitbundige haardracht
zijn bewaard gebleven,
maar mogelijk ontbreekt het grootste deel van de figuur.

Daardoor kijk je niet alleen naar een vrouwenhoofd,
maar ook naar een archeologisch fragment
dat nog slechts een deel van zijn oorspronkelijke verhaal prijsgeeft.

Het gezicht is bijna bescheiden van formaat,
terwijl het kapsel de compositie volledig domineert.
Als we tenminste uitgaan van wat van het object bewaard is gebleven,
lijkt de maker vooral gefascineerd te zijn geweest
door de mogelijkheden van terracotta
om plooien, vlechten, bloemmotieven en sieraden weer te geven.

Daardoor oogt het fragment niet als een portret,
maar als een viering van ornament en ambacht.


DSC01876IndiaPatnaBiharMuseumMauryanTerracottaFigurine
Terracotta figurine.
DSC01878IndiaPatnaBiharMuseumMauryanTerracottaFigurine Txt

Op internet vond ik nog een foto van dit beeld
en een verwijzing naar een boek waarin het beeld genoemd wordt.

IndiaPatnaBiharMuseumTerracottaFigurinesInPatnaMuseumTitlePage
IndiaPatnaBiharMuseumMauryanTerracottaFigurineArch6067

Vergelijking met een catalogusfoto uit 1961 laat zien
dat het beeld sindsdien opnieuw moet zijn gerestaureerd.
Een opvallende beschadiging in de rok, destijds nog duidelijk zichtbaar,
lijkt inmiddels te zijn opgevuld met een lichter materiaal.
Het voorwerp toont daardoor niet alleen de sporen van
meer dan tweeduizend jaar geschiedenis,
maar ook van de opeenvolgende pogingen
om het te bewaren en presenteerbaar te houden.
De genoemde catalogus is Terracotta figurines in Patna Museum.

De afmetingen van de figuur roepen vragen op
over haar oorspronkelijke functie.
Met een hoogte van ruim vijftig centimeter is zij aanzienlijk groter
dan veel terracottafiguren uit dezelfde periode.
Toch heb ik geen betrouwbare aanwijzingen gevonden
voor de rol die zij oorspronkelijk vervulde.

IndiaPatnaBiharMuseumTerracottaFigurinesInPatnaMuseumArch6067
Bij 3 staat de beschrijving van het beeld in de catalogus.

3-Arch. 6067.
Standing female figure modelled in the round; the following are affixed: cloth tied woofold, apronwise around thighs to which it clings while it leaves them bare at the back, in the middle. Ends of cloth reaches on back of legs to ankle length. Above this is laid a skirt, separately modelled and clinging to the body on the back. Back covered by cloth. Chest bare. Flat head-dress affixed with double rim against fore-head, hanging at back, covering shoulders. Height: 1′ 9½”. Maurya.

3 – Arch. 6067, de Nederlandse vertaling door Copilot:

Vrijstaand gemodelleerde vrouwenfiguur. De figuur draagt een om de heupen en dijen gebonden doek die als een schort naar voren valt en nauw aansluit op het lichaam, terwijl het midden van de achterzijde van de dijen onbedekt blijft. De uiteinden van de doek reiken aan de achterkant van de benen tot aan de enkels.

Daaroverheen bevindt zich een afzonderlijk vervaardigde rok, die aan de achterzijde tegen het lichaam aanligt. De rug is door stof bedekt, terwijl de borst onbedekt is.

Op het hoofd bevindt zich een vlakke hoofdtooi met een dubbele rand boven het voorhoofd. Deze hangt aan de achterzijde naar beneden en bedekt de schouders.

Hoogte: 1 voet 9½ inch (ca. 54 cm).

Maurya-periode.

IndiaPatnaBiharMuseumTerracottaFigurinesInPatnaMuseumFunctie
Deel van de inleiding van het boek.

De afmetingen van de figuur roepen vragen op
over haar oorspronkelijke functie.
Met een hoogte van ruim vijftig centimeter is zij aanzienlijk groter
dan veel terracottafiguren uit dezelfde periode.
Toch heb ik geen betrouwbare aanwijzingen gevonden
voor de rol die zij oorspronkelijk vervulde.

Het is verfrissend dat de catalogus uit 1961 waarschuwt
voor al te stellige conclusies.
Inscripties of andere aanwijzingen die iets zeggen over het gebruik
van dergelijke terracotta’s ontbreken.
Of een figuur als deze een rituele rol vervulde, als huisdecoratie diende
of een andere betekenis had, weten we eenvoudigweg niet.

Dat niet-weten is misschien onbevredigend,
maar ook eerlijker dan het object te voorzien
van een naam of betekenis waarvoor geen bewijs bestaat.

Van de oorspronkelijke functie van de figuur weten we dan nauwelijks iets.
Haar latere geschiedenis laat zich beter volgen.
Zij werd opgegraven, beschreven in een catalogus uit 1961,
gerestaureerd en verhuisde uiteindelijk
van het Patna Museum naar het Bihar Museum.
Opmerkelijk genoeg weten we daardoor meer over haar reis
door de twintigste en eenentwintigste eeuw
dan over de rol die zij ooit in de Maurya-periode vervulde.


DSC01880IndiaPatnaBiharMuseumCrossBarWithDecorativeReliefArch5827
Cross-bar with decorative relief. Arch.-5827.

Arch. 5827 is waarschijnlijk een dwarsbalk van een stupa-omheining
uit de Shunga-periode.
Voorzien van een medaillon met een scène rond een heilige boom.
De introductietekst over de Shunga-kunst zal daarom vrijwel zeker
relevant zijn voor het object, maar beschrijft het niet rechtstreeks.

DSC01879IndiaPatnaBiharMuseumShungaPeriod Txt

DSC01885IndiaPatnaBiharMuseumLadyWithParrotGupta
Detail van Lady with parrot, Gupta.
DSC01884IndiaPatnaBiharMuseumLadyWithParrotGupta
DSC01886IndiaPatnaBiharMuseumLadyWithParrotGupta Txt

Het Bihar Museum presenteert deze “Lady With Parrot”
als een van de hoogtepunten van de Gupta-periode.
Het reliëf maakt onmiddellijk duidelijk waarom.
De sierlijke houding, de transparant weergegeven kleding
en de zorgvuldig uitgewerkte haardracht
getuigen van een verfijning die sterk verschilt
van de meer expressieve terracotta’s uit eerdere perioden.

Opmerkelijk genoeg wordt de vogel waaraan het werk zijn naam ontleent
pas zichtbaar wanneer de blik naar beneden glijdt.
Het is uiteindelijk niet de papegaai die de aandacht vasthoudt,
maar de zelfverzekerde elegantie van de figuur zelf.

Wat de ervaring voor mij extra bijzonder maakte,
was dat het museum op dat moment vol schoolklassen zat.
Terwijl in delen van de hedendaagse westerse wereld
discussies ontstaan over de plaats van het naakte lichaam in het onderwijs,
keek hier een nieuwe generatie bezoekers naar een Gupta-reliëf
waarop lichamelijke schoonheid
zonder enige terughoudendheid is uitgebeeld.
De aandacht leek daarbij uit te gaan naar het kunstwerk als geheel:
de historische context, het vakmanschap
en de plaats binnen de Indiase beeldhouwkunst.
Juist die vanzelfsprekendheid maakte indruk.


Aantekeningen uit Musée Guimet (2): Wat is dit?

Inleiding

Toen ik het Musée Guimet voor het eerst binnenkwam
ging ik meteen op zoek naar de Shiva Nataraj.
Ik zag hem in de verte staan op een hoge sokkel en nadrukkelijk uitgelicht.
Terwijl ik erheen liep via wat mij een brede gang leek,
viel mijn oog op een merkwaardig object.

Het stond links in de ‘gang’, een beetje alleen.
Ik had geen idee wat het was of waar het voorwerp vandaan kon komen.
Ik keek er goed naar en zag de vele poten onder iets wat ik
nog nooit eerder had gezien.
Natuurlijk fotografeerde ik ook de Franse zaaltekst.
Die tekst probeerde ik te ontcijferen, maar mijn Frans is onvoldoende
en ik wilde naar het grote Shiva-beeld.
Ik dacht: dat komt vast wel als ik thuis ben.
Ik keek nog eens goed en maakte de foto van de korte kant van het voorwerp.
Pas thuis ontdekte ik dat ik stond te kijken naar een sarcofaag uit Zuid-India.

DSC08088 01 ParijsMuseeGuimetSarcophageMégalithiqueSouttoukenyPuducherry200BCERedTerracottaMA997
Parijs, Musée Guimet, Sarcophage mégalithique, Souttoukeny, Puducherry, 200 BCE, red terracotta, MA 997.
DSC08089ParijsMuseeGuimetSarcophageMégalithiqueSouttoukenyPuducherry200BCE Txt

Vertaling door Copilot:

Sarcofaag afkomstig uit een megalithisch graf
Souttoukeny (grondgebied van Puducherry)
2e eeuw v.Chr.
Rode terracotta

Het megalithische graf dat op de vindplaats van Souttoukeny werd onderzocht, bevatte behalve een grote hoeveelheid aardewerk ook wapens en ijzeren werktuigen, evenals een uitzonderlijke verzameling gouden en zilveren sieraden en twee terracotta sarcofagen. Onderzoek van de botresten die in de sarcofagen werden aangetroffen, heeft aangetoond dat de lichamen eerst aan de open lucht waren blootgesteld en waren ont-vleesd, voordat zij in de sarcofagen werden bijgezet.

Franse archeologische missie in India; opgravingen van Jean‑Marie en Geneviève Casal, 1947-1950. Inventarisnummer MA 997.

DSC08090 01 ParijsMuseeGuimetSarcophageMégalithiqueSouttoukenyPuducherry200BCERedTerracottaMA997

Thuis bleek de Franse zaaltekst meer informatie te bevatten
dan ik tijdens mijn bezoek had kunnen ontcijferen.
Volgens het Musée Guimet gaat het om een terracotta sarcofaag
uit Souttoukeny, niet ver van het huidige Puducherry in Zuid-India.
Het voorwerp wordt gedateerd in de 2e eeuw v.Chr.
en maakt deel uit van een graftraditie
die door archeologen wordt aangeduid als megalithisch.

Die uitleg riep bij mij echter meer vragen op dan zij beantwoordde.
Bij het woord sarcofaag denk ik aan een stenen of houten kist,
niet aan een groot terracotta voorwerp dat op een reeks poten staat.
Ook de aanduiding “megalithisch” hielp mij aanvankelijk niet veel verder.
Ik kende het begrip vooral van Europese hunebedden
en had niet verwacht het tegen te komen bij een object uit India
dat nog geen 2500 jaar oud is.

Het museum vermeldt bovendien dat in deze sarcofaag
menselijke resten werden aangetroffen nadat de lichamen eerst
aan de open lucht waren blootgesteld
en de weke delen waren verdwenen.
Vervolgens werden de beenderen in de sarcofaag bijgezet.
Die informatie zegt iets over de begrafenisrituelen,
maar helpt nauwelijks om het voorwerp zelf te begrijpen.
Waarom koos men voor deze rechthoekige vorm?
Waarom heeft het zoveel poten?
Waarom is zoveel aandacht besteed aan de versiering?
En waarom ziet het er zo anders uit dan vrijwel alles
wat ik verder in de Indiase afdeling van het museum tegenkwam?

Juist daardoor bleef ik er langer naar kijken dan ik oorspronkelijk van plan was.

DSC08088 02 ParijsMuseeGuimetSarcophageMégalithiqueSouttoukenyPuducherry200BCERedTerracottaMA997
DSC08088 03 ParijsMuseeGuimetSarcophageMégalithiqueSouttoukenyPuducherry200BCERedTerracottaMA997

Toen ik de foto’s thuis beter bekeek, viel mij op
hoeveel aandacht aan de afwerking was besteed.
De poten zijn niet eenvoudig gevormde steunen
die het gewicht van de sarcofaag dragen.
Elke poot heeft een eigen vorm met verdikkingen en horizontale banden.
Ook de lange zijde is versierd met aangebrachte reliëfs
waarvan de betekenis mij niet duidelijk werd.

Dat roept vragen op.
Waarom heeft het voorwerp zoveel poten?
Wat stellen de ronde ornamenten voor?
In de informatie van het museum vond ik daar geen antwoord op.

Tijdens het zoeken naar meer achtergrondinformatie
stuitte ik op het artikel
Megalithic Burial Tradition in South India: Special Emphasis on Sarcophagi.
Daaruit bleek dat het object in het Musée Guimet
geen op zichzelf staande vondst is.
Sarcofagen van gebakken klei komen op verschillende plaatsen in Zuid-India voor.
Sommige staan net als dit exemplaar op poten,
terwijl andere een heel andere vorm hebben.
Het artikel noemt zelfs voorbeelden
die worden beschreven als dier-, boot- of brievenbusvormig.

Opmerkelijk genoeg noemt het artikel het exemplaar uit Souttoukeny niet.
Het hielp mij wel om het object in een bredere traditie te plaatsen,
maar niet om dit specifieke voorwerp beter te begrijpen.
Over de betekenis van de vele poten, de rechthoekige vorm
en de opvallende decoraties vond ik nauwelijks informatie.

Daardoor bleef de sarcofaag voor mij iets raadselachtigs houden.
De functie is duidelijk: het gaat om een grafobject.
Maar de vorm lijkt een betekenis te hebben gehad
die voor de oorspronkelijke gebruikers vanzelfsprekend was
en voor moderne bezoekers grotendeels verloren is gegaan.

DSC08088 04 ParijsMuseeGuimetSarcophageMégalithiqueSouttoukenyPuducherry200BCERedTerracottaMA997
DSC08090 02 ParijsMuseeGuimetSarcophageMégalithiqueSouttoukenyPuducherry200BCERedTerracottaMA997

Afronding

De foto’s beantwoorden uiteindelijk niet alle vragen.
Ook online bleek verrassend weinig informatie
over juist dit exemplaar uit Souttoukeny beschikbaar.
De sarcofaag blijkt deel uit te maken
van een grotere Zuid-Indiase graftraditie,
maar over de betekenis van de rechthoekige vorm,
de vele poten en de decoraties vond ik nauwelijks iets terug.

De geperforeerde bodem roept eveneens vragen op.
In een artikel over Zuid-Indiase sarcofagen wordt gesuggereerd
dat dergelijke openingen samenhangen met begrafenisrituelen
en mogelijk dienden voor de afvoer van water.
Het blijft echter een hypothese
en voor het exemplaar in het Musée Guimet
wordt geen nadere verklaring gegeven.

Misschien is dat wel wat mij het meest is bijgebleven
van mijn aanvankelijke vraag: “Wat is dit?”
Ik weet nu dat het gaat om een Zuid-Indiase terracotta sarcofaag
uit de 2e eeuw v.Chr.
Ik weet ook dat dergelijke sarcofagen deel uitmaken
van een bredere megalithische graftraditie.
Maar de vele poten, de decoraties en de geperforeerde bodem
blijven vragen oproepen waarop ik nauwelijks antwoorden heb gevonden.

Misschien is dat juist de kracht van dit object.
Bij veel museumstukken vertelt het zaalbord de bezoeker wat hij ziet.
Hier bleef een deel van het raadsel bestaan.

Wanneer je dat raadsel probeert te ontwarren,
valt op hoe moeilijk het soms is om wetenschappelijke kennis te bereiken.
Veel publicaties zijn slechts beperkt toegankelijk
en de informatie die wel beschikbaar is,
moet vervolgens nog worden geplaatst in de context van het voorwerp zelf.
Dat is precies de brug die de wetenschappelijke wereld
zegt te willen slaan tussen onderzoek en publiek.
Bij deze sarcofaag bleek die brug voor mij verrassend smal.

Toen ik verder liep naar de Shiva Nataraja
wist ik meer dan toen ik het object voor het eerst zag,
maar nog lang niet alles.


India 24/25: Patna, dag 1 – Bihar Museum 3

– over twee beelden, twee werelden van het boeddhisme –

Een Boeddha uit Gandhara

Gandhara was een historische regio
in het noordwesten van het Indische subcontinent,
grotendeels gelegen in het huidige Pakistan en Afghanistan.

Dankzij haar ligging op de handelsroutes tussen India, Centraal-Azië
en het Midden-Oosten groeide de streek uit
tot een ontmoetingsplaats van verschillende culturen.

Na de veroveringen van Alexander de Grote
bleven invloeden uit de Griekse wereld in de regio aanwezig,
terwijl ook Perzische, Centraal-Aziatische
en Indiase tradities er samenkwamen.

Vanaf de eerste eeuwen van onze jaartelling ontstond
onder meer onder de Kushan-heersers
een bloeiende boeddhistische kunsttraditie
die elementen uit al deze werelden wist te verenigen.
Het Boeddhabeeld uit Sahri Bahlol behoort waarschijnlijk
tot deze culturele en artistieke bloeiperiode.

Die culturele vermenging is zichtbaar in de kunst van Gandhara,
een naam die niet alleen verwijst naar de historische regio
maar ook naar de kunststroming die daar ontstond.
Boeddhistische voorstellingen uit India werden uitgewerkt
in een stijl die zich onderscheidt door naturalistisch gemodelleerde gezichten, zorgvuldig weergegeven lichaamsvormen en zware gewaden
met een duidelijke plooival.

Gandhara speelde bovendien een belangrijke rol
in de ontwikkeling van het Boeddhabeeld
zoals wij dat tegenwoordig kennen.
Waar de Boeddha in oudere kunst vaak
alleen door symbolen werd aangeduid,
verscheen hij hier steeds vaker als een menselijke figuur
met herkenbare kenmerken.

DSC01861IndiaPatnaBiharMuseumBuddhaGandharaSahr-I-BahlolPakistanArch5854
India, Patna, Bihar Museum, Buddha, Gandhara, Sahr-I-Bahlol, Pakistan, Arch.-5854.
DSC01862IndiaPatnaBiharMuseumBuddhaGandharaSahr-I-BahlolPakistanArch5854 Txt

De Boeddha uit Sahri Bahlol

Dit fragmentaire beeld uit Sahri Bahlol in het huidige Pakistan
laat verschillende kenmerken van de Gandhara-traditie zien.
Ondanks de beschadigingen zijn het hoofd, de schouders
en een deel van de borst bewaard gebleven.

Opvallend is het gewaad dat beide schouders bedekt.
Langs de schouders en de borst valt de stof
in regelmatige, parallelle plooien.
Zulke nadrukkelijk gemodelleerde plooien
behoren tot de herkenbare stijlmiddelen van de Gandhara-kunst
en herinneren aan beeldtradities uit de Griekse wereld
waarmee de kunstenaars van Gandhara vertrouwd waren.

Het gezicht is niet opgevat als een individueel portret
maar als een ideaalbeeld.
De gelijkmatige gelaatstrekken, de halfgesloten ogen
en de ingetogen mond geven de Boeddha een uitstraling
van rust en geestelijke concentratie.

Hoe herken je een Boeddha?

De figuur is herkenbaar als de Boeddha
door de lange oorlellen, de karakteristieke haarkrullen
en de ushnisha boven op het hoofd.
Deze kenmerken behoren niet specifiek tot de Gandhara-stijl,
maar maken deel uit van de boeddhistische beeldtaal
die zich later over grote delen van Azië zou verspreiden.

Waarom hebben Boeddhabeelden lange oorlellen?

De lange oorlellen hebben een symbolische betekenis.
Volgens de overlevering herinneren zij
aan Siddhartha Gautama’s jeugd als prins,
toen zware oorhangers de oorlellen zouden hebben uitgerekt.
Nadat hij afstand had gedaan van rijkdom en status
verdwenen de sieraden, maar de lange oorlellen bleven zichtbaar.

In de boeddhistische kunst groeiden zij uit tot een vast herkenningsteken
van de Boeddha.
Hun lengte varieert sterk van beeld tot beeld,
wat laat zien dat kunstenaars naast symboliek
ook een zekere artistieke vrijheid hadden in de uitwerking ervan.

Wat is de ushnisha precies en hoe herken je die?

Boven de regelmatige haarkrullen bevindt zich de ushnisha.
Voor moderne bezoekers oogt dit detail gemakkelijk
als een haarwrong of knot.
In de boeddhistische traditie wordt de ushnisha echter
niet beschouwd als een onderdeel van de haardracht,
maar als een verhevenheid van de schedel.
Zij behoort tot de bijzondere lichamelijke kenmerken van een Boeddha
en symboliseert diens spirituele wijsheid.
Kunstenaars hebben dit kenmerk door de eeuwen heen
op verschillende manieren vormgegeven.
Soms is de verhevenheid duidelijk zichtbaar,
soms lijkt zij op een knot, en soms, zoals bij dit beeld,
loopt zij vrijwel ongemerkt over in de krullen van het haar.


DSC01863 01 IndiaPatnaBiharMuseumChundaMultipleArmsRatnagiriOdishaArch6500
Chunda with multiple arms, Ratnagiri, Odisha, Arch.-6500.
DSC01865IndiaPatnaBiharMuseumChundaMultipleArmsRatnagiriOdishaArch6500 Txt

Een Chunda uit Ratnagiri

Toen ik in 2004 Odisha bezocht,
stonden plaatsen als Puri en Bhubaneswar centraal.
Daardoor associeerde ik de regio vooral met het hindoeïsme.
Minder bekend is dat hetzelfde gebied gedurende eeuwen
ook een belangrijk centrum van het boeddhisme was.
In kloostercomplexen als Ratnagiri ontwikkelde zich
een rijke boeddhistische beeldcultuur,
die sterk verschilde van de veel oudere Gandhara-traditie.

Waar de Boeddha uit Gandhara behoort tot een vroege traditie
waarin de historische Boeddha centraal staat,
voert het beeld van Chunda ons naar het Ratnagiri van enkele eeuwen later.
Hier ontwikkelde zich een vorm van boeddhisme
waarin naast de Boeddha ook bodhisattva’s en talrijke godheden
een belangrijke plaats kregen.
Het beeld uit Ratnagiri opent daarmee een venster
op een rijkere en complexere religieuze wereld.
De rustige, menselijke Boeddha van Gandhara
maakt hier plaats voor een godheid met meerdere armen,
waarvan elk detail een eigen symbolische betekenis draagt.

Het beeld van Chunda bestaat uit meer dan alleen de centrale godheid.
Van boven naar beneden zien we een staande figuur linksboven en,
oorspronkelijk, een vergelijkbare figuur rechtsboven,
waarvan slechts een fragment bewaard bleef.
Daartussen bevindt zich een kleine zittende Boeddha (beschadigd)
boven het hoofd van Chunda.
In het midden zit Chunda zelf op haar lotuszetel.
Daaromheen ontvouwen zich twaalf armen met verschillende attributen.
Helemaal onderaan bevindt zich een reeks kleinere figuren onder de troon.
Samen vormen zij een zorgvuldig opgebouwde religieuze voorstelling
waarin ieder element een eigen betekenis heeft.

DSC01863 02 IndiaPatnaBiharMuseumChundaMultipleArmsRatnagiriOdishaArch6500 links
DSC01863 03 IndiaPatnaBiharMuseumChundaMultipleArmsRatnagiriOdishaArch6500 Rechts

Een beeld met meerdere armen

Voor moderne bezoekers zijn de vele armen misschien
het meest opvallende onderdeel van het beeld.
Toch vormen zij slechts één element binnen een grotere compositie.
In de boeddhistische beeldtaal moeten de meerdere armen
niet letterlijk worden opgevat.
Zij maken zichtbaar dat een godheid
over verschillende krachten en vermogens beschikt.
Die worden vervolgens herkenbaar gemaakt
door de voorwerpen die zij draagt of vasthoudt.

De vele armen van Chunda ogen
voor westerse bezoekers misschien vreemd,
maar het idee erachter is minder ongewoon dan het lijkt.
In zekere zin doet dit denken aan de christelijke kunst,
waar heiligen vaak eerder aan hun kenmerken en attributen
dan aan hun gezicht kunnen worden herkend.
Zo verwijzen bijvoorbeeld de stigmata naar Franciscus,
een zalfpot naar Maria Magdalena en een gebroken wiel
naar de heilige Catharina.
Op vergelijkbare wijze maken de attributen van Chunda
haar identiteit en betekenis zichtbaar.
Wat voor de ene traditie vanzelfsprekend is,
oogt in een andere traditie al snel ingewikkeld of geheimzinnig.

GelezenHanden

Ik heb geprobeerd de armen en met name hun attributen te identificeren.
Het volgende overzicht is dan het resultaat:

Toen ik de attributen één voor één bekeek,
bleek de museumtekst grotendeels te kloppen.

De kom, lotus, slang, noose, waterkruik, gebedskrans en vrucht
zijn met enige moeite op het beeld terug te vinden.

Alleen het genoemde boek bleef ongrijpbaar.
Geen van de zichtbare attributen lijkt overtuigend op een palmbladmanuscript.

Daar staat tegenover dat het beeld enkele andere voorwerpen toont
die de museumtekst niet vermeldt,
waaronder een wiel met spaken, een mogelijk vajra
en een raadselachtig boogvormig attribuut.

Zoals vaker bij historische beelden levert zorgvuldig kijken
niet alleen antwoorden op, maar ook nieuwe vragen.
Sommige daarvan heeft zelfs een uitgebreide zoektocht op internet
vooralsnog niet kunnen beantwoorden.

Hoe past dit binnen het Vajrayana-boeddhisme?

De vraag die uiteindelijk resteert, is hoe dit beeld past
binnen de traditie van het Vajrayana-boeddhisme.
Waar de Boeddha uit Gandhara vooral de historische Boeddha
als menselijke figuur toont,
kent het Vajrayana-boeddhisme een uitgebreide wereld
van boeddha’s, bodhisattva’s en godheden
die verschillende aspecten van verlichting vertegenwoordigen.
Chunda wordt daarbij geassocieerd
met bescherming, zuivering en spirituele ondersteuning.
De vele armen en attributen zijn niet bedoeld als artistieke overdaad,
maar maken deze verschillende eigenschappen en functies zichtbaar.
De rijkdom van het beeld is daarmee niet het uitgangspunt,
maar het gevolg van de betekenis
die de beeldhouwer tot uitdrukking wilde brengen.

Opvallend zijn ook de vele sieraden die Chunda draagt.
Anders dan de Boeddha uit Gandhara verschijnt zij niet
als een eenvoudige monnik,
maar als een rijk versierde godheid.
De kroon, de halskettingen en de armbanden benadrukken
haar verheven status en passen binnen de beeldtaal
van het latere Mahayana- en Vajrayana-boeddhisme,
waarin bodhisattva’s en godheden
vaak als vorstelijke figuren worden voorgesteld.

Dat er nog veel over dit beeld te vertellen is lijkt me duidelijk.
Zie dit als een eerste introductie.


Vragen uit een miniatuurwereld: een huis en een balspel uit Nayarit

DSC06088 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Casa
Mexico, Oaxaca, Museum of Mexican prehispanic art, Escenas de vida cotidiana: casa y juego de pelota, Nayarit, preclasico tardio, ceramica, 1250 a.C. – 200 d.C.

Nayarit-huismodel

Dit keramische model uit Nayarit wordt door het museum omschreven
als een voorstelling uit het dagelijks leven.
Het toont een architectonisch complex
met twee elkaar kruisende dakvolumes.
Op basis van de beschikbare foto is niet vast te stellen
of deze dakvolumes tot één gebouw behoren,
of dat zij twee afzonderlijke
maar nauw met elkaar verbonden ruimten of gebouwen voorstellen.

DSC06088 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC CasaDaken

De twee daken hebben een vergelijkbare vorm
en zijn voorzien van geometrische decoraties
die voornamelijk uit ruitmotieven bestaan.
Vergelijkbare dakvormen zijn ook bekend
van andere West-Mexicaanse huismodellen.
Toch blijft onduidelijk hoe de relatie
tussen beide dakvolumes precies moet worden opgevat.
De beschikbare foto laat de onderliggende constructie niet zien,
waardoor verschillende interpretaties mogelijk blijven
(1 gebouw met 2 daken, 2 losse gebouwen, 1 gebouw en een bijgebouw…).

DSC06088 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC CasaBasis
Detail van de basis.

Op het eerste gezicht lijkt het verleidelijk de ruitmotieven
te interpreteren als een aanwijzing voor dakbedekking of constructietechniek.
Bij nadere beschouwing blijkt echter dat vergelijkbare patronen
ook op andere grote vlakken van het object voorkomen.
Daardoor ligt een uitsluitend bouwkundige verklaring
minder voor de hand en blijft de betekenis van de decoratie onzeker.

DSC06088 05 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Trap
Traptreden met decoratie.

Op het gefotografeerde aanzicht is een trap zichtbaar
die toegang geeft tot een verhoogd niveau
waarop het architectonische complex is geplaatst.
Daarbij valt op dat de trap
niet helemaal tot de onderzijde van het object doorloopt.

Hierdoor ontstaat de indruk van een sokkel of basis
die nodig is om de verschillende onderdelen van de voorstelling,
zoals gebouwen en figuren, tot één samenhangend geheel te verenigen.

Boven deze basis lijkt zich een tweede niveau te bevinden
dat mogelijk deel uitmaakt van de afgebeelde architectuur,
een platform waarop het gebouw staat.

Het trapje suggereert dat de overgang naar het gebouw betekenisvol was,
maar zegt op zichzelf weinig over de functie van het gebouw
of de sociale positie van de gebruikers.

DSC06088 04 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Mens

Rond het complex zijn verschillende menselijke figuren afgebeeld.
De kleine figuren vormen een afzonderlijk onderzoeksthema.

Bij meerdere figuren zijn geribbelde elementen zichtbaar
ter hoogte van schouder of bovenarm.
Omdat deze kenmerken bij verschillende figuren terugkeren,
lijken zij bewust te zijn aangebracht.
Op basis van de beschikbare foto’s is echter niet vast te stellen
of het gaat om sieraden, kledingdetails, lichaamsversieringen
of een stilistische conventie van de maker.
De figuren zijn daarvoor te klein en te schematisch weergegeven.

Een belangrijk probleem is dat de analyse gebaseerd is
op één museale opname.
Daardoor blijven veel aspecten van het object aan het zicht onttrokken.
De huidige opstelling toont slechts één zijde van het model,
wat het verleidelijk maakt deze zijde als de voorkant
van het object te beschouwen.
Daarvoor ontbreekt echter overtuigend bewijs.
De gekozen kijkrichting maakt het bovendien onmogelijk
om de volledige relatie tussen de architectuur en de figuren te beoordelen.

De nadere bestudering van de kruisende daken,
de geometrische beschildering, het verhoogde platform
en de geribbelde elementen op de armen van verschillende figuren
leverde minder definitieve antwoorden op dan aanvankelijk verwacht.
Juist daardoor blijkt hoe beperkt één museale opname is.
Aanvullende foto’s of een driedimensionale scan van het object
zouden mogelijk meer inzicht geven in de architectuur,
de plaatsing van de figuren en de betekenis van verschillende details.
Ook vergelijking met andere West-Mexicaanse huismodellen,
en met de beschrijvingen en interpretaties
die onderzoekers daarvoor hebben voorgesteld,
kan helpen om nieuwe hypothesen te formuleren
en bestaande vragen scherper te stellen.
Het object lijkt daarmee minder een bron van vaste antwoorden
dan een uitnodiging tot verder onderzoek.

Digitale bronnen

Voor het vergelijken van soortgelijke objecten
bleek het platform Atrium.Earth bijzonder waardevol.
Het biedt voor een groot aantal sculpturen en archeologische objecten
interactieve 3D-modellen waarmee een object
vanuit verschillende gezichtspunten kan worden bestudeerd.
Het is interessant hun website te bezoeken.

Website: Atrium.Earth

Voor dit onderzoek was vooral
het interactieve 3D-model van een Nayarit-huis waardevol.
Het model maakt het mogelijk een vergelijkbaar object
van alle zijden te bekijken.
Daardoor werden alternatieve interpretaties zichtbaar
die op basis van één museale foto
gemakkelijk over het hoofd worden gezien,
zoals de mogelijkheid van kruisende dakconstructies
en de invloed van de gekozen kijkrichting op de interpretatie van het object.

Disclaimer: Atrium.Earth presenteert objectgegevens en 3D-scans afkomstig uit open museumcollecties, waaronder SMK Open en verwante collecties.
SMK Open is een initiatief van het Deense Statens Museum for Kunst.

Making the National Gallery’s art collection freely available to everyone — for any purpose, ranging from fun to serious production. The objective is to make art relevant to more people. The project is made possible by Nordea-fonden.

Tijdens mijn onderzoekje (05/10/2026) kon echter niet worden vastgesteld
welke juridische entiteit verantwoordelijk is voor het beheer van de Atrium-website.
Voor de interpretatie van objecten blijft het daarom raadzaam
ook de oorspronkelijke museumcollecties en catalogi te raadplegen.

DSC06089 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Juego
Juego de pelota.

Balspelmodel uit Nayarit

Op het eerste gezicht lijkt dit model eenvoudiger te begrijpen
dan het huismodel.
Het museum omschrijft het als een voorstelling van een balspel.
Toch roept ook dit object al snel meer vragen op
dan een eerste blik doet vermoeden.

DSC06089 04 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Schouder

Centraal bevindt zich een rechthoekige verlaging
die als speelveld kan worden geïnterpreteerd.
Aan de linker- en rechterzijde van deze ruimte bevinden zich
verhoogde constructies waarop een rij figuren is geplaatst.
Deze constructies doen denken aan tribunes,
al blijft die benaming een moderne interpretatie.
Aan de voor- en achterzijde van het speelveld
bevinden zich eveneens groepen figuren
die als toeschouwers kunnen worden gelezen.

DSC06089 06 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Tribune

Nadere bestudering laat zien dat deze toeschouwers
geen anonieme massa vormen.
Sommige figuren zitten schouder aan schouder,
andere lijken een arm om een buurfiguur te slaan
of met elkaar in contact te staan.
Daarnaast zijn er figuren die meer afzonderlijk zijn geplaatst.
De maker lijkt daarmee niet alleen een spel te hebben willen afbeelden,
maar ook een gemeenschap die dit spel beleeft.

DSC06089 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Veld

In het centrale speelgebied bevinden zich verschillende staande figuren.
Sommige nemen een actieve houding aan
die doet denken aan spelers die zich voorbereiden op een actie.
Verschillende van deze figuren dragen
een opvallende verdikking rond de middel- of heupzone.
Vergelijkbare gordels of banden zijn ook bekend
van andere West-Mexicaanse figuren
die met het balspel in verband worden gebracht.
Tegelijkertijd blijkt uit vergelijkbare modellen dat ook sommige toeschouwers
dergelijke kledingelementen dragen.
Kleding alleen lijkt daarom onvoldoende
om spelers van publiek te onderscheiden.

DSC06089 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Sumo

Ook hoofddeksels blijken geen eenvoudig onderscheid te bieden.
Zowel spelers als toeschouwers kunnen
vergelijkbare ringvormige hoofddeksels dragen.
De positie van de figuren en hun houding
lijken daardoor belangrijkere aanwijzingen te zijn dan de kleding die zij dragen.

DSC06089 05 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Dier

Opvallend zijn daarnaast enkele figuren
die niet eenvoudig als speler of toeschouwer kunnen worden ingedeeld.
Op basis van de beschikbare foto lijkt ten minste één figuur
een andere positie in te nemen dan de actieve spelers.
Vergelijkbare modellen tonen soms figuren
die een afzonderlijke plaats op een tribune krijgen.
Of hier sprake is van organisatoren, rituele functionarissen,
eregasten, toezichthouders of iets anders valt niet vast te stellen.
Wel lijkt duidelijk dat de maker meer sociale rollen afbeeldde
dan alleen spelers en publiek.

DSC06089 07 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtEscenasDeVidaCotidianaCasaYJuegoDePelotaNayaritPreclasicoTardioCeramica1250aC-200dC Heuvel

Een bijzonder raadsel vormen de kleine afgeronde objecten
die zich op het speelveld bevinden.
Vergelijkbare objecten komen ook voor
op andere Nayarit-balspelmodellen,
waaronder een model van de Yale University Art Gallery.
Het ligt voor de hand hierin de bal te herkennen,
maar daarvoor ontbreekt overtuigend bewijs.
Opvallend is bovendien dat de spelers zich niet zichtbaar
op deze objecten lijken te richten.
De geraadpleegde museumteksten besteden aan deze details
nauwelijks aandacht, waardoor hun betekenis voorlopig onduidelijk blijft.

Vergelijking met andere balspelmodellen blijkt waardevol,
maar levert niet altijd antwoorden op.
Wel worden terugkerende elementen zichtbaar:
spelers in actieve houding, groepen toeschouwers langs het speelveld,
verhoogde tribunes en figuren met een bijzondere positie
binnen de voorstelling.
Juist door die vergelijkingen ontstaat het vermoeden
dat het model niet alleen een spelmoment toont,
maar een complete sociale gebeurtenis.

Opmerkelijk genoeg blijkt de beschikbare literatuur
minder behulpzaam dan verwacht.
Hoewel het Meso-Amerikaanse balspel
tot de bekendste uitingen van de precolumbiaanse cultuur behoort,
richten veel publicaties zich op de geschiedenis van het spel,
de archeologische context of de kleding van de spelers.
Voor specifieke details van deze miniatuurvoorstellingen,
zoals de verschillende categorieën aanwezigen
of de afgeronde objecten op het speelveld,
zijn weinig toegankelijke studies beschikbaar.
Sommige vragen blijken daardoor gemakkelijker te stellen
dan te beantwoorden.

Zoals bij het huismodel laat ook dit object zien
hoe belangrijk het is om meerdere foto’s
en vergelijkingsmateriaal te raadplegen.
Eén enkele museale opname geeft slechts een deel van de informatie prijs. Juist de vergelijking met andere modellen
en met opnamen vanuit verschillende gezichtspunten
levert de meest vruchtbare nieuwe vragen op.


India 24/25: Patna, dag 1 – Bihar Museum 2

– over twee eeuwen, één Boeddha –

Inleiding

Beide Boeddhabeelden in dit bericht,
die ik kort na elkaar fotografeerde in het Bihar Museum,
stammen uit de Pala-periode (8e-12e eeuw CE).
Deze periode ontleent haar naam aan de Pala-dynastie,
die grote delen van Oost-India bestuurde.
Onder haar bewind groeide Bihar uit tot een belangrijk centrum
van het boeddhisme.
In dezelfde periode beleefden beroemde kloosteruniversiteiten als Nalanda,
die ik later tijdens deze reis zou bezoeken, hun bloeitijd.

De twee beelden vormen een interessante vergelijking.
Hoewel zij ongeveer twee eeuwen van elkaar gescheiden zijn,
zullen we hieronder zien dat zij zowel
het hoge artistieke niveau van de boeddhistische kunst
als de opmerkelijke continuïteit van de beeldtraditie
in de Pala-periode weerspiegelen.

DSC01855IndiaPatnaBiharMuseumBuddhaBhumisparshaMudra11thCentCEPalaPeriodVishnupurBiharArch1681GreyPhylliteStone
India, Patna, Bihar Museum, Buddha in bhumisparsha mudra, 11th century CE, Pala period, Vishnupur, Bihar, Arch.-1681, grey phyllite stone.
DSC01856IndiaPatnaBiharMuseumBuddhaBhumisparshaMudra11thCentCEPalaPeriodVishnupurBiharArch1681GreyPhylliteStone
DSC01857IndiaPatnaBiharMuseumBuddhaBhumisparshaMudra11thCentCEPalaPeriodVishnupurBiharArch1681GreyPhylliteStone Txt

Boeddha in steen

Het eerste van de twee beelden is een stenen Boeddha
uit Vishnupur in Bihar.
De Boeddha zit in meditatie op een lotustroon
en maakt de bhumisparsha mudra,
letterlijk de “aarde-aanrakende houding”.
Zijn rechterhand reikt naar beneden en raakt de aarde aan,
terwijl de linkerhand in zijn schoot rust.
Deze houding verwijst naar het moment
waarop Siddhartha Gautama de verlichting bereikte.
Met het aanraken van de aarde roept hij haar op als getuige
van de weg die hij heeft afgelegd en van zijn recht om Boeddha te worden.

De gelaatsuitdrukking sluit nauw aan bij dit moment van verlichting.
De halfgesloten ogen, de ontspannen gelaatstrekken
en de onbeweeglijke houding drukken geen spanning of emotie uit,
maar een toestand van innerlijke rust en spiritueel inzicht.
Ook de regelmatige haarlokken, de symmetrische compositie
en de beheerste plooival van het gewaad versterken die indruk.

Het beeld toont niet zozeer een mens van vlees en bloed
als wel het boeddhistische ideaal van de verlichte mens.

Hoewel de voorstelling sober oogt, is zij met grote precisie uitgevoerd.
Vooral de lotustroon toont de verfijnde decoratieve stijl
die kenmerkend is voor de boeddhistische kunst van de Pala-periode.

Op de zichtbare voetzool is bovendien een cirkelvormig teken aangebracht.
Mogelijk stelt dit het dharmachakra, het wiel van de leer, voor.
Dergelijke symbolen worden in de boeddhistische kunst
soms op de handpalmen en voetzolen van de Boeddha afgebeeld
om zijn bijzondere status te benadrukken.

Hoewel dit beeld ongeveer twee eeuwen jonger is
dan het bronzen beeld uit Kurkihar dat hieronder volgt,
vertoont het opvallend veel van dezelfde kenmerken.
Juist daardoor vormt het een goed uitgangspunt voor een vergelijking
van de opmerkelijk stabiele beeldtraditie van de Pala-periode.

DSC01859IndiaPatnaBiharMuseumBuddhaBhumisparshaMudra9thCentCEPalaPeriodKurkiharGayaBiharArch9598Bronze
Buddha in bhumisparsha mudra, 9th century CE, Pala-period, Kurkihar, Gaya, Bihar, Arch.-9598, bronze.
DSC01860IndiaPatnaBiharMuseumBuddhaBhumisparshaMudra9thCentCEPalaPeriodKurkiharGayaBiharArch9598Bronze Txt

Boeddha in brons

Het tweede beeld is een bronzen Boeddha uit Kurkihar in het district Gaya.
Het maakt deel uit van een groep bronzen beelden
die in Kurkihar werd opgegraven.
Deze vondst behoort tot de belangrijkste ontdekkingen
van boeddhistische bronskunst uit de Pala-periode.

Net als het stenen beeld is de Boeddha afgebeeld
in de bhumisparsha mudra.
Ook hier zien we dezelfde meditatieve zithouding,
de regelmatige haarlokken en het dunne monniksgewaad
dat het lichaam in een patroon van fijne lijnen volgt.
Ook hier drukken de halfgesloten ogen, de symmetrische compositie
en de onbeweeglijke houding, net als bij het stenen beeld,
geen spanning of emotie uit maar innerlijke rust en spiritueel inzicht.
Ook dit beeld toont niet zozeer een mens van vlees en bloed
als wel het boeddhistische ideaal van de verlichte mens.

Het gebruik van brons stelde de kunstenaar in staat
bijzonder verfijnd te werken.
Dat is zichtbaar in de scherpe contouren van het gezicht,
de subtiele behandeling van het gewaad
en de zorgvuldig uitgewerkte lotustroon.
Ondanks zijn bescheiden afmetingen bezit het beeld
een opmerkelijke elegantie en een technisch vakmanschap
dat voor zijn tijd uitzonderlijk moet zijn geweest.
Juist die verfijnde afwerking heeft de bronzen beelden uit Kurkihar
tot de beroemdste voorbeelden
van boeddhistische bronskunst uit de Pala-periode gemaakt.

Afronding

Hoewel het bronzen beeld uit Kurkihar en het stenen beeld uit Vishnupur ongeveer twee eeuwen van elkaar gescheiden zijn, lijken ze op het eerste gezicht bijna tijdgenoten. Dezelfde bhumisparsha mudra, dezelfde ingetogen gelaatsuitdrukking en hetzelfde fijn geplooide monniksgewaad keren in beide werken terug. De vergelijking laat zien hoe stabiel het boeddhistische beeldideaal in Bihar gedurende de Pala-periode bleef. Niet vernieuwing, maar het bewaren en vervolmaken van een bestaande traditie stond centraal.
Generaties kunstenaars bleven teruggrijpen op
dezelfde beeldtaal en verfijnden die zonder haar wezenlijk te veranderen.


Het verborgen publiek van West-Mexico

– over keramische beeldjes en schachtgraven uit Nayarit, Jalisco en Colima –

De afgelopen maanden heb ik regelmatig beelden
uit het Museum of Mexican Prehispanic Art in Oaxaca besproken.
Bij iedere nieuwe foto vallen weer andere details op.
Op het eerste gezicht lijken het vooral bijzondere kunstwerken,
maar hoe langer je kijkt, hoe meer vragen ze oproepen.

De staande vrouwenfiguur op de foto hieronder
is daarvan een goed voorbeeld.

DSC06081 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFigurillaFemeninaOccidenteDeMéxicoPreclasicoTardio1250AC-200DCerámica
Mexico, Oaxaca, Museum of Mexican Prehispanic Art, Figurilla femenina, occidente de México, preclasico tardio, 1250 a.C. – 200 a.C., cerámica.

Sommige onderdelen zijn opvallend zorgvuldig uitgewerkt.
De figuur draagt een hoofdtooi of hoofddeksel
waarvan de betekenis mij onbekend is.
De oren, of misschien de oorhangers, zijn groot weergegeven.
Opvallend zijn ook de sieraden:
een halsketting met ronde hangers
en brede banden rond de bovenarmen.

DSC06081 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFigurillaFemeninaOccidenteDeMéxicoPreclasicoTardio1250AC-200DCerámica

Andere delen van het lichaam zijn juist sterk vereenvoudigd.
De armen eindigen zonder handen
en ook de benen zijn slechts summier vormgegeven.
Het gezicht bestaat uit eenvoudige elementen:
twee schijfvormige ogen, een uitstekende neus
en een mond die eveneens als een schijf met een inkeping is weergegeven.

DSC06081 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFigurillaFemeninaOccidenteDeMéxicoPreclasicoTardio1250AC-200DCerámica

Waarom koos de maker ervoor om sommige details
nadrukkelijk uit te werken en andere vrijwel weg te laten?

Een sluitend antwoord is niet bekend.
Het lijkt echter duidelijk
dat de bedoeling niet was om een natuurgetrouw portret te maken.
Kennelijk waren bepaalde kenmerken belangrijker
dan een realistische weergave van het menselijk lichaam.
Opvallend genoeg behoren daartoe ook
de vrouwelijke geslachtskenmerken,
die veel nadrukkelijker zijn uitgewerkt dan bijvoorbeeld handen of voeten.

Tijdens mijn zoektocht naar achtergrondinformatie
ontdekte ik dat dergelijke keramische figuren uit Nayarit, Jalisco en Colima
behoren tot een traditie die nauw verbonden is
met de schachtgraven van West-Mexico.

Een schachtgraf bestond uit een diepe verticale schacht
die toegang gaf tot een of meer ondergrondse grafkamers.
In die kamers werden overledenen bijgezet,
samen met aardewerk, sieraden en keramische figuren.
Veel van deze graven werden generaties lang gebruikt als familiegraf.
Telkens wanneer een nieuwe bijzetting plaatsvond,
moest men opnieuw afdalen in de ondergrondse ruimte.

Schachtgrafschema
Schematische voorstelling van een West-Mexicaans schachtgraf. Via een verticale schacht waren één of meer ondergrondse grafkamers bereikbaar. Dergelijke graven worden vaak in verband gebracht met keramische figuren en andere grafgiften uit Nayarit, Jalisco en Colima.

Hoewel het museum niet vermeldt of de afgebeelde objecten
daadwerkelijk uit een schachtgraf afkomstig zijn,
behoren zij wel tot een culturele traditie
die sterk met deze bijzondere grafvorm wordt geassocieerd.
Dat geeft de beelden een extra dimensie.

Anders dan beelden die bedoeld waren
om in tempels, paleizen of openbare ruimten te worden gezien,
stonden deze figuren mogelijk in een besloten ruimte
diep onder de grond.
Hun publiek bestond dan niet uit voorbijgangers,
maar uit de overledenen aan wie zij waren meegegeven.
Ook andere objecten uit de collectie passen binnen dit beeld.

DSC06084MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtVasijaZoomorfaColimaPreclasicoTardio1250AC-200DC
Vasija zoomorfa, Colima, preclasico tardio, 1250 a.C – 200 d.C.
DSC06086MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtVasijaZoomorfaColimaPreclasicoTardio1250AC-200DC

De dierenvormige vaten laat zien
dat niet alleen menselijke figuren werden vervaardigd.
Ook dieren en gebruiksvoorwerpen maakten deel uit
van het keramische repertoire van West-Mexico
en konden als grafgift worden meegegeven.

DSC06082MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFigurillaFemeninaOccidenteDeMéxicoPreclasicoTardio1250AC-200DCerámica
Figurilla femenina, occidente de México, preclasico tardio, 1250 a.C. – 200 d.C., cerámica.

De liggende vrouwenfiguur roept nog meer vragen op.
Waar de staande vrouwenfiguur waarmee dit bericht begon
ten minste herkenbaar blijft als een menselijk lichaam,
is hier sprake van een verregaande stilering.
Vooral de scherpe insnoering ter hoogte van de heupen trekt de aandacht.
Zij geeft het beeld bijna het uiterlijk van twee naast elkaar geplaatste delen.
Of dit een symbolische betekenis heeft
of uitsluitend een artistieke keuze is,
valt op basis van het museumlabel niet vast te stellen.

Afronding

Samen geven deze voorwerpen een indruk
van een wereld waarvan weinig geschreven bronnen zijn overgeleverd.
Juist daardoor zijn de keramische figuren zo waardevol.
Zij bieden een zeldzame blik op de mensen
die meer dan tweeduizend jaar geleden leefden in het westen van Mexico
en die hun doden begroeven in de opmerkelijke schachtgraven
waarvoor de regio tegenwoordig bekendstaat.


Het huis dat Amsterdam erfde

Gisteren ging ik naar Amsterdam om een voorstelling te zien.
Aan het begin van de middag nam ik de trein, de reis duurt bijna twee uur
en ik had uiteindelijk nog wat tijd over voordat ik er zou gaan eten.
Lopend naar het Rembrandtplein kwam ik
langs de tuin van het Museum Willet-Holthuysen.
Zeldzaam om zo’n tuin in het centrum van Amsterdam te zien.
Het huis is een grachtenpand dat de stad Amsterdam ooit erfde
van de familie Willet-Holthuysen.
Het prachtige huis is heel stemmig ingericht en bevat heel wat voorwerpen
die ik zelf nooit zou kopen, maar in dit huis passen ze perfect:

de levendige vogeltjes in hun kooien die de wanden van de keuken versieren
het servies met groenten en fruit in dezelfde ruimte
grote namaakedelstenen in het houten plafond van de antiquekamer.
Heb je ook zo’n ruimte thuis?
fantasievolle standbeelden om een marmeren trap
de Chinese schalen en beeldjes in de antieke kasten in de eet- en woonvertrekken
muurschilderingen in de gang waarbij het hert de jacht niet ontspringt
de Meissen-lamp in de koepelkamer.

Die Meissen-lamp
Een kroonluchter van keramiek in wit, roze en blauw
met bloemetjes, goud, bladeren en knoppen.
Waarschijnlijk speciaal ontworpen en gemaakt voor de tuinkamer.
De lamp gaat je voorstellingsvermogen te boven.
Allemaal te zoetjes voor mijn smaak, maar hij hangt hier op zijn plaats.

Omdat ik te weinig tijd had ga ik zeker nog eens terug.

IMG_9961AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenTussenDeAndereGrachtenpanden
IMG_9960AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenVoorbeeld166DeligDinerserviesFamilieKruijffKoninklijkePorseleinfabriekDommerEnCo
IMG_9962AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenBoudoirTxt
IMG_9963AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenBeeldenOpDeMarmerenTrap
Beelden op de marmeren trap.
IMG_9964AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenSlaapkamer
IMG_9965AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKamerVoorBoekenEnPrenten
Boeken- en prentenkamer.
IMG_9966AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKamerVoorBoekenEnPrenten
Zo’n soort kastje zoek ik nog.
IMG_9967AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenAntiquekamer
De antiquekamer.
IMG_9968AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenAntiquekamer
IMG_9969AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenAntiquekamerTxt
IMG_9970AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenPlafondAntiquekamer
Plafondversiering.
IMG_9971AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenAntiquekamer
IMG_9972AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenMarmerenTrap
IMG_9973AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenEetkamer
IMG_9974AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenEetkamerTxt
IMG_9976AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenPaulColinGeschilderdeWandpanelen
IMG_9975AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenPaulColinGeschilderdeWandpanelenTxt
IMG_9977AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenPaulColinGeschilderdeWandpanelen
Maker Paul Colin.
IMG_9978AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenPaulColinGeschilderdeWandpanelen
IMG_9979AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenPaulColinGeschilderdeWandpanelenHert
Het hert ontspringt deze keer de jacht niet.
IMG_9980AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenLinksPortretHolthuysen
Met een portret van Holthuysen linksboven aan de muur.
IMG_9981AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenOntvangstruimte
De salon, de ontvangstkamer, ruimte voor bijvoorbeeld kamermuziek.
IMG_9982AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenOntvangstruimte
IMG_9983AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenZijkamer
IMG_9984AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenZijkamerTxt
IMG_9985AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenZijkamer
IMG_9986AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKoepelkamerMetMeissenLamp
De Meissen-kroonluchter.
IMG_9987AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKoepelkamerMetMeissenLamp
IMG_9988AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKoepelkamerMetMeissenLamp
IMG_9990AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKoepelkamerMetMeissenLamp
IMG_9991AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKoepelkamerMetMeissenLampTxt
IMG_9992AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKoepelkamerMetMeissenLamp
IMG_9993AmsterdamMuseumWillet-Holthuysen
IMG_9996AmsterdamMuseumWillet-Holthuysen
IMG_9997AmsterdamMuseumWillet-Holthuysen
IMG_9998AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenMarmerenTrap
IMG_9999AmsterdamMuseumWillet-Holthuysen
IMG_0001AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKeuken
IMG_0002AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKeukenwand
IMG_0003AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenServiesMetGroentenEnFruit
IMG_0004AmsterdamMuseumWillet-HolthuysenKabraBlauw
De Kabra blauwbeeldjes die ik pas geleden ook al zag in het Deport van Museum Boijmans Van Beuningen.

Figuren op de rand van het menselijke

Inleiding

De drie Nayarit‑beelden in dit bericht
lijken op het eerste gezicht varianten van hetzelfde type figuur.
Maar ze gaan verschillend om met vorm, oppervlak en betekenis.
Ze delen een aantal opvallende kenmerken
— het langgerekte hoofd, de nadrukkelijke schouderpartijen,
de gestileerde gelaatstrekken —
maar elk beeld accentueert iets anders:
het ene speelt met proportie en abstractie,
het andere met huid en krassen,
het derde met ornament en kleding.

Samen vormen ze een kleine reeks
waarin de sculpturale logica van de Nayarit‑traditie zichtbaar wordt:
niet als etnografische documentatie,
maar als een zoektocht naar gestileerde aanwezigheid,
naar figuren die meer idee zijn dan individu.

DSC06061 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
Mexico, Oaxaca, Museum of Mexican Prehispanic Art, Figura del preclasico tardio de Nayarit, 1250 a.C. – 200 d.C.
DSC06061 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06061 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06061 04 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06061 05 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC

Swedish chef?

Het hoofd van deze figuur is misschien wel het meest abstracte element:
langgerekt, maskerachtig, bijna losgezongen van de menselijke proporties.
Die abstractie zit niet alleen in de lengte,
maar ook in de manier waarop de gelaatstrekken zijn vormgegeven.

De ogen bestaan uit een strak gevormd boven‑ en onderooglid
met daartussen een eenvoudige ovale oogbal,
zonder verdere modellering of diepte
— precies genoeg om een oog te suggereren,
maar niet genoeg om het anatomisch te maken.

De neus is een scherp, geometrisch volume zonder zachte overgangen.

De mond is een smalle, uitgesneden lijn
die eerder een opening in een masker lijkt dan een anatomische mond.

De oren zijn volledig geïntegreerd in het sieraad dat erdoorheen loopt,
waardoor de oorschelp als zelfstandig lichaamsdeel bijna verdwijnt.

De kin steekt scherp naar voren, als een punt
die het hele hoofd nog verder verlengt.

De enige poging om nog naar anatomie te verwijzen
zijn misschien de tanden
— kleine, regelmatige markeringen
die als laatste restje van een menselijk gezicht
in een verder volledig gestileerde vorm blijven staan.

Je ziet dat vaker bij kunstenaars die maskers
of sterk gestileerde figuren maken:
zodra je gaat abstraheren, worden fysieke realiteiten minder belangrijk
en krijgt het materiaal de ruimte om een eigen logica te volgen.

Denk aan Giacometti, die zijn figuren tot smalle, verticale silhouetten uitrekte;
aan Afrikaanse maskers, waarin ogen, neuzen en kinnen
tot pure vormen worden teruggebracht;
of aan Cycladische idolen, waar het gezicht
tot een glad, bijna architectonisch vlak wordt gereduceerd.

Een menselijk hoofd is nu eenmaal maar een bepaald aantal centimeters lang,
maar een sculptuur hoeft zich daar niet aan te houden.
Door het hoofd nog verder te verlengen met een hoofddeksel
ontstaat een vorm die niet meer anatomisch is,
maar conceptueel:
een gestileerde, verticale aanwezigheid die eerder een idee belichaamt
dan een gezicht.

De noppen op de schouders

Wat bij deze drie Nayarit‑figuren blijft intrigeren
zijn de noppen op de schouders:
zo nadrukkelijk aanwezig dat ze om een verklaring vragen,
maar geen enkele hypothese overtuigt volledig.

Ornamenten lijken het meest aannemelijk
— een soort algemeen gedragen schouderstuk,
zoals Nederlanders ooit klompen droegen,
herkenbaar maar niet noodzakelijk voor iedereen en of altijd.

Littekens zijn onlogisch,
daarvoor zouden ze te specifiek en te herkenbaar moeten zijn.

Rituele markeringen kunnen altijd,
maar zonder aanwijzingen blijft dat een zwakke restcategorie.
Juist doordat de noppen steeds op dezelfde plek verschijnen,
lijken ze eerder een visuele conventie:
een beschermend of ceremonieel gewaad
dat zijn oorspronkelijke betekenis misschien allang verloren had,
maar als stijlkenmerk bleef voortleven.

Vijf, zes, zeven of acht?

De hand met zeven of acht vingers
is misschien wel het meest onthullende detail:
een beeldhouwer weet hoe een hand werkt, niet theoretisch maar lichamelijk,
omdat hij zijn eigen handen voortdurend ziet en gebruikt tijdens het boetseren.
Afwijken van vijf vingers is dus nooit een vergissing
maar een bewuste keuze,
en bovendien een keuze die méér werk en materiaal kost.
In plaats van te abstraheren door weg te laten,
heeft de maker hier juist toegevoegd
— een indringende aanwijzing dat deze hand niet menselijk bedoeld is,
maar een geladen, symbolische vorm.


DSC06062 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
Figura del preclasico tardio de Nayarit.
DSC06062 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06062 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06062 04 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC

Krassen

Bij het tweede beeld zien we meteen
de krassen in de hals en op de schouderpartij.
Ze variëren in lengte, precies zoals de beschikbare ruimte het toelaat.
Ze lijken door hun plaats iets over de huid te zeggen:
een geactiveerde textuur die het bovenlichaam
een levendig, bijna vibrerend oppervlak geeft.

De sporen hebben die zachte, ingedrukte randen
die ontstaan wanneer ze in natte klei worden aangebracht,
alsof de maker het materiaal bewust liet reageren.

Samen met de elegante overgang van kleding naar voet
en het kapsel dat het hoofd opnieuw verlengt,
suggereren deze krassen een sculpturale huid
— geen anatomische weergave,
maar een betekenisdragend oppervlak
binnen de gestileerde logica van het beeld.


DSC06063 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06063 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06063 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06063 04 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC
DSC06063 05 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDelPreclasicoTardioDeNayarit1250AC-200DC

Decoratie

Opvallend bij dit derde beeld zijn de zware, gelaagde oorbellen
en de fijn getekende kledij.

De oorbellen bestaan uit bundels van cilindrische segmenten
die ritmisch langs de wangen hangen,
alsof ze niet alleen versiering zijn
maar ook een teken van status of rituele functie.
Hun plastische massa versterkt de monumentaliteit van het hoofd
en maakt het gezicht tot een centrum van gewicht en betekenis.

De kledij is niet geboetseerd maar getekend:
diagonale lijnen en V‑vormige patronen
liggen als een ritmisch schema over het onderlichaam heen.
Ze suggereren een patroon dat het oppervlak ordent en zones aanbrengt,
waardoor het lichaam een duidelijkere structuur en richting krijgt.

Samen vormen oorbellen en kledij een subtiel samenspel
van zwaarte en ritme, ornament en oppervlak,
dat de figuur een ceremoniële intensiteit geeft.

Afsluiting

Uiteindelijk blijft de grote vraag wat het idee is dat deze figuren belichaamt.
Het langgerekte hoofd, de gestileerde gelaatstrekken,
de uitvergrote hand en de nadrukkelijke schouderpartijen
wijzen niet naar individuen, maar naar een aanwezigheid
die boven het gewone menselijke niveau uitstijgt.

Misschien gaat het om een verheven gestalte, een soort rituele identiteit;
misschien om een vorm van kracht
die in de extra vingers wordt gesymboliseerd;
misschien om een overgangsvorm die,
zoals bij Giacometti, Afrikaanse maskers of Cycladische idolen,
het lichaam uitrekt naar een andere staat;
of misschien om een rol
— een functie binnen een ritueel of gemeenschap —
die alleen in deze gestileerde vorm zichtbaar kon worden.

De beelden geven het antwoord niet prijs,
maar laten wel voelen dat het om meer gaat dan anatomie:
een idee dat zich aan de mens onttrekt
en in klei een eigen, stille logica heeft gekregen.


Nagekomen gedachten

De krassen in de hals en schouders bleven me bezighouden.
Ik zocht naar voorbeelden met ‘krassen’.
Twee kwamen er zo binnen:

‘Krassen in het tafelblad’, een in 1978 uitgegeven kinderboek,
geschreven door Guus Kuijer.
Het boek heb ik nooit gelezen, maar het beeld is blijven hangen.
Wikipedia vertelt dat in het boek de krassen zijn gemaakt door iemand
die de hoofdpersoon beter wilde leren kennen maar die er niet meer is.
De krassen ontstonden vanuit frustratie.
De hoofdpersoon ziet het spoor uit het verleden
en vergelijkt de diepe krassen met tralies.
Een mooi beeld.
De krassen in het tafelblad zijn niet ontstaan om gezien te worden.
Ze zijn niet gemaakt om een bericht uit te sturen.
Maar ze zijn er wel en zeggen later toch iets.

De krassen van Lucio Fontana.
Deze Italiaanse schilder maakte insnedes met een mes in een schilderdoek.
Daarmee slaat hij een brug tussen
het tweedimensionale vlak
en het driedimensionale
dat ontstaat door het doorsnijden van het doek.
Hij probeert een brug te slaan tussen schilderkunst en beeldhouwwerk.
De krassen zijn bewust aangebracht.
Een klein gebaar dat zorgt voor een grote verandering.

Maar deze ideeën zijn te modern.
Dit kunnen niet de ideeën zijn van een ambachtsman
in het Mexico van rond de eeuwwisseling.

Vraag aan Copilot was: hoe denken hedendaagse archeologen
en kunsthistorici over de krassen in het Nayarit-beeld?

In de literatuur worden verschillende verklaringen genoemd
voor de zeldzame krassen die op sommige Nayarit‑beelden voorkomen.

De eerste ziet zulke krassen als een manier
om het oppervlak leesbaar te maken:
kleine ingrepen die een te glad lichaam een tastbare,
gearticuleerde huid geven,
zodat het niet als één effen massa wordt ervaren.

De tweede verklaring beschouwt de kras als een accent in het volume:
een lijn die aangeeft waar het lichaam draait, buigt
of van richting verandert.

Een derde mogelijkheid is dat de kras deel uitmaakt
van het ritme van het modelleren:
ambachtslieden werkten in herhaalde gebaren
— drukken, gladstrijken, krassen —
waarbij zo’n lijn simpelweg een stap in dat proces is.

Ten slotte wordt wel gedacht dat de kras hoort bij een ambachtelijke traditie:
een gedeelde manier van werken
waarin zulke ingrepen vaker voorkomen.

Maar al deze verklaringen hebben één probleem:
ze veronderstellen dat de kras een herkenbare conventie is,
terwijl er geen groot corpus bestaat waarin dezelfde ingreep
op dezelfde plek terugkeert.
Daardoor blijven deze interpretaties uiteindelijk te speculatief.

Wat we wél kunnen zeggen, is veel soberder:

de kras is een individuele handeling van een ambachtsman,
niet ingebed in een breed gedeelde traditie,
en zijn functie laat zich niet met zekerheid reconstrueren.
Juist die zeldzaamheid maakt het gebaar intrigerend
— zichtbaar, maar niet te herleiden tot een systeem.


Kijken, vergelijken en opnieuw kijken

– ik zie verbaasd, doorboord, monumentaal. En jij? –

Inleiding

In het Museum of Mexican Prehispanic Art staan drie figuren
die uit één cultuur komen maar daardoor
nog niet vanzelfsprekend bij elkaar horen.
Ze zijn beschilderd, doorboord, verbaasd van blik
— en toch elk op een andere manier aanwezig.

Twee zitten, de derde is bijna een zuil.
Wat ze delen is een sculpturale logica
waarin ogen, neus, oren en mond door hun perforaties
sterker spreken dan anatomie.

Kijken naar deze beelden betekent telkens opnieuw kijken:
naar vorm, naar kleurresten,
naar wat de maker heeft benadrukt en wat hij heeft weggelaten.

DSC06057 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200
Mexico, Oaxaca, Museum of Mexican Prehispanic Art, Figura de Nayarit, late preclassic, 1250 BC – AD 200.
DSC06057 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200
DSC06057 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200
DSC06057 04 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200

Een zittende Nayarit‑figuur

Een zittende figuur waarvan vooral de uitbundige,
gelaagde beschildering de aandacht trekt.
De verf is niet gelijkmatig verdeeld, maar vormt een complex geheel
van patronen die per lichaamsdeel variëren en elkaar ritmisch aanvullen.
Daardoor maakt het beeld een uitzonderlijk levendige en veelstemmige indruk.

Het hoofddeksel vormt een horizontale band die het hoofd omsluit;
aanvankelijk oogt het sober, maar bij close‑up
zijn er resten van een patroon zichtbaar
— kleine cirkels en stippen, waarschijnlijk ooit een subtiele decoratie
die door slijtage grotendeels vervaagd is.

Het gezicht is het meest levendige deel:
de schildering slingert in vloeiende lijnen rond ogen en neus,
bijna als keramische ornamentiek.

De ogen zijn gelaagd opgebouwd: een donkere pupil in een lichtgele iris, omlijst door een donkere ovaal die aan de onderzijde
nog eens wordt benadrukt met een boogvormige schaduw.

Onder de mond ligt een donker aangezette zone die de expressie versterkt; midden daarin loopt een smalle, verticale, lichtgekleurde streep over de kin.
Die markering is opvallend en geeft de kin
een zware, nadrukkelijke aanwezigheid,
alsof het een rituele of symbolische aanduiding is.

Aan weerszijden van het hoofd bevinden zich kleine,
nauwelijks gemodelleerde oren, terwijl de sierraden juist groot en complex zijn:
halfronde ringen met openingen en kleidetails
die zorgvuldig zijn aangebracht.
Het hoofd fungeert zo als drager van rituele versiering,
niet als naturalistische vorm.

Op het bovenlijf zet de beschildering zich voort vanaf de hals.
Onder de kin volgt een halszone waarin lichte stippen
en enkele donkere accenten in een bewuste verdeling zijn aangebracht.
Daaronder bevindt zich een halfronde, verhoogde richel klei
die de vorm van de kin doorgeeft aan de beschilderde textielstroken
op het torso.
Deze richel is later met donkere verf afgewerkt
en fungeert als een halssieraad,
een gemodelleerde overgang tussen gezicht en bovenlijf.
De textielstroken op het torso zelf
bestaan uit banen die de vorm van jaspanden aannemen,
beschilderd met een herhalend motief van dubbele H‑vormen.
Dit patroon is vooral zichtbaar op de linker lichaamshelft;
op de rechterzijde wordt het deels overschaduwd door arm en kom.
De herhaling van het motief suggereert een ritmische weefstructuur,
alsof het om een textiel gaat dat het bovenlijf omsluit.

De armen zijn verdeeld in banden:
een okergele zone met donkere stippen,
daaronder een bruine band met regelmatige lichte stippen,
en bij de pols een donker‑rode strook
met verticale strepen die de vingers voortzetten.
De hand is gestileerd, bijna ornamentaal,
en houdt een kom met opstaande rand,
beschilderd met een diamantpatroon dat uit twee omtreklijnen
in verschillende kleuren bestaat.
In het hart van elke diamant liggen lichte stippen,
alsof het object een zelfstandige betekenis heeft binnen het geheel.

De rokzone toont een doorlopend verticaal zigzagpatroon
op vlakken met verschillende tinten.
Het motief herhaalt zich minstens een keer
en lijkt geschilderd als een ritmische randversiering.
De verf is dun en deels verweerd, maar het ritme blijft herkenbaar:
een opeenvolging van licht‑donkere segmenten
die de onderzijde visueel omzoomt.
Het patroon doet denken aan geweven randen of borduursel,
een ornament dat beweging suggereert
binnen de statische houding van de figuur.

Zo ontstaat een ritmisch geheel waarin elk deel van het beeld
een eigen visuele taal spreekt
— floraal en vloeiend boven, symbolisch in het midden,
geometrisch‑ritmisch onder.
Het resultaat is een figuur die niet alleen een persoon voorstelt,
maar een samensmelting van patronen, materialen en betekenissen is:
een miniatuur‑wereld waarin verf, vorm en ritme
samen een verhaal vertellen over identiteit en ritueel.

In deze vormentaal klinkt duidelijk de traditie van Nayarit door:
de gemodelleerde halssieraad‑richel,
het repeterende dubbele‑H‑motief dat als geweven textiel om het torso ligt,
en de fijn verdeelde verfmarkeringen op hals en gezicht
vormen samen een beeldtaal die typisch is voor West‑Mexico.

Tegelijk laat dit beeld zien hoe binnen die traditie variatie mogelijk was:
een eigen ritme, een eigen combinatie van vorm en schildering,
een eigen manier om lichaam en ornament tot één geheel te maken.
Zo staat deze figuur niet alleen in een regionale stijl,
maar ook als een individueel werk
waarin de maker een herkenbare, bijna intieme visuele logica
heeft vastgelegd.


DSC06058 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200
Figura de Nayarit, late preclassic, 1250 BC – AD 200.
DSC06058 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200
DSC06058 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200

Zittende figuur met groot hoofd

Het tweede beeld toont een zittende figuur
met een groot, bijna kubusvormig hoofd
dat qua volume gelijkstaat aan de rest van het lichaam.

Het hoofddeksel bestaat uit een smalle band
met een diagonaal gestreept patroon.

De ogen zijn wijd geopend en bol, waardoor het gezicht
een verbaasde, alerte expressie krijgt.
Rond het oog zijn nog sporen van donkere verf zichtbaar:
vooral onder het oog ligt pigment precies op de overgang
van holte naar bolling.
De schilder heeft daarmee de topografie van de oogkas benadrukt,
waardoor het oog optisch dieper lijkt te liggen
en de verbaasde expressie wordt versterkt.

De neus is een driehoekige kleivorm met diepe, uitgesneden neusgaten,
waardoor hij als echte neus wordt gelezen
in plaats van als een eenvoudige kleidriehoek.
Onder de neus ligt een smalle mond waarin kleine gaatjes
de suggestie van tanden wekken
— een detail dat het gezicht een mengeling
van menselijkheid en stilering verleent.

Aan de zijkant van het hoofd is een oor zichtbaar.
Het is schelpvormig, met een duidelijke verdieping,
wat wijst op een poging tot anatomische uitwerking.
De bovenkant van de oorschelp is niet los van het hoofd gemodelleerd:
het oor vloeit daar in de massa van het hoofd over,
waardoor het compacter en massiever oogt dan een natuurlijk oor.
Aan de onderrand van het oor zit een kleine uitstulping,
die zowel kan worden gelezen als een versterkte oorlel
als een mogelijk restant van een oorsieraad.
Door de manier waarop het oor in het hoofd is opgenomen,
krijgt het geheel een robuuste, enigszins gestileerde vorm.

Het lichaam is compact en symmetrisch.
De figuur zit met gebogen benen, de voeten als een verlengde daarvan
— bijna als hoeven,
wat het beeld een aardse ondertoon geeft.

Op de linkerschouderkap is een duidelijke zone met oker pigment zichtbaar.
De tint ligt als een dunne laag bovenop het oppervlak
en wijkt af van de natuurlijke kleikleur,
wat erop wijst dat deze kap oorspronkelijk beschilderd was.
De kap lijkt lichter en egaler dan de rest van het lichaam,
wat mogelijk op restauratie duidt,
maar de okerlaag zelf is authentiek pigment.

Onder het sleutelbeen loopt aan beide zijden een zigzagmotief,
zichtbaar als lichte, ritmische lijnen die zich onderscheiden van de klei.
Links is het motief helder zichtbaar; rechts verschijnt het
in de buurt van een scheur, maar de herhaling van de vorm suggereert
dat het deel uitmaakt van een oorspronkelijk decoratief patroon,
mogelijk een textielrand of rituele beschildering.

De rechterhand houdt een bolvormig object
— mogelijk een bal, maar ook te lezen als een vrucht,
een steen of een ritueel attribuut.
De linkerhand rust op de buik.
De vingers zijn individueel gemodelleerd,
wat binnen deze stilistische context opvallend zorgvuldig is.

De oppervlakte van het beeld toont zowel pigmentresten
als natuurlijke verkleuringen.
Over het lichaam lopen scheuren die door ouderdom
en het bakproces zijn ontstaan;
in enkele daarvan is pigment blijven zitten.
Het zigzagmotief onder het sleutelbeen is echter te regelmatig
om toevallig te zijn en wijst op een bewust aangebracht decoratief patroon.

Kleurgebruik bij Nayarit‑beelden

De kleurverdeling van dit beeld — een oker gezicht, een roder lichaam,
donkere accenten rond de ogen en lichte patronen op borst en schouders
— past binnen het bekende palet van Nayarit‑beeldjes.
Makers uit West‑Mexico combineerden de natuurlijke variatie van de klei
(van oker tot roodbruin) met pigmenten op basis van mineralen
zoals rood ijzeroxide, wit kalk, zwart mangaan en oker.
Oker en donkergeel komen regelmatig voor, vooral op gezichten,
hoofddeksels en textielranden.

Hoewel de eerste indruk van dit beeld
— zeker wanneer men het na een drukker exemplaar bekijkt —
is dat het nauwelijks beschilderd is en een vrijwel egale toon heeft,
laat nauwkeurige observatie iets anders zien.
De combinatie van klei‑kleur en subtiele pigmentresten
wijst in de richting dat dit beeld oorspronkelijk
een complex, meerkleurig schema had,
waarin vorm en beschildering elkaar versterkten.


DSC06059 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200
Figura de Nayarit, late preclassic, 1250 BC – AD 200.
DSC06059 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtFiguraDeNayaritLatePreclassic1250bc-ad200

Als een monument

Figuur drie staat als een monument:
opgericht, massief, bijna architectonisch in zijn aanwezigheid.
De figuur is niet zittend of gebogen zoals bij de vorige beelden,
maar vormt een zuil waarin hoofd, romp, armen en benen
in één doorlopende massa zijn opgenomen.
De schouders zijn hoekig, met scherpe overgangen
die het beeld een blokvormige, bijna constructieve uitstraling geven.

De armen zijn opvallend iel en lang, veel dunner dan de massieve romp.
Ze hangen strak langs het lichaam en eindigen in klauwachtige handen:
de vingers zijn kort, grof en licht gebogen,
waardoor de hand geen anatomische articulatie heeft
maar eerder een gestileerde grijpvorm.
Deze disproportie tussen de slanke armen en de zware romp
versterkt het sculpturale, bijna monumentale karakter van het beeld.

Het hoofd is opvallend:
de bovenkant is ingedeukt, alsof de schedel licht is ingezakt
of bewust is afgeplat.
Rondom loopt een duidelijke haarlijn, een smalle rand die het gezicht
scherp afbakent van de bovenkant van het hoofd.
In vergelijking met de andere beelden in dit bericht
is de neus kleiner en minder dominant,
terwijl ogen, oren en mond juist groot en uitgesproken zijn.
Daardoor krijgt het gezicht een bijna maskerachtige intensiteit,
met sterke accenten op de openingen en perforaties.

De ogen zijn sculpturaal bijzonder:
in een ovale ruimte, gevormd door keramieke oogleden,
liggen kleine bolletjes klei die de pupillen voorstellen.
Deze verhoogde pupillen liggen zichtbaar op het oppervlak van het oog,
waardoor een gelaagd, plastisch effect ontstaat.
De combinatie van de ovale uitsparing, de duidelijke oogleden
en de opgelegde pupillen
geeft de ogen een sterk gestileerde, bijna emblematische vorm
— minder anatomisch, meer maskerachtig.

De oren zijn groot en hoekig, met forse openingen in de oorlel
(denk aan Boeddhabeelden),
waardoor het oor een element wordt dat duidelijk bedoeld is
om iets los doorheen te steken
— een koord met veren, een ring, een los sieraad.

Ook de neusgaten zijn duidelijk ingeboorde perforaties,
diep en rond, wat opnieuw wijst op een sculpturale logica
waarin het lichaam wordt geperforeerd, doorboord, opengewerkt.

De mond is uitzonderlijk.
De tanden zijn bijzonder scherp en regelmatig,
wat de mond een sterk gestileerde, bijna geometrische uitstraling geeft.
Alsof de maker de mond eerder als een maskeropening heeft gedacht
dan als een anatomische mond.

In beide schouders, bijna als oksels,
bevinden zich bewust aangebrachte perforaties.
De bovenkanten liggen min of meer op gelijke hoogte,
zodat ophangen, bevestigen of dragen mogelijk was
en het beeld recht en monumentaal kon worden gepresenteerd.
De plaatsing van de gaten is te doelgericht om toevallig te zijn:
ze maken deel uit van de sculpturale logica van het object.

De klei van het hele beeld is grotendeels egaal van kleur,
maar er zijn donkerblauwe pigmentresten zichtbaar
die sporadisch beginnen boven de armen
en onder de armen een meer aaneengesloten zone vormen.
Deze donkere partijen volgen de centrale verticale as van het beeld
en benadrukken de monumentale, opgerichte aanwezigheid van de figuur.

De benen zijn kort en stevig,
nauwelijks als afzonderlijke volumes gemodelleerd, maar duidelijk aanwezig.
Ze sluiten direct aan op de romp en vormen samen
een compacte, massieve basis waarop het beeld rust.
Hierdoor staat de figuur als een blok, stevig en onverzettelijk,
alsof het eerder een monoliet is dan een anatomisch lichaam.

In zijn geheel maakt het beeld de indruk van een opgericht monument:
hoekig, zwaar, doorboord, met een gezicht
dat eerder maskerachtig dan menselijk is.
De combinatie van perforaties, de gestileerde tanden, de opgelegde pupillen,
de donkerblauwe verkleuringen en de ingedeukte bovenkant
geeft het beeld een functie die verder gaat dan representatie
— het lijkt een object dat kon worden opgehangen of gedragen,
en dat in zijn presentatie een duidelijke monumentaliteit moest uitdragen.

Afronding

Samen laten de drie beelden zien hoe binnen één cultuur
vormen kunnen verschillen en toch verwant blijven.

Elk beeld heeft zijn eigen logica, zijn eigen manier van aanwezig zijn,
maar ze delen een sculpturale taal
waarin ogen, neus, oren en mond
door hun perforaties sterker spreken dan anatomie.

Beschilderd, verbaasd, doorboord, opgericht:
ze tonen hoe expressie kan verschuiven van vorm naar opening,
van lichaam naar doorboring.

Ze vormen geen novelle, roman of bijbelboek
— eerder een reeks ontmoetingen waarin kijken het verhaal maakt.
En zo laat kijken, vergelijken en opnieuw kijken telkens iets anders zien.

Gestolde Aanwezigheid

– over een vrouwelijke figuur uit Veracruz –

DSC06055 01 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtGranFiguraFemeninaDelPreclasicoMedioDeVeracruz1250AC-200DC
Mexico, Oaxaca, Museum of Mexican Prehispanic Art, Gran figura femenina del preclasico medio de Veracruz, 1250 A.C. – 200 D.C.
DSC06055 02 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtGranFiguraFemeninaDelPreclasicoMedioDeVeracruz1250AC-200DC
DSC06055 03 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtGranFiguraFemeninaDelPreclasicoMedioDeVeracruz1250AC-200DC
DSC06055 04 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtGranFiguraFemeninaDelPreclasicoMedioDeVeracruz1250AC-200DC

Grote, zittende vrouw

In het Museum of Mexican Prehispanic Art
staat deze grote vrouwelijke figuur uit het Preklassieke Veracruz
als een geconcentreerde aanwezigheid, bijna meer ritueel dan mens.

Haar houding is streng frontaal, alsof het lichaam in een vaste as is gezet.
Bovenop die stille verticaliteit ligt een bekroning van banen en noppen,
meer architectonisch dan lichamelijk —
een vorm die het begin markeert van een ritueel hoofd.

Langs haar bovenarmen liggen afgeronde rechthoekige zones,
licht verdiept in het oppervlak en gemarkeerd met een donkere kleur.
In die panelen staan — of steken door — kleine noppen, zes,
waarschijnlijk acht, elk met een inboring
alsof ze één voor één zijn aangebracht.
Het zijn geen sieraden die op de schouders rusten,
maar rituele markeringen die als symbolische velden
tegen het lichaam zijn geplaatst,
zones waar het oppervlak wordt onderbroken en geaccentueerd.

In de buik is een rond gat aangebracht, op de plaats van de navel,
vermoedelijk met rituele of technische functie.

De ledematen lijken op het eerste gezicht onaf
— stompjes met kleine gaten en ingekraste lijnen —
maar juist die reductie maakt duidelijk
dat ze niet bedoeld zijn om te handelen of te bewegen.
Ze fixeren de figuur in een toestand van rituele stilte.

Het gezicht is opgebouwd uit volumes en indrukken:
de ogen bestaan uit drie kleine gaten naast elkaar,
waarvan de randen met klei zijn opgeduwd,
zodat een bolle bovenrand, een scherp ingesneden onderrand
en een smalle, schaduwrijke spleet ontstaan.

De neus is spits en draagt een neussieraad
dat de verticale as van het gezicht benadrukt.

De mond toont een vergelijkbare techniek als de ogen:
direct achter de lip liggen kleine inkepingen,
sommige donker gepigmenteerd, andere vrijwel ongekleurd,
waardoor een ritmisch patroon van licht en schaduw ontstaat
dat de suggestie van tanden wekt.
Rond de mond zijn moderne krassen zichtbaar
die niets met de oorspronkelijke modellering te maken hebben.

Ogen, neus en mond samen vormen een ingekeerde expressie,
waar het rituele hoofd zijn volle intensiteit krijgt.
Een gezicht dat niet naar buiten spreekt maar naar binnen is gericht.

Alles aan deze figuur suggereert een gestolde staat van concentratie:
een lichaam dat niet spreekt maar bewaart.

Het museum noemt stilistische analogieën
met de latere Huasteekse traditie.
Die vergelijking zegt minder over afkomst dan over functie:
beide tradities gebruiken zittende, ingekeerde figuren
als rituele tegenwoordigheid in kleine, lokale contexten.

Ook dit beeld lijkt te hebben gefungeerd
als ingekeerde tegenwoordigheid in een lokale rituele praktijk —
mogelijk binnen beschermingsrituelen, rituelen rond vruchtbaarheid
of voorspoed, momenten van rituele stilte of meditatieachtige handelingen,
of als drager van voorouderlijke aanwezigheid.

Wanneer je van het beeld opkijkt en zoekt naar een bredere context,
blijkt dat deze figuur geworteld is in een Preklassiek beeldlandschap
dat langs de oostkust van Mexico tot ontwikkeling kwam:

Traditie

In het gebied langs de oostkust van Mexico
— vooral in de huidige staten Veracruz, Tamaulipas
en delen van San Luis Potosí —
ontstond in de Preklassieke periode een beeldtraditie
waarin zittende vrouwelijke figuren een opvallende rol spelen.

Deze regio vormt een eigen vroeg‑Meso‑Amerikaans kunstlandschap,
anders dan bijvoorbeeld Oaxaca in het zuiden
of West‑Mexico (Colima, Jalisco, Nayarit).

De zitbeelden uit de oostkust zijn geen portretten
maar gestolde rituele figuren, gemaakt om een toestand van concentratie,
bescherming of aanwezigheid te belichamen.
De zittende houding
— knieën opgetrokken, armen tegen het lichaam, romp frontaal —
verankert het lichaam en sluit elke suggestie van beweging uit.

Vrouwelijke figuren dragen in deze context vaak de last van symboliek:
zij vertegenwoordigen vruchtbaarheid, continuïteit, de aarde,
maar evenzeer de stilte van het ritueel,
het moment waarop het lichaam niet handelt maar ontvangt.

Hun ornamenten markeren zones van kracht;
hun ledematen worden bewust gereduceerd;
hun gezichten tonen geen expressie maar een innerlijke spanning.
In zulke beelden wordt het vrouwelijke lichaam
niet als individu weergegeven,
maar als drager van een rituele staat,
een vorm die de gemeenschap moest begeleiden, beschermen of bezweren.

DSC06055 05 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtGranFiguraFemeninaDelPreclasicoMedioDeVeracruz1250AC-200DC
DSC06055 06 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtGranFiguraFemeninaDelPreclasicoMedioDeVeracruz1250AC-200DC
DSC06055 07 MexicoOaxacaMuseumOfMexicanPrehispanicArtGranFiguraFemeninaDelPreclasicoMedioDeVeracruz1250AC-200DC

India 24/25: Varanasi, dag 3 – Archaeological Museum Sarnath 09

– over zandsteen waarin tijd en aandacht samen zijn achtergebleven –

In dit bericht laat ik een laatste reeks reliëfs zien
uit het Archaeological Museum Sarnath.
Het zijn fragmenten uit verschillende panelen
— sommige zacht en verzonken, andere scherp en energiek —
maar allemaal geworteld in dezelfde laat‑Gupta traditie.

Samen geven ze een indruk van de rijkdom van Sarnath:
van devotie en bescherming tot strijd, beweging en verstilling.

DSC01773IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathLifeScenesOfBuddha6thCenturyCESandstoneAccNo262
India, Varanasi, Archaeological Museum Sarnath, Life scenes of Buddha, 6th century CE, sandstone. Acc. No. 262.
DSC01775IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathLifeScenesOfBuddha6thCenturyCESandstoneAccNo262 PanelDepictingFourImportantEventsOfBuddha'sLife

Vier heilige momenten in steen

In het Sarnath‑museum staat een hooggerekt reliëf
dat de levensweg van de Boeddha samenvat
als een verticale pelgrimage.
Van onder naar boven ontvouwt zich de cyclus
van geboorte, verlichting, leer en bevrijding:
Lumbinī, Bodhgayā, Sarnath en Kuśinagara.

De stupa‑vorm waarin deze scènes zijn gevat, maakt van het beeld
een miniatuurwereld van de dharma:
de Boeddha verschijnt, ontwaakt, onderwijst en verdwijnt
— maar zijn leer blijft als een stille as door alle lagen heen.

Stijl en herkomst

Het reliëf past duidelijk binnen de laat‑Gupta traditie
die in Sarnath zo herkenbaar is:
zachte, bijna vloeibare contouren, een serene gelaatsuitdrukking
en een voorkeur voor slanke, licht geabstraheerde proporties.
Het atelier in Sarnath stond bekend om zijn verfijnde zandsteenwerk,
waarbij de beeldhouwers de scènes
niet dramatisch maar contemplatief vormgaven
— alsof elke figuur een echo is van innerlijke rust.

De verticale ordening van de vier heilige plaatsen verraadt bovendien
een didactische bedoeling:
het paneel fungeerde waarschijnlijk als devotioneel object,
bedoeld om pelgrims te herinneren
aan de geografische én spirituele route die de Boeddha heeft afgelegd.

DSC01780IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathKirtimukha5thCenturyCESandstoneAccNo664
Kirtimukha, 5th century CE, sandstone. Acc. No. 664.
DSC01781IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathKirtimukha5thCenturyCESandstoneAccNo664

Kīrtimukha met opvliegende ganzen

Deze late Gupta‑steen uit Sarnath (5e eeuw) toont het mythische gezicht
dat als beschermend motief boven tempelpoorten en nissen werd geplaatst.
De Kīrtimukha — letterlijk “gezicht van glorie” —
lijkt te ontstaan uit ranken en wolkvormen, alsof hij zelf uit de steen groeit.
Aan weerszijden stijgen twee ganzen op,
symbolen van zuiverheid en spirituele vlucht;
de linker draagt een tak, een subtiele verwijzing naar leven en wedergeboorte.
De combinatie van dier en demonisch‑plantaardig ornament
is typisch voor Sarnath:
het decor is niet dreigend maar ritmisch,
bijna muzikaal, een spel van symmetrie en adem.

De poortwachter van de leegte

De Kīrtimukha ontstond volgens de mythe uit de woede van Śiva,
maar werd door zijn berouw tot een symbool van zelfoverwinning.
In de tempelarchitectuur bewaakt hij de grens tussen het wereldse
en het sacrale: zijn open mond verslindt alles wat nadert,
zodat enkel het zuivere de heilige ruimte kan betreden.
Wat ooit een demonisch gezicht was,
werd zo een beeld van transformatie
— een herinnering dat de weg naar inzicht begint
met het loslaten van eigen begeerte.
In Sarnath krijgt dit motief een zachte, bijna vegetale vorm,
alsof de steen zelf ademt en de poort niet bedreigt maar uitnodigt.

DSC01783 01 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathAssassinationOfDemonAndhakByShiva12thCenturyCESandstoneAccNo39
Assassination of demon Andhak by Shiva, 12th century CE, sandstone. Acc. No. 39.
DSC01783 02 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathAssassinationOfDemonAndhakByShiva12thCenturyCESandstoneAccNo39 Hands
Shiva met baard en drietand valt Andhak aan.
DSC01783 03 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathAssassinationOfDemonAndhakByShiva12thCenturyCESandstoneAccNo39 Hands
Tegelijk vertrapt Shiva een demon.
DSC01783 04 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathAssassinationOfDemonAndhakByShiva12thCenturyCESandstoneAccNo39 Hands
Zo telde ik de armen/handen. Ik kom tot acht.
DSC01785IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathAssassinationOfDemonAndhakByShiva12thCenturyCESandstoneAccNo39 Txt
Deze zaaltekst heeft het over 10 armen maar ik kan die niet alle tien vinden.

Shiva in strijd met Andhaka

Het reliëf toont een baardige Shiva in een krachtige,
bijna spiraalvormige houding.
Zijn lichaam draait licht naar links, terwijl zijn blik omhoog gericht is
naar de demon Andhaka, die hij met zijn drietand doorboort.
Rond zijn torso waaieren acht armen uit, elk met een wapen of attribuut:
boog, knots, trident, schaal, en andere rituele voorwerpen.
De compositie is dicht en energiek
— de armen vormen een ritmische kring rond het gelaat,
dat ondanks de woede een zekere concentratie behoudt.
Onder Shiva’s opgeheven been kronkelt een verslagen demon,
symbool van het kwaad dat onder de voet wordt gehouden.
De beitelsporen verraden dat het werk onvoltooid bleef,
maar juist daardoor blijft de beweging voelbaar:
het is alsof de steen nog trilt van de strijd.

De symboliek van de strijd

De mythe vertelt hoe Andhaka, een demon geboren uit blind verlangen,
Shiva’s echtgenote Pārvatī begeerde
en daarmee de orde van de wereld verstoorde.
Shiva trad hem tegemoet in een kosmische strijd
waarin elke druppel bloed van Andhaka nieuwe demonen voortbracht;
daarom moest Shiva hem met de drietand doorboren
en tegelijk het bloed opvangen,
zodat het kwaad zich niet kon vermenigvuldigen.
In het reliëf zie je die spanning: de blik omhoog,
de armen die als een kring van macht om het lichaam staan,
de demon onder de voet die het overwonnen verlangen belichaamt.
Het is een beeld van innerlijke strijd evenzeer als van goddelijke kracht
— de overwinning op Andhaka is uiteindelijk de overwinning
op het eigen verblindende ego.

Vreedzaamheid en geweld: een vergeten spanning

Voor veel westerse bezoekers botst dit reliëf
met het idee dat Oosterse religies
vooral zacht, sereen en meditatief zouden zijn.
Maar in werkelijkheid lopen geweld en devotie in India vaak door elkaar:
goden strijden, demonen worden onderworpen,
kosmische orde wordt hersteld door middel van vernietiging.
Het is geen gratuit geweld, maar een symbolische taal
waarin innerlijke conflicten, begeerte en verblinding worden verbeeld.
Shiva’s strijd met Andhaka laat zien dat spirituele tradities
niet alleen rust en inzicht tonen,
maar ook de rauwe energie die nodig is om het kwaad
— zowel buiten als binnen de mens — te doorbreken.
Juist die combinatie van contemplatie en agressie
maakt dit Sarnath‑reliëf zo indringend:
het is een spirituele wereld waarin sereniteit niet bestaat zonder strijd.

DSC01786IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathRiderOnLeogryph5thCenturyCESandstoneAccNo244
Rider on leogryph, 5th century CE, sandstone. Acc. No. 244.
DSC01788IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathRiderOnLeogryph5thCenturyCESandstoneAccNo249
Rider on leogryph, 5th century CE, sandstone. Acc. No. 249.

Twee leogryph‑ruiters, twee karakters

In het Sarnath‑museum staan twee reliëfs uit de 5e eeuw
die een ruiter op een leogryph tonen
— een mythisch dier dat de kracht van de leeuw
en de snelheid van het paard verenigt.

Ondanks het gedeelde motief hebben de panelen een heel eigen uitstraling.

Acc. 244 is dof en sterk afgesleten:
de zandsteen heeft een matte huid gekregen, de contouren zijn verzacht
en het geheel lijkt door tijd en aanraking gepolijst.

Acc. 249 is minder intact maar opvallend glanzend;
de breuklijnen zijn scherper, de steen vangt het licht
en de resterende vormen hebben een bijna metalen helderheid.

In beide reliëfs is de compositie gebogen
binnen een architectonische omlijsting,
wat suggereert dat ze ooit deel uitmaakten van een tempelbasis of poort.
Zo tonen ze dezelfde iconografie,
maar belichamen ze twee verschillende manieren
waarop tijd, slijtage en fragmentatie een beeld kunnen vormen
— één verzonken en zacht, één scherp en fragmentarisch aanwezig.

Waarom Sarnath‑zandsteen zo ongelijk veroudert

De verschillen tussen de twee leogryph‑panelen zijn niet uitzonderlijk:
Sarnath‑zandsteen staat bekend om zijn ongelijke veroudering.
Het materiaal is relatief zacht en reageert sterk op variaties in
vocht, temperatuur en blootstelling.
Sommige stukken worden door eeuwenlange aanraking
en luchtcirculatie mat en zijdeachtig,
terwijl andere fragmenten juist glans krijgen doordat de steen dichter,
harder of minder poreus is in bepaalde lagen.
Breuklijnen kunnen bovendien nieuwe, heldere vlakken openen
die het licht anders vangen dan het oorspronkelijke oppervlak.
Zo ontstaat een soort geologische biografie:
elk reliëf draagt de sporen van zijn eigen geschiedenis,
van waar het lag, hoe het werd gevonden,
en welke delen van de steen de tijd beter of slechter hebben doorstaan.

Symboliek en context

De leogryph fungeert vaak als drager van goddelijke of heroïsche figuren,
een hybride wezen dat de kracht van de leeuw
en de snelheid van het paard verenigt.
In Sarnath kan hij ook verwijzen naar de bewakers van de dharma
— wezens die de heilige ruimte beschermen tegen chaos.
De ruiter zelf blijft anoniem,
maar zijn houding en greep suggereren
beheersing van de oerkracht onder hem.
Zo wordt het beeld een allegorie van spirituele controle:
de mens die de instinctieve energie van het dier temt
zonder haar te vernietigen.

IMG_3530 01 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathPreachingBuddha5thCenturyCESandstoneAccNo340
Preaching Buddha, 5th century CE, sandstone. Acc. No. 340.
IMG_3530 02 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathPreachingBuddha5thCenturyCESandstoneAccNo340
IMG_3530 03 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathPreachingBuddha5thCenturyCESandstoneAccNo340
IMG_3530 04 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathPreachingBuddha5thCenturyCESandstoneAccNo340

Preaching Buddha

De Boeddha zit in de houding van het onderwijzen,
met beide handen voor de borst in de Dharmachakra‑mudrā,
het “in beweging zetten van het wiel van de leer”.
De gelaatstrekken zijn volmaakt symmetrisch en zacht,
de ogen halfgesloten in innerlijke concentratie.
Achter hem ontvouwt zich een rijk versierde aureool met florale motieven
en twee hemelse figuren die bloemen strooien
— een visuele echo van de eerste prediking in Sarnath.

Langs de zijkanten zie je gevleugelde dieren en wolkvormen,
symbolen van spirituele verheffing.
En onderaan, in de basis, bevindt zich een kleine scène
die vaak over het hoofd wordt gezien:
figuren rond een centraal object.
Dat detail verwijst waarschijnlijk naar de eerste discipelen
die de leer ontvingen in het hertenpark van Sarnath.

Een stille kern van beweging

Wat dit beeld zo bijzonder maakt, is de spanning
tussen absolute rust en innerlijke dynamiek.
De Boeddha zit onbeweeglijk, maar alles om hem heen
— aureool, wolken, dieren, leerlingen — beweegt.
De steen lijkt zelf te ademen.
In die zin is dit reliëf het tegenbeeld van de gewelddadige Shiva‑scène
die hierboven passeerde:
hier wordt de strijd niet buiten, maar binnenin gevoerd,
en de overwinning is stilte.

De basis: de eerste prediking in het hertenpark

In de nis onderaan het reliëf bevindt zich een compacte scène
met zes, mogelijk zeven figuren rond een centraal object
dat van opzij als een Dharmachakra te herkennen is.
Door beschadiging is de precieze vorm van één figuur links
niet meer te bepalen, maar de overige personen zijn duidelijk zichtbaar.
Voor deze groep zitten twee herten, beschadigd
maar nog goed herkenbaar in contour: de gebogen rug, de fijne snuit,
de aandachtige houding.
Ze richten hun kop naar het wiel.
De nis wordt links en rechts begrensd door gemodelleerde pilaren,
waardoor deze scène als een miniatuur‑heiligdom
binnen het grotere reliëf verschijnt.

Aantallen, symmetrie en historische verwijzing

Historisch verwijst deze scène naar de eerste prediking in het hertenpark,
waar de Boeddha zijn leer deelde met vijf discipelen
— een getal dat in de canonieke overlevering vastligt.
In dit reliëf zien we echter zes of misschien zeven figuren.
Dat verschil komt vaker voor in Sarnath‑kunst:
beeldhouwers kozen geregeld voor compositorische balans
boven strikte narratieve juistheid.
Extra figuren versterken de visuele harmonie
of breiden de kring van luisterenden symbolisch uit.
Door slijtage is niet te bepalen of de beschadigde vorm links
een zevende persoon was of een decoratief element,
maar de opzet blijft duidelijk:
een centrale leer, omringd door aandachtige wezens — mens en dier —
in een ritmische, zorgvuldig geordende scène.

Het hert als symbool in de boeddhistische kunst

Het hert is een van de oudste en meest constante symbolen
in de boeddhistische beeldtraditie.
In vrijwel alle scholen verwijst het naar het Hertenpark van Sarnath,
waar Boeddha zijn eerste leerrede gaf.
Die associatie blijft door de eeuwen heen herkenbaar,
maar de manier waarop herten worden afgebeeld
verschilt per periode en regio.

In vroege Indiase kunst staan ze dicht bij het Dharmachakra
en hebben ze een rustige, luisterende houding.
In de Tibetaanse en Nepalese tradities worden herten
vaak sierlijker en expressiever, soms met langere poten
en een meer gestileerde kop.
In de Chinese kunst krijgt het hert soms een extra laag van symboliek
als teken van lang leven en voorspoed.

Ondanks die variaties blijft de kern hetzelfde:
het hert markeert het moment waarop de leer van Boeddha
de wereld binnentreedt,
en staat voor aandacht, vrede en ontvankelijkheid — een dier dat luistert.

Afronding

Samen laten deze reliëfs zien hoe veelzijdig de beeldtraditie van Sarnath is.
Strijd en rust, bescherming en devotie, ornament en symboliek:
het bestaat hier naast elkaar zonder te botsen.
De zandsteen draagt de tijd, maar ook de aandacht
waarmee deze beelden ooit zijn gemaakt.
Zo blijft Sarnath een plaats waar de dharma niet alleen wordt verteld,
maar ook zichtbaar is — in elke houding, elke lijn, elke stilte.


Mensbeelden uit Jalisco

– over massa, beweging en het denken in klei –

Het was een zonovergoten dag in Oaxaca.
Het museum is een heel mooi, eenvoudig gebouw met rond een patio
de tentoonstellingsruimtes.
Elk met een eigen kleur als een soort thema.
De werken staan of hangen in speciale vitrines in de muur.
Soms staan de werken op zich zelf, midden op de vloer of tegen de wand.
Het is er rustig als ik er ben.
Je kunt goed rondlopen, terugkeren naar een vitrine om een indruk te toetsen,
de tuin is warm, maar de ruimtes zijn heel comfortabel.

Dat de hele wereld dag in dag uit naar Mexico, de VS en Canada zal kijken
om geen minuut te missen van het voetbal,
daar merk je in het museum nog helemaal niets van.
Hoewel, ik maakte van twee beeldjes foto’s.
Een er van heeft zeker te maken met sport.
Anders dan voetbal, maar waarschijnlijk heel populair in hun tijd.

DSC06043 01 MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraFemeninaJaliscoPreclassicoTardio1250aC-200dC
Mexico, Oaxaca, Museum of Mexican Prehispanic Art, Figura femenina, Jalisco, preclassico tardio, 1250 a.C. – 200 d. C. Vrouwfiguur gevonden in Jalisco.
DSC06043 02 MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraFemeninaJaliscoPreclassicoTardio1250aC-200dC
DSC06043 03 MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraFemeninaJaliscoPreclassicoTardio1250aC-200dC

Een vinger is een teen is een uitsteeksel

Deze gedrongen figuur lijkt uit één compacte massa geboetseerd,
met een nadruk op volume eerder dan op anatomie.
De armen sluiten dicht aan tegen het lichaam,
de schouders zijn bezet met kleine bultjes
die als een korrelige huid of een rituele bekleding kunnen worden gelezen.
Handen en voeten zijn bijna identiek gevormd
— brede uiteinden met ingesneden lijnen
die vingers en tenen slechts suggereren.

Alles wijst op een maker die meer dacht dan keek:
de vormen volgen een innerlijke logica, niet de waarneming.
Het lichaam is niet geobserveerd maar geconstrueerd,
als een idee van menselijkheid dat in klei wordt vastgelegd.

De ruwe betonnen achtergrond van de vitrine versterkt dat effect:
beide delen dezelfde aardse stilte,
alsof het beeldje nog steeds in zijn eigen wereld van grond en ritueel staat.


DSC06044 01 MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraMasculinaJugadorDePelotaJaliscoPreclassicoTardio1250aC-200dC
Figura masculina, jugador de pelota, Jalisco, preclassico tardio, 1250 a.C. – 200 d.C. Mannelijke balspeler.
DSC06044 02 MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraMasculinaJugadorDePelotaJaliscoPreclassicoTardio1250aC-200dC
DSC06044 03 MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraMasculinaJugadorDePelotaJaliscoPreclassicoTardio1250aC-200dC
DSC06044 04 MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraMasculinaJugadorDePelotaJaliscoPreclassicoTardio1250aC-200dC
DSC06044 05 MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraMasculinaJugadorDePelotaJaliscoPreclassicoTardio1250aC-200dC

Pelota

De speler staat in een compacte, bijna hoekige houding,
met de bal als verlengstuk van zijn lichaam.
Zijn gezicht is een masker: streng, geometrisch, met smalle ogen
en een scherpe neus die de expressie tot een teken reduceert.
Het lichaam lijkt gehuld in een glad oppervlak
dat aan een sportshirt doet denken,
maar de handen en voeten volgen elk hun eigen logica
— platgedrukte bolletjes als vingers, tegenover voeten met volume en gewicht.

De maker heeft niet gekeken, maar gedacht:
hij boetseerde volgens een innerlijk schema
waarin de mens een symbool wordt van kracht en ritueel.
Zelfs de bal, ruw en onregelmatig, lijkt meer idee dan object
— een echo van het spel dat hier niet wordt gespeeld maar herinnerd.

Twee figuren, één vitrine — twee manieren om een mens te denken

Hoewel beide beeldjes uit Jalisco komen en naast elkaar
in dezelfde vitrine staan, lijken ze bijna uit verschillende werelden.

De vrouwelijke figuur is compact en gesloten,
een gedrongen lichaam dat als een blok aarde staat
— stil, massief, haast architectonisch.

De pelota‑speler daarentegen is beweeglijk:
zijn linkerarm buigt soepel, zijn romp lijkt licht te kantelen,
en zelfs zijn maskerachtige gezicht draagt een spanning die op actie wijst.

Het is alsof de ene maker in massa en rust dacht,
en de andere in lijn en beweging.
Twee kunstenaars, twee mentale modellen van menselijkheid:
een aanwezigheid of een gebaar.

Samen tonen ze hoe binnen één regio en één periode
de menselijke figuur niet één stijl volgde,
maar een hele waaier aan interpretaties
— van het statische tot het dynamische, van het aardse tot het rituele.

Afsluiting

Of de bal goedgekeurd zou worden door de FIFA betwijfel ik.
Maar deze beeldjes hebben geen erkenning nodig
— zeker niet van een corrupte organisatie.


India 24/25: Varanasi, dag 3 – Archaeological Museum Sarnath 07

– over wat je ziet als je even niet naar het kapiteel kijkt –

De collectie van het Archaeological Museum Sarnath is veelomvattend:
Met één wereldberoemd object en heel veel andere vondsten.
In het centrum staat de pilaar van Ashoka met het leeuwenkapiteel.
Maar daaromheen, letterlijk, opent zich een hele wereld.
Dit bericht toont twee van die andere objecten.

DSC01768 01 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathInscriptionOfKumardevi12thCentCESandstoneAccNo33
India, Varanasi, Archaeological Museum Sarnath, Inscription of Kumardevi, 12th century CE, sandstone. Acc. No. 33.
DSC01770IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathInscriptionOfKumardevi12thCentCESandstoneAccNo33 Contents

CONTENTS OF KUMARDEVI’S INSCRIPTION

  1. This inscription was discovered in March 1908 in course of excavation conducted at Sarnath by Sir John Marshal and Sten Konow.
  2. Sten Konow deciphered this inscription and published it in Epigraphia Indica Vol‑IX in 1908.
  3. The inscription comprises of twenty‑six verses inscribed in Sanskrit in the character of Nagri script.
  4. The first two verses contain invocation of Goddess Vasudhara and the Moon.
  5. The eleven verses give the genealogy and dwell on the virtues of Kumaradevi, the Buddhist queen of Govindachandra (1114‑1154 A.D.) of Kanyakubja (Modern Kannauj).
  6. Verses fourteen to twenty mention the genealogy of the Gahadavala family of Govindachandra.
  7. The succeeding two verses specify that Kumaradevi built a vihara at Dharmachakra (Modern Sarnath) and that she caused a copper plate to be prepared in connection with the Teaching of the Lord of the wheel of law and then restored the image of Lord as it existed in the old days.
  8. The queen’s praise is sung in twenty‑fourth verse, while the last two verses inform that the inscription which is called Prashasti was composed by the poet Shrikunda & engraved by Vamana.
DSC01768 02 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathInscriptionOfKumardevi12thCentCESandstoneAccNo33 Detail
Detailopname van een willekeurige fragment van het nagri-schrift.

John Marshall en Sten Konow

De samenwerking tussen Sir John Marshall en Sten Konow
is een mooi voorbeeld van hoe archeologie
en filologie (de studie van taal, literatuur en cultuur,
met nadruk op historische ontwikkeling en tekstkritiek)
elkaar rond 1900 begonnen te versterken.
Marshall, de Britse directeur van de Archaeological Survey of India,
was verantwoordelijk voor het professionaliseren
van archeologisch onderzoek en voor grote opgravingen zoals die in Sarnath.
Konow daarentegen was een Noorse indoloog en epigraaf,
gespecialiseerd in oude Indiase talen en inscripties.
Dat een Noor zo’n centrale rol speelde in de studie van Indiase epigrafie
is inderdaad bijzonder:
het laat zien hoe internationaal de belangstelling
voor het subcontinent toen al was,
en hoe Europese geleerden zich toelegden
op het ontcijferen van teksten die cruciaal waren
voor het begrijpen van India’s religieuze en politieke geschiedenis.
Marshall bracht de inscripties aan het licht;
Konow gaf ze een stem door ze te lezen, te vertalen en te interpreteren
— een samenwerking die de studie van Sarnath blijvend heeft gevormd.

Epigraphia Indica: betekenis, doel en huidig bestaan

Epigraphia Indica, opgericht in 1892,
was het officiële tijdschrift van de Archaeological Survey of India
en groeide uit tot het belangrijkste platform
voor de publicatie en analyse van inscripties uit het Indiase subcontinent.
Het doel was helder: alle nieuwe epigrafische vondsten
systematisch documenteren, transcriberen, vertalen
en van context voorzien,
zodat ze toegankelijk werden voor onderzoekers wereldwijd.
Voor plaatsen als Sarnath, waar inscripties
vaak de enige directe historische stemmen zijn,
werd het tijdschrift een onmisbare bron.
Hoewel de frequentie van publicatie in de twintigste eeuw afnam,
bestaat Epigraphia Indica nog steeds als onderdeel van de ASI‑reeks
en blijft het een standaardreferentie voor epigrafen, historici en archeologen
die werken met primaire bronnen uit India’s verleden.

De inscriptie van Kumaradevi

De inscriptie van Kumaradevi, is een zeldzame bron
die ons rechtstreeks iets vertelt over Sarnath in de 12e eeuw.
Het is een tekst waarin een koningin uit een machtige Noord‑Indiase dynastie
– koningin Kumaradevi van de Gahadavala‑dynastie –
beschrijft hoe zij een nieuw klooster liet bouwen in Sarnath
en een koperen plaat liet maken ter ere van de boeddhistische leer.

Dat klinkt eenvoudig, maar het is historisch gezien bijzonder:
het laat zien dat Sarnath in deze periode
nog steeds actief werd ondersteund door koninklijke patronage,
op een moment dat veel boeddhistische centra in Noord‑India
onder druk stonden.
Dankzij deze inscriptie weten we dat Sarnath
toen nog een levendige, gerespecteerde plek was,
en dat het niet zomaar een ruïne was
die later door archeologen werd opgegraven.

Zonder deze tekst zouden we een belangrijk hoofdstuk
uit de geschiedenis van Sarnath missen.


DSC01766 01 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathRamgramStupa1stCentBCESandstoneAccNo527
Ramgram-stupa, 1st century BCE, sandstone. Acc. No. 527.
DSC01766 02 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathRamgramStupa1stCentBCESandstoneAccNo527 DetailLinks
DSC01766 03 IndiaVaranasiArchaeologicalMuseumSarnathRamgramStupa1stCentBCESandstoneAccNo527 DetailRechts

Een paneel met de Ramagrama‑stupa — geen stupa zelf

In het museum wordt een zandstenen fragment tentoongesteld
onder de naam “Ramgram Stupa”.
Dat is eigenlijk misleidend, want het object is niet de stupa zelf,
maar een decoratief paneel of deurpost
uit de vroege boeddhistische periode (rond de 1e eeuw v.Chr.).

Op het reliëf is een gestileerde voorstelling te zien
van de Ramagrama‑stupa in Nepal,
een van de acht oorspronkelijke stupa’s
waarin volgens de traditie de relieken van de Boeddha werden verdeeld.
Zulke voorstellingen dienden als herkenbare symbolen voor pelgrims:
een manier om een heilige plaats zichtbaar te maken,
zelfs wanneer die ver weg lag.

Hoe een stupa wordt verbeeld in vroege boeddhistische kunst

Het paneel laat prachtig zien hoe kunstenaars uit die tijd
een stupa in beeldtaal samenvatten:

De halve bol (anda)
De ronde koepel vormt het hart van de stupa: de plek waar de relieken rusten. Op het reliëf is deze halve bol duidelijk herkenbaar.

De omheining rond de bol (vedika)
Rond de koepel staat een lage balustrade. Die markeert de heilige ruimte en verwijst naar de rituele ommegang (pradakshina) van pelgrims.

De parasol bovenop de stupa (chatra)
Boven op de bol staat een parasol, het klassieke symbool van koninklijke bescherming en spirituele verheffing.

De tweede omheining rond de parasol
Ook de top van de stupa is omheind. Dat benadrukt dat de bovenste zone net zo heilig is als de basis.

Wapperende banieren (dhvaja)
Aan de parasol hangen banieren die naar buiten waaieren. Ze symboliseren devotie, rituele activiteit en de voortdurende aanwezigheid van de leer.

Samen vormen deze elementen een iconografische formule:
een herkenbare manier om een stupa af te beelden
— een visuele hommage die de heilige plek verbindt met Sarnath.

Naast de Ramagrama‑stupa zien we nog meer.

De naga‑paren op de stupa

Op de koepel zelf kronkelen drie paren naga‑achtige wezens:
telkens twee slangen met opgerichte halzen
en een fijn schubbenpatroon.
Ze zijn ritmisch over de bol verdeeld, alsof ze de stupa omringen en bewaken.
In vroege boeddhistische kunst zijn naga’s beschermers van relieken
en heilige plaatsen.
Hun aanwezigheid verwijst naar het verhaal
dat juist de Ramagrama‑stupa door naga’s werd bewaakt,
zodat haar relieken nooit werden verdeeld.
Door de naga’s in paren te tonen — een typisch Śuṅga‑motief —
benadrukt de kunstenaar de heiligheid en bescherming van de stupa:
niet één bewaker, maar een hele kring van mythische wezens
die de relieken behoeden.

Het naga-motief is uitzonderlijk specifiek
en vormt waarschijnlijk de belangrijkste reden om dit fragment
te identificeren als een voorstelling van de Ramagrama‑stupa,
de enige stupa die volgens de traditie door naga’s werd bewaakt.

De olifant en zijn berijder

Links van de stupa zie je een olifant met een figuur bovenop.
In vroege boeddhistische kunst is de olifant een beschermend
en koninklijk dier, vaak verbonden met processies, relieken en heilige reizen.
De berijder — een hemelse of menselijke begeleider —
versterkt dat beeld:
hij fungeert als bewaker van de stupa of als deel van een rituele stoet.
De combinatie van olifant en ruiter is typisch voor reliëfs uit de Śuṅga‑periode,
waarin dieren en menselijke figuren samen een sacraal landschap vormen.

De decoratieve rand

Rechts van de stupa loopt een rijk versierde verticale zone
met bloemmotieven, vlechtwerk en geometrische patronen.
Dit soort ornamenten zijn kenmerkend voor deurposten
en panelen uit dezelfde periode.
Ze markeren de overgang tussen de buitenwereld
en de heilige ruimte,
en geven het object een architectonische functie:
dit was geen los reliëf, maar onderdeel van een ingang, poort of heiligdom.

Samen met de stupa‑voorstelling maken deze elementen duidelijk
dat het fragment ooit deel uitmaakte van een rituele architectuur:
een plek waar pelgrims binnenkwamen,
waar heilige plaatsen werden verbeeld,
en waar dieren, mensen en symbolen samen
een sacraal landschap vormden.

Slotbeschouwing

Het is begrijpelijk dat het leeuwenkapiteel in Sarnath
zoveel aandacht krijgt.
Het staat centraal opgesteld, met ruimte, licht
en een duidelijke museale focus
— en terecht, want veel bezoekers komen er speciaal voor.
Maar juist die prominente plaats biedt een kans om ook andere,
minder bekende stukken zichtbaar te maken.
Objecten zoals de inscriptie van Kumaradevi
en het paneel met de Ramagrama‑stupa
vertellen samen het bredere verhaal van Sarnath:
de politieke patronage, de religieuze betekenis,
de mythische bescherming van relieken,
en de verfijnde beeldtaal van de vroege boeddhistische kunst.
Door die context te tonen,
groeit het begrip voor het belang van Sarnath als heilige plaats.
Het museum zou daarmee niet alleen het beroemde kapiteel eren,
maar ook de rijke wereld eromheen
— een wereld die in deze fragmenten nog altijd zichtbaar is.


Mexico was niet één cultuur: drie voorwerpen, drie tijdvakken

– over een tijdlijn van Preklassiek tot Postklassiek, verteld aan de hand van drie objecten –

Mexico was niet één cultuur

Mexico was in hun verre verleden geen één volk,
maar een gebied waar vele stammen en volken leefden,
elk met hun eigen talen, gewoonten en beeldtradities.
Sommige culturen bestonden tegelijk,
andere volgden elkaar op.
Zo ontstond een rijk en gelaagd geheel van stijlen en ideeën.

Olmeek — een van de vroegste grote culturen

Leefden vooral in Veracruz en Tabasco.
Herkenbaar aan compacte stenen beeldjes, amandelvormige ogen,
een brede mond en groene steensoorten zoals jade en serpentijn.

Zapoteek — de cultuur van Oaxaca

Ontstond later en bouwde steden zoals Monte Albán.
Had een eigen schrift en een duidelijk andere beeldtaal:
hoekiger, architectonischer, vaak verbonden met grafcontexten.

Azteek — een van de laatste grote pre‑Spaanse culturen

Veel later, in Centraal‑Mexico, met Mexico‑Stad als groot centrum.
Een machtig rijk met rijke symboliek en indrukwekkende steden
— dit is de cultuur die de Spanjaarden aantroffen in de 16e eeuw.

Tijdsindeling: Preklassiek, Klassiek en Postklassiek

Archeologen gebruiken deze tijdsindeling als een kapstok
om al die stammen, volken en hun culturen een plaats te geven.
Het is een raamwerk dat laat zien hoe culturen zich tot elkaar verhouden
en hoe ze zich door de tijd heen ontwikkelen.
Die indeling zegt dus niet dat alle culturen precies tegelijk begonnen
of eindigden,
maar helpt om stijlen, vondsten en beeldtradities
binnen één overzichtelijk geheel te plaatsen.

Preklassiek (ca. 1500 v.Chr.–250 n.Chr.)
De vroegste grote culturen.
Hier horen de Olmeeken bij.

Klassiek (ca. 250–900 n.Chr.)
De tijd van grote steden, monumentale architectuur en verfijnde beeldtradities.
Hier hoort o.a. Monte Albán bij, het centrum van de Zapoteekse cultuur.

Postklassiek (ca. 900–1521 n.Chr.)
Periode van nieuwe machtscentra en grote rijken.
Hier horen o.a. de Mixteken en de Azteken bij.

Binnen deze perioden gebruiken musea soms termen als
Vroeg‑, Midden‑ of Laat‑Preklassiek.
Dat zijn stijltermen binnen het grote tijdvak,
en ze leiden niet altijd tot een andere datering.
Ze helpen vooral om objecten te groeperen op basis van vormtaal en context.

Hoe dit aansluit op Olmeek, Zapoteek en Azteek

Olmeek → Preklassiek
Ca. 1500 v.Chr.–400 v.Chr.
Een van de vroegste grote culturen.

Zapoteek → Late Preklassiek tot Klassiek
Begint in het Late Preklassiek, bloeit in het Klassiek.
Monte Albán is vooral een Klassieke stad.

Azteek → Postklassiek
Ca. 1300–1521 n.Chr.
Een van de laatste grote pre‑Spaanse culturen.

Dit bericht

In dit bericht één object van elk van de drie culturen
die ik hierboven noemde en die in deze reis centraal stonden.
Ik reisde van Oaxaca naar Puebla en Mexico-Stad.

DSC06040MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtFiguraOlmecaVeracruzPreclasicoCa1500vC–250nCPiedraSerpentineOrJade
Mexico, Oaxaca, Museum of Mexican Prehispanic Art, Figura Olmeca, Veracruz, Preclasico, circa 1500 v. Chr. – 250 n. Chr., piedra, serpentine or jade.

Olmeek

Klein Olmeeks stenen beeldje uit Veracruz,
met een compact gemodelleerd lichaam
en een opvallend gestileerde weergave van handen en voeten.
Die gestileerde waargave vond ik juist zo mooi.
Het geeft het beeldje een ritme.
De horizontale lijnen over borst en onderlijf suggereren ledematen,
maar zijn zo geometrisch vormgegeven
dat het geheel een bijna moderne abstractie krijgt.
Het gelaat met amandelvormige ogen en brede mond sluit
aan bij de vroege Olmeekse beeldtraditie.
Dit type figuur wordt in het algemeen gedateerd
in de Preklassieke periode (ca. 1500 v.Chr.–250 n.Chr.)
en is vervaardigd uit serpentijn of jade‑achtig gesteente.

Dergelijke kleine stenen figuren
worden meestal geïnterpreteerd als rituele voorwerpen:

  • ze konden dienen als persoonlijke beschermfiguren,
  • als onderdeel van huisaltaren,
  • of als symbolische objecten die in de grond werden geplaatst
    tijdens bouw- of overgangsrituelen.

De compacte vorm en het duurzame materiaal
wijzen op een object dat bedoeld was
om te bewaren, te dragen of te gebruiken
binnen een kleine, besloten rituele context.


DSC06042MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtSoporteParaVasijaConCaraHumanaOaxaca PreklassiekePeriodeCa1500vC–250nC
Soporte para vasija con cara humana, Oaxaca, preklassieke periode, circa 1500 v. Chr. – 250 n. Chr.

Zapoteek

Deze keramische drager uit Oaxaca diende als steun
voor een ceremonieel vat, zoals gebruikt voor
offerings, aromatische stoffen of andere rituele handelingen.
Het gezicht op de sokkel is redelijk natuurlijk gemodelleerd
en daarna versierd met kleine perforaties in de haarzone
en inkervingen in oren en wangen,
waarbij vooral op de wangen een neiging tot geometrische ordening opvalt.
Het museum vermeldt geen datering bij de zaaltekst,
maar dit type keramische drager wordt in het algemeen gedateerd
in de Preklassieke periode (ca. 1500 v.Chr.–250 n.Chr.).


IMG_8152MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtXipeFertilityGodDressedWithTheSkinOfASacrifiedVictimPueblaFinalPeriodAD1100-1521
Xipe Tótec, fertility god dressed with the skin of a sacrified victim, Puebla, Final period (Postklassiek), AD 1100 – 1521.
IMG_8153MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtXipeFertilityGodDressedWithTheSkinOfASacrifiedVictimPueblaFinalPeriodAD1100-1521

Azteek

De figuur staat rechtop op een sokkel, met een open mond
en een expressieve houding die verwijst naar rituele spraak of zang.
Sporen van rode verf benadrukken de associatie
met bloed, leven en wedergeboorte
— centrale thema’s in de Azteekse religie.

Xipe Tótec wordt hier voorgesteld gekleed in de huid
van een geofferde, een ritueel symbool van vernieuwing.
Die tweede huid bedekt het hele lichaam, inclusief het gezicht:
de strakke vorm en de zichtbare randen suggereren
dat de god letterlijk een andere huid draagt.

Rond de ogen is een lichte verdikking te zien, een dubbele rand
die aangeeft dat ook daar de buitenste huid over het eigen gelaat ligt.
Het versterkt de indruk van een rituele omhulling,
waarin de god een tweede, symbolische huid draagt.

Op de borst bevindt zich een duidelijke onderbreking:
een rand of opening die verwijst naar de naad van de gedragen huid.
Zulke borstopeningen komen vaker voor in voorstellingen van Xipe Tótec
en maken zichtbaar dat dit niet het eigen lichaam is,
maar een rituele laag die over hem heen ligt.

Aan de neus zit een opvallend ornament,
mogelijk een neusplug of rituele versiering.
Dergelijke sieraden worden in Azteekse kunst geassocieerd
met adem, stem of levensadem
— een passend symbool voor een god
die de aarde opnieuw laat “ademen” na het offer.

Beelden van Xipe Tótec stonden in tempelruimten
en speelden een rol tijdens voorjaarsrituelen
rond vernieuwing van de aarde en de landbouw.
Tijdens het jaarlijkse feest Tlacaxipehualiztli werd de god vereerd
als brenger van nieuw gewas:
het ritueel van het dragen van een geofferde huid
verwees niet naar menselijke vruchtbaarheid,
maar naar de cyclus van zaaien, ontkiemen en oogsten.
Voor het beeld werden offers van maïs, bloemen
en brandende aromatische hars gebracht
— copal, een geurige boomhars die als reukoffer werd verbrand.
Zo fungeerde het als rituele tegenwoordigheid van de god,
een vaste plek waar gelovigen hun gebeden en gaven konden richten.

Afsluiting

Met deze drie objecten komt een brede waaier van tijd en plaats samen:

  • de Olmeek‑figuur uit het vroege eerste millennium,
  • de Zapoteek‑sokkel met hoofd uit Monte Albán
  • en het Postklassieke beeld van Xipe Tótec uit Puebla.

Elk draagt een eigen wereld van rituelen en betekenissen,
maar in dit bericht staan ze naast elkaar als stille getuigen
van hoe Meso‑Amerikaanse culturen vorm gaven
aan leven, dood en vernieuwing.
De stijlen verschillen, de materialen ook,
maar in alle drie klinkt dezelfde zoektocht naar orde en betekenis door.
Zo vormt dit drieluik een kleine, maar veelzeggende doorsnede
van een rijk en gelaagd verleden.


Verso – Een ridder in Vaud, een vorst in Saksen

– over twee achterkanten en twee politieke werelden –

De tentoonstelling Verso – Tales from the Other Side
was opgedeeld in secties. In de teksten wordt soms gesproken over ‘rooms’.
Met dit bericht zijn we aangekomen bij de vijfde sectie
waarin schilderijen aan bod kwamen waarop op de achterkant wapenschilden zijn te zien.
In dit bericht de eerste twee schilderijen.
Later volgen er nog een paar.

DSC05767 01 BazelKunstmuseumBaselVersoNiederländischerMeisterPortaitOfJacobOfSavoyCountOfRomontUm1475MischtechnikAufEichenholz
Bazel, Kunstmuseum Basel, Verso, Niederländischer Meister, Portait of Jacob of Savoy, Count of Romont, um 1475, mischtechnik auf eichenholz. Inv. 457.
DSC05767 02 BazelKunstmuseumBaselVersoNiederländischerMeisterPortaitOfJacobOfSavoyCountOfRomontUm1475MischtechnikAufEichenholz
DSC05766 01 BazelKunstmuseumBaselVersoNiederländischerMeisterPortaitOfJacobOfSavoyCountOfRomontUm1475MischtechnikAufEichenholz Verso
Verso, de andere kant van de afbeelding.
DSC05766 02 BazelKunstmuseumBaselVersoNiederländischerMeisterPortaitOfJacobOfSavoyCountOfRomontUm1475MischtechnikAufEichenholz Verso
DSC05766 03 BazelKunstmuseumBaselVersoNiederländischerMeisterPortaitOfJacobOfSavoyCountOfRomontUm1475MischtechnikAufEichenholz Verso

Niederländischer Meister

In de 15e eeuw vormden de Bourgondische hertogen een uitgestrekt rijk
dat zich uitstrekte van Dijon tot aan de Noordzee.
Het bestond uit twee delen:
het zuidelijke hertogdom Bourgondië in het huidige Frankrijk,
en de noordelijke Bourgondische Nederlanden
— Vlaanderen, Brabant, Holland, Zeeland en de omliggende gewesten.
Aan het hof van Karel de Stoute groeide deze noordelijke regio uit
tot een centrum van verfijnde schilderkunst,
met meesters als Rogier van der Weyden en Hans Memling.
Wanneer een museum in het Duits spreekt van een Niederländischer Meister,
bedoelt het daarom de schildertraditie van deze Bourgondische Nederlanden.
Het is een stilistische aanduiding:
een manier om een anonieme schilder te plaatsen
binnen de Vlaamse/Nederlandse hofkunst van de 15e eeuw,
zonder een specifieke naam of atelier te claimen.

Binnen dat Bourgondische netwerk bewoog Jacob II van Savoye zich
als bondgenoot van Karel de Stoute tussen Dijon, Brussel en de Vlaamse steden.
Zijn portret past precies in die wereld:
het is geschilderd in de verfijnde stijl die aan het Bourgondische hof tot bloei kwam,
met aandacht voor stofuitdrukking, sieraden en een beheerste,
bijna sculpturale weergave van het gezicht.
Omdat de maker onbekend is,
maar duidelijk tot deze Vlaamse‑Nederlandse hoftraditie behoort,
gebruikt het museum de brede term Niederländischer Meister.
Zo wordt het werk geplaatst in de schilderkunst van de Bourgondische Nederlanden,
zonder een specifieke meester of atelier te hoeven noemen.

Een korte biografische schets

Jacob II van Savoye (geboren 1450) was een jongere zoon
uit het machtige huis Savoye, een dynastie die haar invloed uitstrekte
over de Alpen en het gebied rond het Meer van Genève.
Als tiener kreeg hij het Pays de Vaud als apanage:
een samenhangende regio van steden, kastelen en landerijen
in het westen van het huidige Zwitserland,
met Romont als een van de centrale plaatsen.
Het was geen strak afgebakend territorium zoals moderne staten,
maar een herkenbare machtszone
waar de Savoyaardse hertog daadwerkelijk gezag uitoefende.
Voor Jacob betekende dit dat hij niet alleen een titel droeg,
maar een reëel gebied bestuurde
— met inkomsten, soldaten en een eigen regionale identiteit.

In de jaren 1470 sloot hij zich aan bij Karel de Stoute,
de Bourgondische hertog, en bewoog zich in de hoogste kringen van een hof
dat bekendstond om zijn ceremonie, pracht en verfijnde kunst.
Na Karels dood in 1477 bleef Jacob trouw aan diens erfgename
Maria van Bourgondië, wat hem in 1478 een plaats opleverde
in de Orde van het Gulden Vlies, het exclusieve riddergenootschap
van de Bourgondische elite.
Hij stierf enkele jaren later, vermoedelijk rond 1485/86,
waardoor zijn portret een zeldzaam venster vormt op een edelman
die zijn politieke en militaire rol binnen het Bourgondische netwerk
maar gedeeltelijk heeft kunnen vervullen.

Portret

Het portret dat Jacob rond 1475 toont, past precies in de Bourgondische hofcultuur.
Zijn blik is licht asymmetrisch, maar daar is geen historische aanwijzing voor:
geen enkele bron vermeldt een oogafwijking,
en Vlaamse meesters gebruikten subtiele variatie om een gezicht levendiger te maken.
Hij draagt een meerlagige ketting met kralen en een zware hanger
— geen officieel insigne zoals het Gulden Vlies,
maar een persoonlijk sieraad dat binnen hofportretten
minder gebruikelijk is dan formele orde‑tekens.
Daarnaast draagt hij een pinkring met een steen,
een subtiel teken van persoonlijke status.
Zijn handen liggen ongewoon laag in beeld, met de vingers over elkaar
— een ingetogen, bijna zuinige houding
die het portret een opvallende terughoudendheid geeft.

Wapenschild

Het familiewapen van Jacob II van Savoye
is een uitgesproken voorbeeld van laatmiddeleeuwse heraldiek
waarin macht en afkomst visueel samenvallen.
In het midden staat het Savoyaardse kruis — wit op rood —
omgeven door een blauwe rand met gouden versiering.
Daarbuiten, op rood en tussen gouden stiksels,
staat een reeks goudkleurige tekens; ze lijken op letters,
maar zijn te gestileerd en te fragmentarisch
om als leesbare tekst te worden geïdentificeerd.
Daaromheen staan stralende punten die het geheel als een zon omringen.
Aan weerszijden houden beren het schild vast,
een verwijzing naar kracht en standvastigheid,
terwijl bovenop een gouden helm prijkt met een gevleugelde leeuwenkop
als helmteken: een symbool van moed en waakzaamheid.
De rode en witte bladkrullen verwijzen naar de kleuren van Savoye,
en onderaan verschijnt een kleine gevleugelde hengst,
een teken van snelheid en adel.

Op het eerste gezicht lijkt het wapen goed te lezen,
maar gaandeweg worden details zichtbaar die zich moeilijk laten duiden,
zoals de sporen van een tekst onder de gevleugelde hengst
waarvan geen letter meer te onderscheiden is.

Waarom hij zo’n typische “heraldieke persoonlijkheid” is

Jacob is precies het soort edelman dat trots was op afkomst en territorium,
en dat niet alleen kon maar ook moest zijn.
Als jongere zoon moest hij zich via titels, functies en symbolen profileren;
hij beschikte over een eigen machtsbasis in het Pays de Vaud;
hij leefde in een hofcultuur waarin identiteit zichtbaar werd gedragen
in kleding, sieraden en wapenschilden;
en hij vervulde militaire functies waarin banieren, kleuren en heraldiek
een centrale rol speelden.

Kortom:
Jacob II belichaamt het laatmiddeleeuwse idee dat macht en afkomst
niet alleen bezit waren, maar ook beeldtaal.
Hij is precies het type mens dat zijn achtergrond niet verbergt,
maar met overtuiging toont — in wapens, insignes en portretten.


DSC05769BazelKunstmuseumBaselVersoCoatOfArmsTxt
Zaaltekst bij de vijfde sectie van de tentoonstelling.

DSC05772 01 BazelKunstmuseumBaselVersoLucasCranachDerÄlterPortraitOfJohannFriedrichTheMagnanimousElectorOfSaxony1533ölAufBuchenholzInv1228
Lucas Cranach der Älter, Portrait of Johann Friedrich, The Magnanimous, Elector of Saxony, 1533, öl auf buchenholz. Inv. 1228.
DSC05772 02 BazelKunstmuseumBaselVersoLucasCranachDerÄlterPortraitOfJohannFriedrichTheMagnanimousElectorOfSaxony1533ölAufBuchenholzInv1228
DSC05772 03 BazelKunstmuseumBaselVersoLucasCranachDerÄlterPortraitOfJohannFriedrichTheMagnanimousElectorOfSaxony1533ölAufBuchenholzInv1228
DSC05773  01 BazelKunstmuseumBaselVersoLucasCranachDerÄlterPortraitOfJohannFriedrichTheMagnanimousElectorOfSaxony1533ölAufBuchenholzInv1228
DSC05773  02 BazelKunstmuseumBaselVersoLucasCranachDerÄlterPortraitOfJohannFriedrichTheMagnanimousElectorOfSaxony1533ölAufBuchenholzInv1228
Zo zijn de wapenschilden misschien nog iets duidelijker.

De Grootmoedige

Johann Friedrich (geboren 1503) was keurvorst van Saksen
— een van de zeer selecte vorsten binnen het Heilige Roomse Rijk
die het recht hadden om de keizer te kiezen.
Die positie gaf hem aanzienlijke politieke invloed
en maakte zijn dynastieke representatie extra belangrijk.
Hij stamde uit het Huis Wettin, een oude dynastie
die al sinds de middeleeuwen de Saksische gebieden bestuurde.
Binnen dat huis bestonden twee takken: de Albertijnse en de Ernestijnse linie.
Johann Friedrich behoorde tot die Ernestijnse tak,
die in zijn tijd de leiding had over Wittenberg en het Saksische keurvorstendom.

Als beschermheer van Luther en de universiteit van Wittenberg
speelde hij een sleutelrol in de verspreiding van het protestantse geloof.

Zijn bijnaam der Großmütige verwijst naar zijn reputatie
als loyale, principiële vorst.

In 1527 trouwde hij met Sibylle van Kleef,
waarmee hij de Saksische dynastie verbond aan het Rijnlandse huis Kleef‑Jülich‑Berg
— een alliantie die zowel politiek als symbolisch gewicht had
binnen het Heilige Roomse Rijk.

Hij overleed in 1554, 51 jaar oud, aan een plotselinge infectie die een lichaam trof
dat al verzwakt was door jaren van gevangenschap na de Schmalkaldische Oorlog.

Het portret en de achterkant

Lucas Cranach der Ältere schilderde Johann Friedrich in 1533,
in een sobere maar statige pose
— een stijl die zowel past bij de ingetogen Saksische hofcultuur
als bij de vroege protestantse voorkeur voor waardige eenvoud.
De keurvorst draagt een bontkraag en een rijk geborduurde halsband
met de inscriptie “ALS IN EREN”
— een morele uitspraak die Cranach niet als versiering
maar als karakterteken gebruikte.
De woorden, deels herhaald in het patroon van de stof,
presenteren de keurprins als iemand die leeft in overeenstemming met eer en waardigheid.
In de context van Wittenberg, waar geloof en gedrag nauw verbonden waren,
krijgt die korte tekst de kracht van een belofte:
een vorst die zijn positie niet door pracht maar door deugd bevestigt.
De meerlagige ketting en de ring met een steen onderstrepen zijn persoonlijke status,
terwijl de lage, verstrengelde handhouding een ingetogen waardigheid uitstraalt.

Op de achterkant van het paneel zijn, tussen twee later aangebrachte Franse briefjes,
twee kleine wapenschilden zichtbaar: het Saksische en het Kleefse wapen.
Die heraldische combinatie verwijst naar het huwelijk
tussen Johann Friedrich en Sibylle;
bij zulke vorstelijke verbintenissen was het gebruikelijk
dat er meerdere, vrijwel identieke portretten werden vervaardigd,
zodat ze konden functioneren als diplomatiek geschenk
én als publieke bevestiging van de huwelijksband tussen twee huizen.

De verso fungeert zo als heraldische pendant bij het portret,
en bevestigt dat het werk oorspronkelijk deel uitmaakte van een tweeluik.
Andere versies van dit portretpaar zijn bewaard gebleven,
onder meer in het Statens Museum for Kunst in Kopenhagen
— een teken dat het hof van Johann Friedrich
dit beeld bewust liet circuleren, en dat Cranach en zijn atelier
het portret daarom in serie vervaardigden als dynastiek en religieus statement.


Kijken, vergelijken en opnieuw kijken

– over Nayarit‑beelden, vroege vormen en een latere stijl uit Veracruz  –

Als je recent berichten op mijn blog gelezen hebt,
dan weet je dat ik probeer werken met elkaar in verband te brengen.
Daarbij begin ik altijd bij de werken zelf:
hoe zien ze eruit, wat valt meteen op, welke informatie is voorhanden,
zien de werken er dan nog steeds hetzelfde uit?

Vandaag is dat moeilijk:
één serie beeldjes gebruikt het museum om een specifieke beeldtaal te tonen.
Een beeldtaal die gebonden aan een benoemd gebied in Mexico.
De andere reeks beelden heeft het museum samengebracht
om de stijlontwikkeling in de Mexicaanse kunst in beeld te brengen.
Met een reeks voorbeelden uit de uit de vroege fase van die ontwikkeling
en één sprekend voorbeeld uit Veracruz,
dat bekend staat om een doorontwikkelde stijl.

Niet gemakkelijk om onder één noemer te brengen
maar ieder beeld op zich is bijzonder en prachtig.
Hopelijk vind je dat ook.

DSC06031MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtMujerSentadaDeNayarit PreclásicoTardío1250aC–200dCZittendeVrouwNayaritLaat‑Preklassiek1250vC–200nC
Mexico, Oaxaca, Museum Mexican Prehispanic Art, Mujer sentada de Nayarit, preclásico tardío, 1250 a.C. – 200 d.C. Zittende vrouw, Nayarit, laat‑preklassiek, 1250 v. Chr. – 200 n. Chr.
DSC06032MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtMujeresSentadasDeNayarit PreclásicoTardío1250aC–200dCZittendeVrouwenNayaritLaat‑Preklassiek1250vC-
Mujeres sentadas de Nayarit.

De zittende vrouwen uit Nayarit vallen op
door hun karakteristieke hoofdvorm:
breed, hoog en licht naar voren geplaatst,
met ogen en mond als smalle horizontale inkepingen
die het gezicht een gestileerde, bijna maskerachtige expressie geven.
De opvallend grote oren versterken die stilistische abstractie.

Net zoals geloken ogen in boeddhistische beeldtradities
niet bedoeld zijn als realistische weergave van de historische Boeddha
maar als een iconografisch kenmerk dat hem onmiddellijk herkenbaar maakt,
functioneren deze gelaatstrekken als een regionale signatuur:
ze markeren de figuren als
behorend tot de West‑Mexicaanse Preklassieke tradities
van Nayarit, Jalisco en Colima,
en onderscheiden hen duidelijk van andere Meso‑Amerikaanse stijlen.

Ook het ontbreken van de onderbenen is een bewuste keuze
binnen deze vormtaal:
de figuren zijn vanaf het begin als compacte, zittende gestalten gemodelleerd,
waarbij anatomische volledigheid
ondergeschikt is aan stilistische herkenbaarheid.


DSC06034MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtComparativeFigurinesEarlyStylisedFormPreclassicToEarlyProtoclassicTransitionC1200BC–AD200
Comparative figurines showing early stylised form, preclassic to early protoclassic transition, circa 1200 BC – AD 200. Het eerste voorbeeld in een reeks van vier.
DSC06035MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtComparativeFigurinesEarlyStylisedFormPreclassicToEarlyProtoclassicTransitionC1200BC–AD200
DSC06038MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtComparativeFigurinesEarlyStylisedFormPreclassicToEarlyProtoclassicTransitionC1200BC–AD200
DSC06039MexicoOaxacaMuseumMexicanPrehispanicArtComparativeFigurinesEarlyStylisedFormPreclassicToEarlyProtoclassicTransitionC1200BC–AD200
De voorafgaande vier foto’s tonen de vroege beelden met de compacte, gestileerde vormtaal waarmee deze traditie begint; het Veracruz‑beeld dat na onderstaande tekst volgt behoort tot een latere fase en laat zien hoe die vorm zich verder ontwikkelt.

Beelden in de vergelijking

De beelden in de vergelijking worden in het museum
hoog en sterk uitgelicht gepresenteerd, alsof het autonome sculpturen zijn.
Die presentatie is prachtig
— het roze fond, de schaduwen en de hoogte
geven de figuren een bijna moderne monumentaliteit
— maar maakt het vergelijken juist lastiger.
Door de afstand en het theatrale licht
verdwijnen de kleine stilistische aanwijzingen
die normaal helpen om vroege, compacte vormen te onderscheiden
van latere, meer uitgewerkte types.
Toch laten de vroege beelden,
wanneer je ze aandachtig naast elkaar bekijkt,
duidelijke verschillen zien in vorm, expressie en ornamentiek.
Die verschillen illustreren hoe de beeldtraditie
zich in de loop van tijd heeft ontwikkeld.

De complexe hoofdtooi van het Veracruz‑beeld

Het Veracruz‑beeld dat later in de blog volgt,
heeft een hoofdtooi die meteen de latere stijl verraadt:
opgebouwd uit meerdere lagen,
met een diermotief dat als ceremoniële of beschermende figuur fungeert.
De hoofdtooi is niet alleen decoratief maar ook narratief
— hij draagt betekenis, status en ritueel.
Dit soort rijke, gelaagde ornamentiek is kenmerkend
voor het Late Protoclassicum van het Centrum van Veracruz,
waar de beeldtaal steeds verfijnder werd.
In de museale presentatie valt dat extra op:
het licht vangt de scherpe randen
en geeft het beeld een bijna theatrale monumentaliteit.

De gestileerde, compacte vormen van de vroege beelden

De vier vroege beelden die voorafgaan aan het Veracruz‑beeld
zijn veel compacter en strakker.
De gelaatstrekken zijn gereduceerd tot heldere lijnen:
horizontale ogen, een eenvoudige mond, ronde oorornamenten
en sobere haarbanden of kronen.
Deze reductie is geen gebrek aan detail,
maar een bewuste stilistische keuze:
een vormtaal die rust, eenvoud en een zekere tijdloosheid uitstraalt.
Door de hoge, kunstzinnige presentatie in het museum
krijgen deze vroege figuren een sculpturale kracht
— ze lijken bijna moderne beelden, ondanks hun grote ouderdom.

Het ontbreken van ceremoniële detaillering

Waar het Veracruz‑beeld een verhaal lijkt te dragen in zijn hoofdtooi en gelaat,
blijven de vroege beelden stilistisch gesloten.
Ze missen de dynamische details die latere stijlen kenmerken:
geen diermotieven, geen complexe attributen, geen uitgewerkte kleding.
Juist daardoor functioneren ze perfect als vergelijkingsmateriaal:
ze laten zien hoe een beeldtraditie begint
met eenvoudige, schematische vormen
en zich langzaam ontwikkelt naar rijkere, ceremoniële expressie.
Het museum gebruikt deze vroege beelden
om die overgang zichtbaar te maken
— zelfs al staat de presentatie op het eerste gezicht
vooral in dienst van schoonheid en niet van uitleg.

DSC06037FigurineIncludedToCompareLateProtoclassicCentreVeracruz100bc-ad200
Figurine included to compare late protoclassic, centre of Veracruz, 100 b.C – aD. 200.

India 24/25: Varanasi, dag 2 – Ganga Aarti

– over een ceremonie aan de Ganges en de toeschouwers –

Indrukwekkend.
Al die mensen, Hindoebedevaartgangers en westerse toeristen,
verkopers van offers, gidsen, priesters, verhuurders van boten en
verkopers van souvenirs.
Mensen op trappen, in boten en aan de kant; in een stoel of op de stenen.
Een bruidspaar.
Geluid, muziek, gepraat, geroezemoes, wierook, zingen, licht.
Allemaal door elkaar, maar ook allemaal geconcentreerd op het ritueel.
De Ganga Aarti in Varanasi.

DSC01603IndiaVaranasiGangaAarti VeelHandel
DSC01604IndiaVaranasiGangaAarti BedevaartsgangersAanLand
DSC01605IndiaVaranasiGangaAarti ToeschouwersOpDeGanges
Er zijn veel mensen op de trappen bij de Ganges in Varanasi. Van de straat die de stad in loopt tot op het water in de boten die speciaal voor het ritueel komen aanvaren.
IMG_3510IndiaVaranasiGangaAarti
Vanaf deze rij met podia zal het ritueel worden aangekondigd en worden uitgevoerd.
DSC01606IndiaVaranasiGangaAarti
Een groep priesters is bezig met de voorbereiding.
DSC01607IndiaVaranasiGangaAarti Sfeer
Bedevaartsgangers reageren enthousiast op de gebeurtenissen.
DSC01609IndiaVaranasiGangaAarti OveralMensen
Terwijl anderen rustig afwachten op wat er allemaal nog komen gaat.
DSC01610IndiaVaranasiGangaAarti Prep
IMG_3509IndiaVaranasiGangaAarti
IMG_3512IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01611IndiaVaranasiGangaAarti DashashwamedGhat
DSC01614IndiaVaranasiGangaAarti Bruiloft
Een bruidspaar. Ze zijn geen vast onderdeel van de Aarti.
IMG_3513IndiaVaranasiGangaAarti
De voorganger begint met gezang.
DSC01615IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01618IndiaVaranasiGangaAarti Prep
Er is veel enthousiasme aanwezig.
DSC01619IndiaVaranasiGangaAarti Prep
DSC01620IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01621IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01622IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01623IndiaVaranasiGangaAarti
Mijn indruk was dat de jonge mannen in het geel nog in opleiding waren voor het ritueel.
DSC01624IndiaVaranasiGangaAarti
De jonge mannen in het geel stonden voor de podia maar wel een stukje lager zodat ze niet in beeld van de bedevaartgangers stonden.
DSC01625IndiaVaranasiGangaAarti
Klanken uit een grote schelp bereiken het hele publiek.
DSC01628IndiaVaranasiGangaAarti
Gerinkel van bellen.
DSC01629IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01630IndiaVaranasiGangaAarti
Brede gebaren met wierook.
DSC01633IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01634IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01636IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01637IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01639IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01640IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01642IndiaVaranasiGangaAarti
IMG_3514IndiaVaranasiGangaAarti
IMG_3516IndiaVaranasiGangaAarti
IMG_3515IndiaVaranasiGangaAarti
IMG_3517IndiaVaranasiGangaAarti
IMG_3518IndiaVaranasiGangaAarti
DSC01647IndiaVaranasiGangaAarti
Even verderop een vergelijkbare ceremonie.
IMG_3520IndiaVaranasiRestaurantInSmalleStraatje
Terug in het smalle straatje, parallel aan de loop van de Ganges. Ik zit in een rustig restaurant en kijk naar de winkels aan de overkant van de straat die nog open zijn.